The Worlds Greatest Orchestras

Ranking the heavy hitters is by no means a easy task, but Gramophone has manfully taken the job in hand. Notre panel d’éminents critiques musicaux était composé de : Rob Cowan, James Inverne, James Jolly (tous de Gramophone, Royaume-Uni), Alex Ross (The New Yorker, États-Unis), Mark Swed (Los Angeles Times, États-Unis), Wilhelm Sinkovicz (Die Presse, Autriche), Renaud Machart (Le Monde, France), Manuel Brug (Die Welt, Allemagne), Thiemo Wind (De Telegraaf, Pays-Bas), Zhou Yingjuan (rédacteur en chef, Gramophone Chine) et Soyeon Nam (rédacteur en chef, Gramophone Corée).

Pour comparer ce qui est comparable, nous nous sommes limités à comparer les orchestres romantiques modernes plutôt que les orchestres d’époque, mais à part cette distinction, c’est un champ complètement ouvert. Le panel a considéré la question sous tous les angles – jugeant les performances de concert ainsi que la production d’enregistrements, les contributions aux communautés locales et nationales et la capacité à maintenir un statut d’icône dans un climat contemporain de plus en plus compétitif.

Les résultats se sont avérés fascinants et seront sans doute aussi controversés que la question elle-même. Mais si rien d’autre, la tâche nous donne à tous une chance de célébrer les précurseurs de la création musicale passionnante et avant-gardiste. Et cela ne peut pas être une mauvaise chose…

Le meilleur du reste…

Nous commençons notre compte à rebours de la 20e à la 11e place

20 Philharmonique tchèque

Sous l’actuel chef d’orchestre en chef Zdenek Mácal, l’un des orchestres les plus caractériels s’est lancé dans des projets d’enregistrement comprenant l’intégrale des symphonies de Dvorák, Mahler, Tchaïkovski et Brahms. Eliahu Inbal doit prendre la relève en tant que chef d’orchestre principal à partir de 2009.

19 Saito Kinen Orchestra

Formé par Seiji Ozawa en 1984 en l’honneur de Hideo Saito (fondateur de l’école de musique Toho Gakuen), cet orchestre passionnant est l’ensemble résident du festival annuel Saito Kinen de Matsumoto dans les Alpes japonaises, et a réalisé un certain nombre d’enregistrements acclamés pour Philips et Sony.

18 Orchestre du Metropolitan Opera

Depuis que Peter Gelb en est devenu le directeur général en 2006, le Met a rarement échappé aux feux de la rampe. Mais la liste des stars de l’opéra qui attirent les foules est susceptible d’éclipser le grand travail accompli par l’orchestre. Sous la direction de James Levine, les musiciens effectuent des tournées de concerts depuis 1991 et présentent chaque année une série d’abonnements au Carnegie Hall.

17 Leipzig Gewandhaus

Fort d’une liste d’anciens directeurs musicaux comprenant Felix Mendelssohn et Wilhelm Furtwängler, l’orchestre du Gewandhaus est présidé par Riccardo Chailly depuis 2005 et, sous sa direction, a publié des enregistrements de symphonies de Mendelssohn, Brahms et Schumann. Ils portent leur sens de l’héritage dans tout ce qu’ils jouent.

16 Philharmonique de Saint-Pétersbourg

Le plus ancien orchestre symphonique de Russie a célébré son 125e anniversaire en 2007. Sous la direction de Yuri Temirkanov, qui est à la barre depuis 1988, cet orchestre incroyablement actif a effectué une tournée au Japon, en Corée, à Taïwan et en Chine en octobre et novembre.

15 Orchestre national russe

Depuis sa fondation en 1990 par le directeur musical Mikhail Pletnev, l’orchestre a obtenu un succès critique considérable et constant pour ses concerts et plus de 60 enregistrements pour DG et Pentatone. Le RNO lancera son propre festival annuel en 2009.

