Musique hawaïenne : Ukes, Steel Guitars et plus

Ma femme et moi avons visité l’Hawaï en 1981, et avons tous deux été frappés par la beauté des îles et des gens. Il n’y a qu’une seule chose qui m’a déçu : je n’ai pas entendu un seul joueur de steel guitar. Bien sûr, la guitare slack-key connaissait une nouvelle vague de popularité et le ukulélé était omniprésent, mais pendant notre séjour de deux semaines, je n’ai jamais pu trouver de jeunes gens jouant du type de guitare qui porte le nom d’Hawaï. J’ai même trouvé un ukulélé baryton en forme d’Oahu, mais la plupart de l’intérêt et du développement concernait la guitare et la guitare slack-key. De nouveaux luthiers fabriquaient des guitares et des ukes de qualité, de toutes formes et de toutes sortes – mais pas d’aciers.

Je savais que certains des grands night-clubs proposaient des spectacles incluant quelques anciens jouant encore de la guitare hawaïenne, mais je voulais trouver les steel-players des enfants à la plage jouant de leur slack-key. J’ai vu de nombreux groupes de spectacles touristiques, et avec eux des ukes de toutes tailles, mais la steel guitar semblait avoir fui les îles pour le continent, résidant maintenant à Nashville sous la forme de la pedal steel, le membre le plus développé mécaniquement de la famille des guitares, et sa cousine la Dobro, une guitare à résonateur conçue comme une guitare acoustique hawaïenne forte dans les années 1920. Bien sûr, il y avait quelques anciens dans le coin, mais nous ne savions pas comment les trouver.

Vous voyez, j’adorais la guitare hawaïenne. Je barbotais avec une depuis que j’étais enfant, et un été, en travaillant dans un magasin de musique local, je suis tombé sur un National six cordes électrique lap steel vintage de la Seconde Guerre mondiale, et un livre de méthode de guitare hawaïenne Leon Coleman datant d’environ 1911. Adolescent, j’avais joué dans un orchestre de danse, et j’avais été exposé au son tout à fait disparu des « Hawaii Calls », de la musique autrefois la plus populaire aux États-Unis, celle d’Hawaii.

J’ai découvert qu’en 1900, le ukulélé et la guitare hawaïenne, récemment inventés, gagnaient en popularité sur le continent, ainsi qu’un nouveau style de musique appelé hapa-haole, ou « mi-blanc », et qui était un mélange de nombreux éléments reflétant les divers peuples qui se sont installés dans les îles hawaïennes dans les années 1800. Les éléments hawaïens indigènes étaient mélangés à des hymnes de congrégation, à des chants de marins, à des musiques portugaises, espagnoles, mexicaines et à de nombreux autres genres musicaux qui apportaient leur contribution – même la musique d’orchestre européenne ! Les immigrants d’autres îles polynésiennes ont apporté une autre couche d’influences. Avant la fin des années 1800, le violon et la flûte étaient parmi les principaux instruments principaux, et les mandolines étaient également populaires. Cependant, en 1880, un nouvel instrument basé sur le braguinha portugais (également l’ancêtre du cavaquinho brésilien) a fait irruption sur la scène hawaïenne, le ukulélé, qui était un petit corps en forme de guitare, un manche court et 4 cordes en boyau, maintenant en nylon. L’accordage était basé sur la guitare également, GCEA étant la norme hawaïenne, bien que les joueurs de uke du continent s’accordent généralement un pas entier plus haut, ADF#B.

Le ukulélé est devenu un succès très répandu, s’associant même au début de l’ère flapper/jazz des années folles, et a été joué dans le vaudeville par des virtuoses des cordes comme Roy Smeck et Harry Volpe. Le ukulélé baryton est plus grand et est accordé plus bas, DGBE comme les quatre rangs supérieurs de la guitare. Les joueurs utilisent souvent des techniques de doigté, mais parfois des pics en feutre ou un autre type de plectre. Les ukulélés à double corde étaient appelés « taropatches » et étaient plus souvent joués à la manière d’un plectre.

