Cómo hacer una mezcla más fuerte sin recortar

Hay una buena razón por la que los productores quieren saber cómo hacer una mezcla más fuerte sin recortar o distorsionar. Un «secreto» ampliamente conocido en la industria musical es que a la gente le gusta más la música alta. Ante grabaciones idénticas, cuya única diferencia es el volumen general, la persona media dice que prefiere la más alta, aunque normalmente no se da cuenta de que es por eso. Así que los músicos y los productores han competido colectivamente para conseguir un sonido cada vez más alto, desde el principio de la música.

Desde los instrumentos acústicos de cuerpo hueco con agujeros de sonido, hasta los enormes órganos de tubos que pueden hacer temblar las paredes de las iglesias. Desde la invención de los altavoces y los amplificadores, hasta la hilarante reivindicación de Spinal Tap como «una de las bandas más ruidosas de Inglaterra». Aunque es posible ir demasiado lejos, la idea general de que más fuerte es mejor no necesita explicación. Aunque la revolución digital ha facilitado mucho la creación de música ruidosa, todavía hay que hacerlo bien o se corre el riesgo de que se produzcan recortes y distorsiones, señales inequívocas de un productor amateur.

Hay un límite

¿Por qué no se puede aumentar el volumen infinitamente? Por qué hay un punto en el que la calidad empieza a resentirse? Tiene que ver con la forma en que se mide el volumen en la producción musical. En el mundo real, la medición del volumen es bastante sencilla. Un susurro es de unos 30 decibelios (dB), una conversación normal es de 60 dB, un concierto de rock puede ser de 110 dB, etc.

Sin embargo, cuando se produce música, la escala es al revés, desde infinitos decibelios negativos hasta un máximo de cero. Este cero representa el volumen máximo al que los altavoces o los auriculares pueden reproducir la música antes de que empiecen a distorsionar o a saturar.

Así que aquí radica el reto: aumentar la sonoridad sin llegar a ese máximo. Y más aún, aumentar el volumen general manteniendo la dinámica, los cambios de volumen y energía que hacen que la música sea interesante en primer lugar.

La buena noticia es que hay algunos métodos fáciles que puedes implementar para conseguir un sonido más alto sin causar recortes o distorsión. Aquí hay 7 tácticas que sugiero utilizar:

Subir el volumen

La respuesta más sencilla es a veces la correcta, así que no te compliques demasiado si no es necesario. Pero no pierdas de vista el medidor de volumen de tu DAW. El volumen nunca debe pasar de 0,0 dB. Asegúrate de que la parte más alta de la pista no llega a 0,0 y todo irá bien. (Puedes ver la parte más alta visualmente – es la parte más ancha de la forma de onda.)

Automatizar el volumen

Dependiendo de lo que estés trabajando, una pista puede ser mucho más fuerte en ciertos momentos que en otros. La automatización del volumen es una de las habilidades más básicas que hay que aprender como productor, pero una de las más valiosas. Si has subido el volumen de una pista al máximo antes de recortar, pero algunas partes de la pista siguen siendo demasiado silenciosas, puedes automatizar el volumen para que sea más uniforme. Baja el volumen de las partes más ruidosas, sube el de las más silenciosas, o ambas cosas. Si quieres ponerte fino, Waves vende un excelente plugin llamado vocal-rider. Se puede utilizar en otros tipos de pistas, además de las vocales. Una vez que hayas configurado los parámetros, hará todo el trabajo por ti.

Nota: En general, deberías hacer «gain-staging» antes de cualquier otro tipo de procesamiento a una pista. Es decir, asegúrate de que los niveles de todos los instrumentos están equilibrados, más o menos como deberían estar en la pista final. Esto también puede incluir la automatización del volumen de los instrumentos, es decir, aumentar el volumen de un instrumento cuando está tocando una parte importante y bajarlo cuando se supone que se desvanece en el fondo.