14 Orchestre du théâtre Mariinsky

Grâce à la vision du directeur artistique Valery Gergiev, l’orchestre du Mariinsky (anciennement Kirov) de Saint-Pétersbourg est monté en puissance, avec des enregistrements chez Philips couvrant une grande partie du répertoire de base du ballet et de l’opéra russes.

13 Orchestre symphonique de San Francisco

Sous la direction précise de Michael Tilson Thomas, l’Orchestre symphonique de San Francisco a développé un son magnifiquement poli, souvent théâtral. Le propre label de l’orchestre, SFS Media, lancé en 2001, s’est jusqu’à présent concentré sur un ensemble de symphonies de Mahler encensé et des cycles de chansons orchestrales.

12 New York Philharmonic

Le plus ancien orchestre actif des États-Unis est toujours en pleine forme et, plus tôt cette année, dans le but de nouer des liens artistiques avec l’une des nations les plus isolées politiquement au monde, il est entré dans l’histoire en se produisant à Pyongyang, en Corée du Nord. Le jeune et dynamique chef d’orchestre Alan Gilbert devrait s’assurer du dynamisme continu de l’orchestre lorsqu’il prendra la direction musicale en 2009.

11 Orchestre symphonique de Boston

Un orchestre classieux et sophistiqué, qui constitue chaque année l’épine dorsale de l’un des meilleurs festivals d’été au monde – Tanglewood. Son enregistrement des Neruda Songs de Peter Lieberson, sous la direction de l’actuel directeur musical James Levine, a remporté le Grammy Award 2008 du meilleur enregistrement vocal classique.

10 Dresden Staatskapelle

C’est l’un des très rares orchestres à posséder un son qui lui est propre. J’entends par là un son qui est, peut-être plus que pour tout autre orchestre, immédiatement reconnaissable. Cela tient à l’héritage de l’orchestre, en partie au fait qu’il était isolé pendant la guerre froide, mais aussi à la conscience qu’ont les musiciens de ce son et à leur propre volonté de le préserver. Et donc les joueurs transmettent le savoir comment le produire à leurs élèves, qui souvent leur succèdent dans l’orchestre.

J’avoue, je m’appelle Nikolaj Znaider et je suis accro. Je suis accro à cet orchestre, et au son enivrant, d’Europe centrale, qu’il crée aujourd’hui et que l’on peut entendre même sur ces vieux enregistrements sous la direction de Wilhelm Furtwängler des années 1940 et 1950. C’est un son orchestral qui n’existe presque plus ailleurs. C’est difficile à décrire, car pour cela il faut devenir subjectif, mais je le définirais esthétiquement comme une qualité sombre, en bois.

Moins subjectivement, les joueurs de Dresde jouent la musique comme je crois qu’elle devrait être jouée – avec ce qu’on appelle invariablement « une qualité de musique de chambre ». Bien entendu, cela signifie simplement qu’il faut écouter activement ce qui se passe autour de soi et y associer ce que l’on fait. Avec certains orchestres, certainement celui-ci, on sent que chaque musicien prend la responsabilité non seulement de sa propre partie, mais aussi de la musique dans son ensemble.

A mesure que je grandis et que je me développe, j’ai de plus en plus besoin de cet acte de création de quelque chose qui n’existe pas encore – quelque chose qui doit être amené dans le monde physique à partir du métaphysique. Pour cela, il ne suffit pas de jouer ma partie de violon solo ; il est vital de jouer avec un grand chef d’orchestre et un grand orchestre, avec des gens qui ont une vision musicale et partagent ce besoin d’exprimer collectivement quelque chose dans la musique.

