‘mother!’ : Comment expliquer ce dont parle vraiment le film fou de Darren Aronofsky

Le film « mother ! » de Darren Aronofsky est enfin à l’affiche dans les cinémas du pays, ce qui signifie que tout le monde a maintenant l’occasion de découvrir ce qui est en train de devenir le film le plus polarisé de 2017. Paramount Pictures a commercialisé le film comme un film d’horreur sur les invasions de domicile, mais ce n’est qu’une partie de ce qu’Aronofsky réserve au public. Comme l’a clairement indiqué Ben Croll d’IndieWire dans sa critique A-, « mother ! » est le film le plus audacieux que le réalisateur ait jamais fait.

Une fois que le générique commence à défiler, les spectateurs auront forcément plus que quelques questions sur ce qu’ils viennent de voir. La vérité est que « mother ! » est un film difficile à traiter après un seul visionnage. Pour vous guider dans la maison des horreurs d’Aronofsky, quelques membres de l’équipe d’IndieWire ont partagé leurs propres interprétations du film. Inutile de dire qu’il y a plus d’une façon d’expliquer la vision choquante d’Aronofsky.

Lisez ci-dessous notre analyse personnelle du film, et partagez vos propres pensées et théories dans la section des commentaires. Spoilers à venir.

Eric Kohn, critique en chef et rédacteur en chef adjoint

Il est rare de trouver un film si chargé d’idées qu’il demande à être interprété, et pourtant, après deux visionnages de « mother ! ». je suis arrivé à la conclusion qu’il est faussement simple – une méditation plutôt directe sur la bible comme un thriller surréaliste de violation de domicile. C’est tout, les amis ! Et c’est ce que j’aime dans ce film.

Aronofsky a réalisé une œuvre désorientante et viscérale, si provocante dans ses mystères labyrinthiques que l’emballage fantaisiste oblige les spectateurs à entrer dans ses événements loufoques et à s’efforcer de trouver un sens à la folie. N’est-ce pas ce que les civilisations font avec les textes bibliques depuis des millénaires ? En tant qu’adolescente qui s’ennuyait en étudiant le Talmud (contre ma volonté), j’ai levé les yeux au ciel lors de plus d’une conversation prolongée sur des textes anciens chargés de métaphores obscures, de comportements bizarres et de lois déroutantes. En même temps, je comprends la stimulation intellectuelle que représente la recherche de grandes idées, et « maman ! » fournit un modèle pour en explorer toutes sortes. Pourtant, la fin elle-même est une conclusion très simple, qui est facilitée par l’examen des premières images du film : Nous voyons une femme en train de brûler, ses yeux se ferment alors que les flammes envahissent la pièce, et nous supposons que nous assistons à un avant-goût du chaos à venir. À moins, bien sûr, que nous ne regardions une autre version de ces événements se déroulant avant la création du personnage de Lawrence.

Dans les derniers instants, la divinité de Bardem extrait le cœur chatoyant de sa femme mère terrienne, le place sur le manteau et relance ostensiblement une toute nouvelle version de l’existence qui vient de s’éteindre. Nous sommes déjà venus ici : C’est exactement la même séquence d’images qui ouvre le film. L’implication est qu’Il est déjà passé par ce processus, dans une quête sans fin pour créer le monde parfait. Et bien sûr, c’est une tâche futile, une tâche que ce poète sourcilleux répétera probablement pour l’éternité. Que Dieu nous aide tous.

« mère ! »

David Ehrlich, Senior Film Critic

Je dois être parfaitement honnête… peut-être est-ce parce que je suis un juif agnostique qui ne pense à la religion que sous une contrainte extrême, ou peut-être est-ce simplement parce que je suis un idiot, mais les connotations bibliques du nouveau whatever sauvage de Darren Aronofsky ne m’ont pas effleuré jusqu’à ce que je parle à quelqu’un après le film. Ils étaient incroyablement évidents dès que quelqu’un les a portés à mon attention, et – comme la bosse sur le front de Jean-Claude Van Damme – une fois que vous l’avez vue, vous ne pouvez plus l’oublier. Mais l’interprétation la moins intéressante d’une œuvre d’art vient souvent de la personne qui l’a créée, et c’est certainement vrai dans ce cas. En fait, j’ai été consterné d’apprendre qu’Aronofsky a donné son accord sur l’imagerie religieuse lorsqu’il a présenté la première au TIFF, car encadrer le film de manière aussi étroite interfère invariablement avec la liberté du public de donner son propre sens à l’histoire.

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Bien que j’en sois venu à apprécier « mother ! » comme une vaste allégorie de la relation destructive et cyclique entre les gens et la terre qu’ils habitent, je me suis d’abord (et plus viscéralement) connecté au film comme une parabole sur l’exposition d’une relation privée à une existence publique. Si le film finit par devenir le cauchemar ultime d’un introverti, il commence comme un drame conjugal cloîtré dans lequel un couple aimant mais déséquilibré est forcé de reconnaître comment l’éden de leur amour est perturbé par les intrusions du monde extérieur. L’expression dit : « Je ne t’aimerais pas si nous étions les deux dernières personnes sur Terre », mais « Maman ! » montre que les choses pourraient être beaucoup plus faciles ainsi. Bien sûr, il ne faut pas oublier que le personnage de Javier Bardem est un artiste – et pas n’importe lequel, mais le plus dangereux et le plus hédoniste des artistes : un poète. D’accord, il est amusant qu’un poète puisse inspirer une réponse aussi fiévreuse à ses disciples (bien qu’Aronofsky soit dans le coup ou qu’il considère l’écriture de Bardem comme une écriture sainte), mais il y a un degré de vérité troublant dans l’idée que même la forme la plus idéalisée de l’amour romantique ne sera jamais suffisante pour un artiste, qui aspirera toujours à ce que son œuvre se répande plus largement, coupe plus profondément et explose dans une manie dévorante qui l’emporte sur la réalité de la vie elle-même. Et ensuite, ils voudront se réveiller le lendemain matin et recommencer le processus.