Utiliza un limitador

Un limitador es una herramienta versátil que garantiza que una pista nunca supere los 0,0 db. Baja automáticamente el volumen de los picos perdidos en la forma de onda que se cruzan, lo que te permite subir fácilmente el volumen general sin necesidad de revisar la pista con detenimiento. Sin embargo, no son mágicos: si subes demasiado el volumen sin utilizar ningún otro método para aumentar el volumen, una pista puede sonar desagradablemente distorsionada. Confía en tus oídos y escucha la pista lo más alto que puedas soportar brevemente: es una forma estupenda de escuchar asperezas que de otro modo podrías pasar por alto. Algunos tipos de distorsión suenan realmente bien, pero la distorsión de un limitador NO. Limiter no 6 es un increíble VST gratuito que utilizan muchos productores profesionales, yo incluido.

Usa la compresión

Un limitador es en realidad un tipo de compresor. La compresión es una de las herramientas de producción más sutiles, y más difíciles de dominar, pero es increíblemente poderosa, ¡y es crucial aprenderla para cualquier productor! Una compresión mal utilizada es uno de los indicios más básicos de que un productor inexperto ha trabajado en algo. El concepto básico de la compresión es bastante sencillo: reduce automáticamente el volumen de los momentos más fuertes de una pista, permitiéndote subir el volumen general.

Pero el diablo está en los detalles: hay muchos matices en la forma de aplicar la compresión. Para los nuevos productores, recomiendo encarecidamente conseguir un VST basado en el clásico compresor LA-2A. Yo uso el CLA-2A de Waves, que es uno de los más baratos cuando está en oferta. Sólo tiene dos mandos: reducción de ganancia y volumen de salida. Sin embargo, es extremadamente potente y tiene un sonido propio muy bonito que parece hacer que casi todo suene mejor por arte de magia. Este compresor es un excelente punto de partida para aprender lo básico.

Usa el ecualizador para cortar las frecuencias graves

Si los compresores son una de las herramientas más poderosas para los productores, los ecualizadores son la otra. Un productor con talento puede utilizar sólo la ecualización y la compresión para convertir las pistas de instrumentos en bruto en una canción que suene profesional. Las ondas sonoras de baja frecuencia (graves) son mucho más potentes que las de media o alta frecuencia. Por eso puedes sentir las frecuencias graves en tu cuerpo en un club o concierto ruidoso, y por eso atraviesan las paredes. Como resultado, las frecuencias graves pueden «comerse tu volumen». Bajar los graves de una pista puede darte mucho más margen, es decir, mucho más espacio para subir el volumen antes de la saturación. Pero ten cuidado, porque también cambiará la sensación de la pista. Como con todos estos consejos, confía en tus oídos y escucha los resultados en tantos tipos de altavoces como puedas para comprobar tu trabajo. Así es como los productores mejoran!

Usa la ecualización para potenciar ciertas frecuencias

Cada rango del espectro de frecuencias tiene su propio carácter y sensación. Elevar ciertos rangos puede cambiar la percepción del volumen de una pista. En primer lugar, prueba a elevar las frecuencias en torno a los 8k-10k Hz. Esto puede hacer que una pista suene más «brillante» y que los detalles sean más fáciles de escuchar. También puedes subir el volumen de las frecuencias en torno a 2000-2500 Hz. El oído humano es muy sensible a este rango, porque lo utilizamos para entender el habla. Aumentar este rango puede añadir mucha «presencia» y hacer que algo suene más «en tu cara».

Pero ten cuidado; como somos sensibles a este rango, también puede ser fatigante durante largos periodos. De nuevo, te recomiendo que vuelvas a escuchar la pista a todo volumen. Deberías ser capaz de sentir si este rango se está volviendo demasiado duro. No olvides consultar la curva de Fletcher-Munson. Se trata de un recurso muy valioso que muchos nuevos productores desconocen. Muestra cómo el oído humano es sensible a las diferentes frecuencias.