Je joue donc avec la Staatskapelle dès que je le peux. Récemment, j’ai commencé à m’asseoir dans l’orchestre pour la deuxième partie d’un concert. L’année dernière, nous avons joué quelques dates à Dresde et chaque fois, après l’entracte, je me suis assis avec eux pour jouer la Septième Symphonie de Beethoven. Être au milieu de ce groupe de personnes qui pensent et respirent comme un seul homme, tout en agissant comme des individus qui assument leur part de responsabilité dans l’ensemble, c’est l’idéal. Je ne peux pas imaginer une liste des grands orchestres du monde sans la Staatskapelle de Dresde en tête ou presque.

Nikolaj Znaider

Le violoniste Nikolaj Znaider revient diriger et jouer avec le Staatskapelle en janvier 2009, pour les concerts marquant le 200e anniversaire de Mendelssohn

9 Budapest Festival Orchestra

Pour un orchestre qui ne fête que son 25e anniversaire cette année, le BFO s’est hissé au sommet avec une rapidité extraordinaire. Mais il s’agit d’un ensemble extraordinaire – un groupe de superbes musiciens qui jouent avec une passion et un engagement qui dépassent l’entendement. L’association d’Iván Fischer, fondateur et directeur musical de l’orchestre depuis lors, et de ces excellents musiciens a porté la musique à un niveau qui étonne et ravit à parts égales. Ce n’est pas un ensemble dans lequel les musiciens tombent dans une routine facile – ils savent que leur réputation repose sur le fait qu’ils continuent à donner le meilleur d’eux-mêmes à chaque représentation. Regarder l’OFC répéter ou enregistrer, c’est comme entrevoir de la musique de chambre à grande échelle, chaque musicien étant profondément préoccupé par sa contribution à l’ensemble. Et en Fischer, ils n’ont pas d’ego dominant, mais un facilitateur d’une sensibilité remarquable.

James Jolly

James Jolly est rédacteur en chef de Gramophone

8 Los Angeles Philharmonic

J’ai tendance à considérer qu’un grand orchestre est soit un orchestre qui a une personnalité sonore si distincte qu’il se distingue, soit un orchestre qui est défini comme spécial par le répertoire qu’il joue. À Los Angeles, c’est probablement à ce dernier que l’on pense. Au cours de ses années à la tête de l’orchestre, Esa-Pekka Salonen a considérablement élargi le champ d’action de l’orchestre. Vous avez presque autant de chances de les entendre jouer une œuvre de Steven Stucky qu’une œuvre de Beethoven.

Donc, à présent, le LA Philharmonic est célèbre pour ses excursions dans la musique contemporaine. Cela leur donne la capacité de gérer les exigences techniques du répertoire d’une manière importante. Cela signifie également qu’ils sont très ouverts aux nouvelles pensées et idées.

Donc chaque chef d’orchestre qui vient dans cet orchestre peut placer son empreinte individuelle sur la musique, par opposition à une interprétation par défaut que l’orchestre fournit. Si, par exemple, vous allez diriger le Philharmonique de Vienne dans une symphonie de Brahms, il est plus que probable que vous obtiendrez l’interprétation de cette symphonie de Brahms par le Philharmonique de Vienne. Ce n’est pas comme ça avec LA.

La nouvelle salle est également un facteur essentiel de leur succès. Vous ne pouvez pas être un véritable grand orchestre si vous n’avez pas une salle qui vous donne un environnement dans lequel vous pouvez être unique, soit dans le répertoire que vous choisissez de jouer, soit par le type de son que vous créez. Cette salle n’est peut-être pas du goût de tout le monde, mais en fait, Disney Hall a donné à cet orchestre une véritable chance de s’épanouir. Ils peuvent faire des choses qu’ils ne pouvaient pas faire auparavant parce qu’ils étaient limités en termes d’espace scénique – et ils peuvent faire de nouvelles choses sur le plan sonore parce que la salle est beaucoup plus propice à une palette sonore plus large.