La guitare a été apportée dans les îles par des cow-boys mexicains et peut-être des navires baleiniers au début des années 1800, et bientôt la guitare a été accordée sur des accords ouverts comme un moyen de produire un certain style unique de jeu, et de rendre facile le jeu des modèles d’accords de base. Ce style de guitare s’est développé en deux domaines distincts – le slack key et la guitare hawaïenne ou steel guitar.

Le slack key est probablement le développement le plus ancien, et est basé sur des motifs mélodiques fingerpicking sur des fonds accordés ouverts ; de nombreux accords sont utilisés, peut-être plus de 100, bien que la plupart des interprètes en utilisent beaucoup moins. Le nom vient du fait que l’on relâche les cordes pour produire des accords ouverts dans différentes tonalités. D’une certaine manière, la guitare slack key n’a pas fait partie du boom des uke-guitares en acier de la 1ère moitié de ce siècle ; cependant, avec le renouveau de la culture hawaïenne dans les années 1960 et 1970, la slack key est devenue immensément populaire, plus que jamais dans les îles ou sur le continent.

La première représentation publique de hula accompagnée par la nouvelle guitare en acier hawaïenne fut la célébration du jubilé de KIng Kalahaua en 1886. Sweet Emalie a dansé la hula en s’accompagnant d’Ôukulele et de guitare hawaïenne. Bien que l’invention du style de la steel guitar soit entourée de doutes, la première personne à fabriquer une barre d’acier et à développer la technique standard est Joseph Kekuku, qui s’est installé sur le continent en 1904 et a joué et enseigné jusqu’en 1931.

Dérivée en partie de la slack key, la guitare hawaïenne utilise un objet dur, comme le dos d’un peigne, un couteau de poche, ou mieux, une barre d’acier pour toucher les cordes et les raccourcir, plutôt que d’utiliser les doigts pour presser les cordes contre une frette, Toutes sortes de slides, de grâces, de glissandi et d’effets vocaux sont disponibles lorsqu’on utilise une barre d’acier, et c’est ce son qui a influencé les joueurs de blues à utiliser des slides ou des bottlenecks pour obtenir ce ton « gémissant » caractérisant le vieux blues du Delta. Même les Indiens de l’Est ont adopté la steel guitar car elle peut jouer toutes les gamaka des styles vocaux indiens – et toutes les inflexions de hauteur microtonales du système musical indien. C’est juste, car l’un des possibles développeurs de la guitare hawaïenne était un natif de l’Inde nommé Gabriel Davion, qui a peut-être adapté à la guitare la technique de jeu de la vichitra vina. Cette vina se joue avec un morceau de verre dur en forme d’œuf, en glissant et en swoopant et en jouant de manière assez vocale.

Les premières guitares hawaïennes sont simplement des guitares espagnoles ordinaires avec des cordes en métal, des écrous surélevés, jouées avec des barres métalliques plates et des médiators, accordées le plus souvent à l’époque, au début des années 1900, en open A basse basse de EAEAC#E. Ces guitares n’étaient pas particulièrement bruyantes, car une guitare ordinaire placée sur les genoux ne projette pas le son vers l’avant comme le fait la méthode habituelle de tenue de la guitare. C’est pourquoi, à Los Angeles, un fabricant de guitares nommé Weissenborn a fabriqué des guitares hawaïennes avec une caisse plus grande et un manche creux, souvent en bois de koa, le bois préféré des Ôukulele. Ces guitares n’étaient pas particulièrement populaires auprès des professionnels de l’époque, mais elles constituaient l’étape suivante du développement ; à bien des égards, la guitare en acier s’est développée plus rapidement et plus loin que presque tous les autres instruments à cordes de la même période.