Jamie Righetti, rédactrice des médias sociaux

Il se passe tellement de choses dans « mother ! » qu’il est presque difficile de savoir par où commencer, sauf en reconnaissant qu’il s’agit d’une allégorie de quelque chose. On a beaucoup parlé de Lawrence comme de la Terre Mère, et de l’humanité qui s’épuise dans sa maison comme les pires invités de l’histoire. Bien sûr. Il y a aussi la relation tumultueuse de l’humanité avec la religion, et la foi comme catalyseur de certains des événements les plus catastrophiques de l’histoire, notamment lors de l’une des séquences les plus ahurissantes du film.

« mère ! »

Mais rien de tout cela ne commence même à aborder le fort message féministe qui traverse « mère ! ». Le personnage éponyme de Lawrence se lamente d’avoir tout donné, mais la poétesse de Bardem sait qu’elle a plus à donner, et c’est effectivement le cas. Tout au long de l’histoire, les femmes ont donné leur esprit, leur corps, leur cœur, leur foi, leurs talents et bien d’autres choses encore, pour être négligées au profit des réalisations les plus médiocres des hommes. Marie-Madeleine a été reléguée au rang de putain, tandis que Pierre a renié le Christ et est devenu pape. Les femmes sont peut-être capables de donner littéralement naissance à la vie, mais trop souvent, ce don ne fait que nourrir l’ego des hommes. Qu’on l’aime ou qu’on le déteste, « mother ! » expose la nature cyclique d’une histoire oppressive que nous ne cessons de répéter.

Zack Sharf, Staff Writer

Seul Aronofsky oserait même faire un film comme « mother ! ». Si « Noé » a donné au réalisateur la liberté d’interpréter sa compréhension de la Bible, alors « mère ! » lui donne les outils nécessaires pour écrire une toute nouvelle Bible. Le film étend le Nouveau Testament au 21ème siècle, en faisant la chronique de la victimisation de la Terre Mère par l’histoire humaine, depuis la création d’Adam jusqu’à l’époque des guerres modernes et de la crise mondiale des réfugiés. « Mère ! » est divisé en deux moitiés, la première étant constituée d’événements de l’Ancien Testament : Adam (Ed Harris) et Eve (Michelle Pfeiffer) arrivent et commettent le péché originel (brisant le cristal de Bardem), leurs jumeaux sont Caïn et Abel, un évier explose et provoque un déluge. La seconde moitié est le Nouveau Testament actualisé à notre époque chaotique. L’imagerie évoquée par Aronofsky dans la séquence finale fait penser à Abu Ghraib, à la guerre d’Irak, à la crise des migrants en Europe, etc. Les différences entre les deux parties ne sont pas subtiles – dans la première, le personnage de Lawrence perd lentement patience, tandis que la seconde est un assaut violent et total – mais c’est la façon dont Aronofsky montre à quel point notre monde est devenu un enfer au cours du siècle dernier, et pourquoi nous ne pouvons nous en prendre qu’à nous-mêmes. « mother ! » est un acte d’accusation contre l’humanité, une écriture qui fait la chronique du viol de la terre à travers les siècles.

Anne Thompson, Editor At Large

Aronofsky a écrit ce film à un rythme effréné pendant un long week-end de vacances, 70 pages rapidement. C’est à cela qu’il ressemble, un rêve, sans logique, truffé d’exagérations cauchemardesques. Vous vous souvenez de ces rêves angoissants où vous vous retrouvez dans une maison inconnue pleine de gens, où vous organisez une fête mais où vous n’avez pas fait les courses et où vous portez encore votre chemise de nuit ? C’est ce que l’on ressent, et comme un film cérébral comme « Inception », vous le regardez attentivement, sourcils froncés, en essayant de comprendre ce qui se passe.

Aronofsky vous déstabilise dès le début. Le film commence par une maison en feu avec un cœur battant qui ressuscite magiquement via une pierre magique. On apprend que l’architecte d’intérieur Lawrence a reconstruit la maison après un incendie. Bon, alors. Elle s’inquiète pour son célèbre mari poète (Javier Bardem), qui a du mal à écrire. Lorsqu’elle est anxieuse, elle boit une étrange potion jaunâtre qui ressemble à du laudanum, et se calme, mais les choses deviennent de plus en plus bizarres. Au moment où nous arrivons à la fin, les petits points d’interrogation sont devenus très grands, et que nous ayons ou non relevé toutes les références bibliques et écologiques en cours de route, la teneur religieuse du final est indéniable.

Ce n’est pas un film d’horreur. Non. C’est plutôt comme si Aronofsky rencontrait Salvador Dali ou Luis Bunuel (ils étaient amis). C’est un Oreiller surréaliste. C’est le meilleur film de l’année à regarder en hauteur. Mais ce n’est pas quelque chose à décortiquer littéralement. Cela enlève tout le plaisir de la chose.