Je m’attends à ce que l’arrivée de Gustavo Dudamel en tant que chef d’orchestre principal poursuive les bons moments, et son éducation au Venezuela l’aidera. Il va probablement introduire des concepts avec lesquels il a grandi, en essayant de faire en sorte que la musique fasse toujours plus partie de la communauté. Et il peut aider l’orchestre à établir une connexion avec la grande population hispanique de Los Angeles, un nouveau public qui n’a peut-être pas encore été pleinement atteint.

Leonard Slatkin

Leonard Slatkin a été le principal chef invité de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles entre 2005 et 2007

7 Orchestre de Cleveland

Pour le raffinement du timbre, l’intonation impeccable, la tension de l’ensemble et la chaleur pure du son, l’Orchestre de Cleveland est le Concertgebouw et le Philharmonique de Vienne pratiquement réunis en un seul. L’orchestre américain dit européen a été rendu grand par George Szell, un autocrate de l’Ancien Monde, dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale. Aucun directeur musical d’origine américaine avant ou après Szell ne s’est installé à Cleveland. De nos jours, la plupart des grandes commandes proviennent de l’étranger. En ce moment, Cleveland est un meilleur endroit pour découvrir ce que font Oliver Knussen, Matthias Pintscher ou le jeune Autrichien Johannes Maria Staud que New York.

Mais rien, en fait, ne pourrait être plus américain que l’orchestre de Cleveland. Le fait qu’il reste l’un des meilleurs au monde dans une ville du Midwest en proie à des difficultés économiques est l’esprit américain du « can-do » en action. Franz Welser-Möst, qui en est à sa cinquième saison en tant que directeur musical, a ses détracteurs. Ils réclament un retour à la prévisibilité du XXe siècle. Welser-Möst, au contraire, fait entrer Cleveland dans le XXIe siècle grâce à ses interprétations audacieuses et ses programmes inventifs. Presque chaque semaine, l’élégant et intime Severance Hall accueille une œuvre actuelle ou une nouveauté du passé. Bien qu’Autrichien, Welser-Möst a fait preuve d’une curiosité inquiète pour la musique américaine, notamment la tradition franc-tireur de l’Ouest, qui est le plus souvent ignorée à l’Est du Mississippi.

Même les détracteurs de Welser-Möst admettent généralement que son orchestre continue régulièrement à produire un son caractéristique qu’il est difficile de ne pas aimer. L’orchestre effectue de nombreuses tournées et joue plusieurs semaines par saison à Miami, donnant un coup de main à la capitale de la Floride qui manque d’orchestres. Et Welser-Möst a maintenant un contrat qui court jusqu’en 2018, ce qui lui permet le luxe de faire des plans à long terme, assurant une stabilité qu’on ne trouve pas ailleurs dans le monde orchestral.

Mark Swed

Mark Swed est critique musical en chef pour le LA Times

6 Orchestre symphonique de la radio bavaroise

Voici un orchestre qui n’est pas seulement très brillant – il n’a pas la moindre faiblesse. Ce sont des interprètes énormément spontanés et émotionnels, jouant chaque concert comme si c’était le dernier. Ils donnent tout, plus de cent pour cent.

Mais l’orchestre a un secret pour son succès.

En tant qu’orchestre de radio, tous ses concerts sont enregistrés. Par conséquent, tous les musiciens sont à la fois habitués à l’idée qu’ils doivent être techniquement parfaits et insensibles à la présence de microphones – ainsi, la qualité de jeu étant presque un acquis, ils se concentrent également sur une interprétation intéressante et impliquée. Ils sont formés pour faire les deux, ce qui donne d’énormes résultats. En outre, ils jouent beaucoup de musique contemporaine. Cela leur permet de rester affûtés ; leur lecture à vue, par exemple, est phénoménale. Pour moi, en tant que chef d’orchestre, c’est comme conduire une Rolls Royce. L’orchestre peut faire face à tout.