Distorsión

¿Recuerdas cuando mencioné que algunos tipos de distorsión suenan bien? Hay dos tipos de distorsión en la música: el clipping suave (o analógico) y el clipping duro (digital). El clipping duro es uno de los sonidos más desagradables, en mi opinión personal. Pero el «soft clipping» puede ser muy musical. En términos técnicos, en realidad añade sobretonos a la música – ¡puede sonar musical porque literalmente está añadiendo más música!

Hay varias maneras de lograr el recorte suave. Una de las más sencillas es con un VST. Variety of Sound tiene un excelente plugin gratuito llamado Ferric TDS que emula el tipo de distorsión que se produce cuando se graba demasiado alto en una cinta. Una vez que el limitador está activado, puedes forzar la señal de entrada tanto como quieras para añadir distorsión. Por supuesto, la distorsión tiene una sensación muy específica. Así que sonará fantástica en algunos contextos y horrible en otros. Dicho esto, a veces añadir sólo una pequeña cantidad puede elevar el volumen sin cambiar notablemente el timbre.

¡Así que ahí lo tienes! ¡Con estos consejos, deberías tener un gran punto de partida para hacer música más fuerte! Pero ten cuidado de encontrar ese equilibrio mágico antes de sacrificar la calidad o la musicalidad. Después de todo, ¿qué es peor, no hacer música o hacer mala música? Y nunca tengas miedo de probar servicios profesionales de mezcla y masterización como parte de tu proceso de aprendizaje para convertirte en un mejor productor. Te sorprendería lo asequible que puede ser, o la diferencia que puede suponer.

Qué estás escuchando

¿Cómo puedes saber siquiera si tu música está recortada o distorsionada porque la has puesto demasiado alta? Recuerda que cuando haces música, sólo puedes hacer música tan buena como tus altavoces o auriculares. Podrías tener problemas si estás monitorizando con equipos de baja calidad, o equipos que «colorean» tu sonido. Lee aquí mi lista personal de recomendaciones de auriculares y altavoces de monitorización para productores noveles.

Una nota final: Las guerras de la sonoridad

¡Recomiendo a cualquiera que esté interesado en la historia de la producción musical que se familiarice con las guerras de la sonoridad!

Resulta que en general, si a la gente se le presenta la misma canción, salvo que una es más ruidosa- dirán que prefieren la más ruidosa. Y claro, los humanos también nos movemos por el ego, los humanos también nos movemos por el ego, así que los músicos y productores empezaron a competir colectivamente para lanzar música cada vez más alta.

Las llamadas «Loudness Wars» fueron una característica definitoria de la producción musical en los 90 y alcanzaron su punto máximo a principios de los 00. Incluso los estudios de música de gran presupuesto y los principales productores del mundo sacrificaron gradualmente la calidad del sonido por el volumen bruto. Vuelve a escuchar «Californication» de Red Hot Chili Peppers con esto en mente. Está considerada como una de las peores. Si se presta atención a ello, se puede escuchar una desagradable distorsión en las frecuencias altas a lo largo del álbum.

Colectivamente, los músicos entraron en razón en esta época; se dieron cuenta de que las cosas habían ido demasiado lejos. El péndulo osciló en sentido contrario, como suele ocurrir. «Royals» de Lorde, que fue un éxito rotundo en 2013, es un ejemplo perfecto. La mezcla difícilmente podría ser más mínima. Los éxitos del álbum «1989» de Taylor Swift, como «Shake it Off» y «Blank Space», también revelan esta reacción contra el volumen. En comparación con los éxitos pop de unos años antes, su instrumentación es escasa, y hay mucho contraste de volumen entre las estrofas y los estribillos.

En general, sin embargo, las mezclas siguen siendo más ruidosas que en casi cualquier momento del pasado. Ya no llevamos el volumen al límite, pero seguimos entendiendo el valor de la sonoridad para captar la atención y hacer que nuestros oyentes sientan realmente la música.

Robert es un ingeniero de audio independiente y el escritor principal de Range of Sounds.