Le premier « nouveau » design de guitare qui a été accepté de tout cœur par le joueur professionnel hawaïen a été l’invention de la guitare à résonateur au début des années 1920 – et également à Los Angeles – par les frères Dopera, notamment John. La conception est basée sur l’utilisation de « mégaphones » en cône d’aluminium sur lesquels repose le chevalet, et le son est beaucoup plus fort qu’une table en bois conventionnelle. Certaines des guitares les plus prisées ont été fabriquées avec des corps entièrement en métal, souvent gravés de motifs. Pour des raisons commerciales, les frères Dopera ont créé une nouvelle société, Dobro (DOpera BROthers – qui signifie « bon » dans toutes les langues slaves) et ont introduit une guitare à résonateur monocône qui porte le nom de la société et qui est passée à la postérité. Aujourd’hui, le Dobro est largement joué par les artistes de Bluegrass, le seul steel acoustique populaire désormais.

Les Dobros sont accordés dans ce qui était à l’origine appelé par les guitaristes hawaïens G high-bass, ou GBDGBD. L’ancien accordage A low bass a été adapté à high bass, AC#EAC#E, et transposé en G. C’est l’accordage standard de l’acier acoustique. Les joueurs hawaïens utilisaient souvent d’autres accords pour les accords plus complexes. Un catalogue Gibson des années 1930, présentant plusieurs modèles de guitares en acier, énumère un tableau d’accords, et suggère l’utilisation d’un accordage en mi 7 pour les joueurs avancés. Cet accordage est BDEG#BE, avec l’utilisation de la 2e corde jusqu’au do# parfois.

National et Dobro ont fusionné en 1932, et bientôt (encore une fois, il n’est pas clair qui était le premier) vendaient une guitare hawaïenne électrique, les premières disponibles dans le commerce. L’un de leurs anciens employés a également sorti une guitare hawaïenne électrique, Adolph Rickenbacker, créant une société qui porte toujours son nom. Rapidement, les pros changent à nouveau, passant cette fois des résonateurs aux guitares hawaïennes amplifiées ; apparaissent bientôt des modèles à 7 et 8 cordes, des versions à double manche suivies d’instruments à 3 et 4 manches, des modèles à console, et enfin l’ajout de pédales qui modifient l’accordage, donnant naissance à la pedal steel.

La plupart des joueurs de style hawaïen préfèrent les petits aciers sans pédale. L’une des caractéristiques hawaïennes est l’utilisation de l’inclinaison de la barre pour obtenir des harmonies et d’autres accords que l’accordage ouvert fourni, et l’utilisation de pédales change toute l’approche – sans parler de la dépense et de la complication de la pedal steel par rapport à la simplicité et à la portabilité facile de la lap steel fiable.

L’amplification a également modifié le style de jeu, le guitariste hawaïen acoustique jouant des rafales de notes, des parcours staccato à cordes ouvertes et à tonalité arrêtée, et l’a remplacé par le style nahenahe ou doux, utilisant des notes soutenues, des parcours doux, et plus de slides et de vibrati. Un joueur possédant un instrument à manches multiples pouvait disposer de différents accords instantanément, et des accords plus lents ont été développés. L’un des plus récents et des plus populaires est le 6e accordage ; j’utilise un 6e sol, version six cordes BDEGBD ; le si et le ré sonnés avec le sol produisent un accord majeur, mais le si et le ré et le mi font un mi mineur, et l’ensemble peut fonctionner comme un 6e majeur ou un 7e mineur. Sur ma 8 cordes, j’ajoute une corde à chaque extrémité, GBDEGBDE. C’est facile à réaccorder sur une 6e de la, F#AC#EF#AC#E, un autre accordage typique.

Il y a un effort en cours pour faire revivre la guitare hawaïenne. Plusieurs organisations existent pour le steel guitariste ; certaines sont plus orientées vers le country, d’autres vers l’hawaïen, mais il y a maintenant une convention annuelle de guitare hawaïenne à Honolulu parrainée par le vétéran de la pedal steel de Nashville, Jerry Byrd.

Peut-être que le temps de la renaissance de la guitare hawaïenne est arrivé.