Mariss Jansons

Mariss Jansons est chef d’orchestre principal de l’Orchestre symphonique de la radio bavaroise

5 Orchestre symphonique de Chicago

Je joue avec l’Orchestre symphonique de Chicago depuis si longtemps que je me sens comme un membre de la famille. Lorsque j’ai joué avec eux pour la première fois, j’avais 26 ans et ils n’auraient pas pu être plus gentils – ce sont tout simplement des gens adorables. En tant qu’étudiant, je les avais souvent entendus au Carnegie Hall sous la direction de Solti, alors jouer un concerto de Liszt avec lui à la direction était comme un fantasme devenu réalité.

Mais je dois dire que chaque fois que je joue avec eux, c’est spécial. L’année dernière, j’ai fait un concerto de Brahms sous la direction de Haitink, et c’était incroyable. J’en suis encore au point où j’ai une sorte de frisson lorsque je dois monter sur scène avec un grand orchestre, et ils sont incroyablement talentueux, un groupe de joueurs très excitant. Je ne pense pas avoir jamais entendu de Strauss et de Mahler plus brillants qu’à Chicago.

En tant qu’orchestre, ils ont ce son de cuivres étincelant pour lequel je pense qu’ils sont justement célèbres. Certaines personnes leur reprochent de ne pas réussir à équilibrer cette incroyable brillance, mais je crois que c’est un orchestre qui répond à ce que vous lui demandez. Lorsque Solti les dirigeait, il encourageait ce son brillant, alors que lorsque je les ai entendus sous la direction de Barenboim, ils avaient l’air d’un orchestre européen fantastiquement riche et profond ; je pense donc qu’ils sont capables de tout. Chicago, comme tous les grands orchestres, a une sorte de fierté d’eux-mêmes, indépendamment de qui est sur le podium, et c’est un élément important pour maintenir un niveau élevé.

Emanuel Ax

Le pianiste Emanuel Ax jouera la prochaine fois avec le Chicago Symphony en avril 2010

4 London Symphony Orchestra

Le LSO se distingue de tous les orchestres avec lesquels j’ai travaillé en raison de son éthique de travail totalement unique. Les musiciens sont toujours  » on « , qu’il soit 9 heures du matin ou 9 heures du soir, qu’ils aient travaillé à fond toute la semaine ou qu’ils reviennent de leurs vacances. Vous commencez à travailler et ils s’illuminent immédiatement d’une manière que je n’ai jamais expérimentée ailleurs.

Le style du LSO est bien connu – il y a du mordant et de la vitalité, une précision et un dynamisme, et ils donnent tout, surtout quand il s’agit de volume. D’où vient-il ? Eh bien, ils ont certainement une extraordinaire polyvalence : ils peuvent tout jouer ! Mais il y a une attitude qui va de pair avec cela – ils ont la même ouverture d’esprit pour tous les projets qui se présentent à eux. Ils ont le vocabulaire pour être fidèles à tous les styles de sons qui sont requis. Ils s’adaptent en permanence.

Ils bénéficient également d’un excellent management, de personnes qui partagent avec les musiciens une curiosité pour la nouveauté, et ne reculent pas devant les nouveaux défis. Et comme les joueurs sont impliqués dans de nombreux processus de décision, ils choisissent de travailler avec des personnes qui partagent leur philosophie. Ce sont aussi des gratte-papiers – ils adorent assembler des choses et l’éventail des créations musicales qu’ils abordent est colossal ! On a toujours l’impression qu’ils sont là parce qu’ils le veulent – il n’y a jamais de sentiment d’ennui. Et cela contribue à l’immédiateté de l’expérience.

Marin Alsop

Marin Alsop est régulièrement chef invité du LSO

3 Philharmonique de Vienne

Il faut reconnaître que le Philharmonique de Vienne, malgré toute sa renommée méritée, ne sonne pas toujours comme le meilleur orchestre du monde. Il donne trop de concerts, et trop souvent avec des chefs d’orchestre qui ne peuvent ou ne veulent pas tirer le meilleur de leurs musiciens. Parfois, comme lors de la visite de Valery Gergiev, l’orchestre peut même sembler brutal, comme un orchestre symphonique de seconde zone. Parfois, le jeu semble ennuyeux, tant que des maestri tels que Daniel Harding abordent les possibilités de l’orchestre sans concept artistique apparent.

Mais – et c’est un très gros mais – lorsque le bon chef d’orchestre est devant ces joueurs, c’est une toute autre affaire. Lorsque des interprètes cultivés et inspirants comme Christian Thielemann, Franz Welser-Möst ou le fabuleux Bertrand de Billy (à l’opéra comme en concert) travaillent avec le sens de son puits profond de musicalité, le Philharmonique de Vienne peut sonner comme aucun autre orchestre.

Comme il bénéficie de ses activités quotidiennes à l’opéra, l’orchestre est capable de former les transitions les plus douces, les modulations sonores les plus fines. Cela le rend incomparable, du moins de temps en temps – chaque fois qu’il exerce son option pour l’être.

Wihelm Sinkovicz

Wilhelm Sinkovicz est le critique de musique classique de Die Presse

2 Berlin Philharmonic

Contrairement à la mythologie populaire, je ne pense pas qu’il existe un son orchestral reconnaissable. En revanche, on peut reconnaître un orchestre à sa façon de jouer. Je me suis surpris à plusieurs reprises à allumer la radio dans la voiture ou dans la cuisine, à entendre un orchestre en plein vol et à savoir immédiatement que c’est nous. Cela a à voir avec les priorités des musiciens – nous, les musiciens du Berlin Phil, jouons avec passion et émotion, en nous jetant à corps perdu dans la musique – et cela se voit même à travers les ondes.

Je suis membre de l’orchestre depuis 23 ans, sous la direction de trois directeurs musicaux (Herbert von Karajan, Claudio Abbado et Simon Rattle), et au cours de cette période, nous avons changé et évolué. Il serait d’ailleurs bien triste que nous n’ayons pas réussi à le faire. Je pense que toute institution qui porte fièrement ses traditions sur sa poitrine doit nécessairement être consciente que la tradition est un processus vivant. Une tradition vivante ne doit pas être momifiée, comme une mouche dans un morceau d’ambre ou une exposition derrière une vitre dans un musée, mais c’est quelque chose qui vit. Par définition, elle doit évoluer et s’adapter.

L’un des principaux points que nous avons abordés lorsque nous avons réfléchi à la direction à donner à l’orchestre après Abbado était de savoir si nous voulions avancer dans le 21e siècle, ou revenir dans le passé. Abbado avait déjà fait le travail de pionnier. Lorsqu’il a pris la relève de Karajan, il s’est glissé dans des chaussures immenses, mais il a réussi à accomplir une révolution assez radicale, qui a influencé les orchestres du monde entier. Il prenait un programme assez traditionnel et le présentait d’une certaine manière, ce qui amenait le public à se lever, à faire attention et à se nettoyer les oreilles. Et dans un laps de temps assez court, d’autres orchestres ont également tenté des programmes plus audacieux, comme s’ils avaient simplement attendu que quelqu’un prenne l’initiative. Maintenant que nous avons Simon Rattle, nous interprétons un plus grand nombre d’œuvres contemporaines. De nombreux musiciens dans le monde n’ont même pas encore tout à fait accepté le 20e siècle, mais Simon est un chef d’orchestre du 21e siècle.

En tant que musicien, si j’avais été réduit à ne jouer que Brahms et Beethoven – des œuvres magnifiques comme elles le sont – ce serait un régime très mince. J’ai énormément apprécié le voyage et l’aventure avec cet orchestre, car mon éducation musicale a bénéficié de manière constante, année après année, en repoussant les limites. C’est un environnement de travail extrêmement gratifiant et stimulant – pas le genre de situation sous haute pression où l’on se demande chaque jour si l’on sera assez bon. Je n’ai certainement pas l’impression d’avoir une épée de Damoclès au-dessus de ma tête, mais c’est néanmoins un environnement stimulant. En relevant ces défis, nous, les musiciens d’orchestre, éprouvons une plus grande satisfaction et sommes capables de relever à nouveau la barre – mais cela exige un engagement total de la part de chaque joueur.

Fergus McWilliam

Fergus McWilliam est corniste au Philharmonique de Berlin

1 Royal Concertgebouw

Bien sûr, je connaissais le Royal Concertgebouw grâce à des disques bien avant de le diriger. J’ai adoré les premiers enregistrements de Mengelberg et plus tard ceux avec Bernard Haitink. En me tenant sur le podium devant les musiciens, je me rends toujours compte à quel point ils sont spéciaux. Leur approche de la création musicale va bien au-delà des questions de son ; elle est si profonde, si grave, si noble. Ils créent avec vous une atmosphère unique, ils vous donnent le sentiment d’être entré dans un monde très spécial.

Ils ont une compréhension de chaque compositeur comme un acteur comprend ses rôles – ils interprètent, et se transforment dans le personnage approprié. Cela vient d’une faim de comprendre ce qui se cache derrière les notes. Après tout, les notes ne sont que des signes, et si vous ne suivez que les signes, ils ne vous mèneront à rien. Pourtant, très peu d’orchestres dans le monde ont cette qualité de connaître la profondeur et le caractère de la musique. Nous avons de nombreux orchestres techniquement bons de nos jours. Mais cette intelligence musicale, alliée à la sonorité très personnelle de l’orchestre, fait que le Concertgebouw se distingue.

En répétition, les joueurs vous parlent à un niveau fascinant de l’interprétation. Si souvent, les répétitions peuvent se résumer à de l’organisation : on attend de vous que vous arriviez et que vous disiez seulement :  » Ici un peu plus fort, ici un peu moins fort « , ce qui est très primitif. Les musiciens du Concertgebouw attendent de vous quelque chose de plus, une interprétation intéressante, des idées éclairantes, une fantaisie. Si vous leur offrez cela, ils jouent avec passion comme s’il s’agissait d’une nouvelle pièce et non d’une œuvre qu’ils ont déjà jouée des millions de fois. C’est ce que veulent les joueurs – ce niveau supérieur, lorsque vous oubliez les notes et jouez l’image, l’idée.

Tous les vrais grands orchestres se targuent d’un son individuel, ce qui est loin d’être la norme aujourd’hui. Lorsque j’ai repris le Concertgebouw, les journalistes m’ont demandé ce que je changerais. J’ai répondu : « Rien pour le moment. C’est ma tâche de découvrir leurs qualités particulières et de les préserver. Ensuite, si, par un processus naturel, ma propre individualité ajoute quelque chose – et la leur à moi – ce sera parfait ». Je n’aurais jamais l’intention de changer le Concertgebouw. Nous continuons à apprendre ensemble.

Mariss Jansons

Mariss Jansons est le chef d’orchestre en chef du Royal Concertgebouw

Cinq sur cinq

Cinq grands enregistrements récents pour découvrir au mieux les cinq meilleurs orchestres de Gramophone

Royal Concertgebouw Orch / Mariss Jansons

R Strauss An Alpine Symphony. Don Juan

RCO Live RCO08006 (A/08)

Un jeu élégant et magnifiquement contrôlé du grand ensemble néerlandais : c’est un voyage qui montre l’oreille inégalée de Jansons pour la couleur orchestrale

BPO / Simon Rattle

Brahms Ein deutsches Requiem

EMI 365393-2 (5/07)

Un enregistrement dans la grande tradition berlinoise de Brahms – reconnaissable au BPO, et aussi très Simon Rattle !

VPO / Georges Prêtre

« Concert du jour de l’an 2008 »

Decca 478 0034

Aucun orchestre ne joue cette musique comme le VPO – et lui témoigne un tel respect. Cette année, Prêtre a également apporté un petit éclat gaulois

LSO / Valery Gergiev

Symphonie n° 6 de Mahler

LSO Live LSO0661 (6/08)

Un souvenir stupéfiant du nouveau partenariat LSO/Gergiev et un rappel vivant de l’orchestre qui. se donne toujours à 100%

Chicago SO / Bernard Haitink

Symphonie n°4 de Chostakovitch

CSO Resound CSOR901 814 (11/08)

Le grand orchestre de Chicago répond à Haitink par un jeu d’un engagement et d’une puissance effrayants

UP-AND-COMING

Orchestre symphonique de l’État de São Paulo

L’orchestre donne plus de 130 concerts chaque saison, amenant au Brésil une soixantaine de musiciens invités du calibre de Kurt Masur, Krzysztof Penderecki et Emmanuel Pahud. Dirigé par John Neschling depuis 1997, l’orchestre a connu une certaine transformation au cours des dix dernières années – sous sa direction, sa série d’abonnements et ses programmes éducatifs ont prospéré, tout comme un partenariat fructueux en matière d’enregistrement avec BIS.

Orchestre philharmonique de Chine

À certains égards, l’Orchestre philharmonique de Chine est une sorte de bébé, à d’autres, un vieux sage – il n’a été créé qu’en mai 2000, mais sur les cendres de l’ancien China Broadcasting Symphony Orchestra. Son directeur artistique, Long Yu, est l’un des plus grands chefs d’orchestre du pays et un excellent technicien qui a sans doute introduit de nouvelles normes de jeu orchestral en Chine. Alors que l’intérêt du pays pour la musique classique bondit, le China Phil fait de même.

Royal Liverpool Philharmonic

Lorsque Vasily Petrenko est devenu le chef principal de l’orchestre en 2006, il est devenu la plus jeune personne à occuper ce poste en 165 ans d’histoire. Avec sa nomination, un ensemble au pedigree distingué de chefs principaux – dont Sir Charles Hallé, Sir Henry Wood et Sir Malcolm Sargent – a cimenté son engagement à promouvoir la musique classique comme une forme d’art valable pour les publics contemporains.

PAST GLORIES

NBC Symphony

Un véhicule pour Arturo Toscanini, l’orchestre maison du réseau radio NBC a été créé en 1937 en recrutant des musiciens éminents dans tout le pays. Ses émissions de concert hebdomadaires, qui ont duré jusqu’en 1954, ont été complétées par des tournées en Amérique du Sud en 1940 et aux États-Unis en 1950. Un héritage enregistré complet – à la fois sur CD et DVD – est disponible auprès de RCA. De nombreux musiciens de l’orchestre ont ensuite formé Symphony of the Air sous la direction de Leopold Stokowski.

Orchestre de Philadelphie

Stokowski a également réussi à propulser l’Orchestre de Philadelphie vers une éminence internationale en tant que chef principal de 1912 à 1938. Mais c’est sous la direction du chef suivant de l’orchestre, Eugene Ormandy, que nombre de ses enregistrements les plus célèbres ont été réalisés. Ormandy est resté directeur musical pendant 44 ans et, par un coup diplomatique, il a dirigé l’orchestre à Pékin en 1973 – la première fois qu’un orchestre américain effectuait une tournée en Chine.

Orchestre de la Suisse Romande

Sous la direction de son fondateur Ernest Ansermet, cet orchestre a atteint une notoriété particulière pendant près de 50 ans. Après la Seconde Guerre mondiale, il s’est particulièrement distingué grâce à une association à long terme avec Decca, publiant un certain nombre d’enregistrements mémorables, dont une grande partie du répertoire du XXe siècle. Dans les années 60, lors de ses dernières années à la tête de l’orchestre, Ansermet s’est concentré sur l’enregistrement des symphonies de Beethoven et de Brahms.