A História de ‘4’33”

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John Cage nasceu a 5 de Setembro de 1912. No que teria sido o seu 100º aniversário, lembramo-nos do compositor com um relatório que foi transmitido em Maio de 2000.

É uma noite quente e chuvosa em Agosto de 1952. O lugar é um pequeno auditório, apropriadamente chamado Maverick Concert Hall. Construído no início do século por um poeta excêntrico e romancista chamado Herve White, o edifício encontra-se no fim de uma estrada de terra no meio da floresta perto de Woodstock, Nova Iorque, uma comunidade de artistas a cerca de duas horas a norte de Nova Iorque. O Maverick é um caso de tábua e caracol que parece uma cruz entre um celeiro e uma igreja do campo. As vigas de apoio são troncos despojados. De um lado, um carvalho enorme cresce através de uma abertura no telhado coberto de musgo. As portas são colocadas em ângulos estranhos e os vidros das janelas são espalhados pelas paredes de pinho caiadas de branco como dominós.

No público há uma ampla secção transversal da comunidade musical clássica da cidade, incluindo compositores como Morton Feldman e Earl Brown, cujas obras estão a ser executadas nesta noite em particular. Também estão presentes alguns membros de férias da Filarmónica de Nova Iorque, que procuram acompanhar as artimanhas dos novos renegados da música, e o compositor John Cage, que está a estrear duas novas obras. Para a primeira, que mais tarde ficaria conhecida como “Water Music”, o pianista David Tudor, colaborador vitalício da Cage, toca piano preparado, uma chamada de pato e um rádio transistor. Para a segunda, o provisoriamente intitulado “Quatro Peças”, Tudor inicia um cronómetro, senta-se em frente ao piano, fecha a tampa e inicia uma performance em que nunca toca uma nota.

Após 30 segundos de silêncio, Tudor reinicia o cronómetro e cronometra mais dois minutos, 23 segundos de silêncio, depois mais um minuto, 40 segundos de silêncio. Mas será silêncio?

No Maverick daquela noite, era provável que se ouvisse o som da brisa nas árvores, a chuva a bater levemente no telhado, o chilrear dos grilos, um cão a ladrar sem rumo algures à distância, o som dos corpos a deslocar o seu peso em bancos de pinho rangente, o som da respiração a ser puxada e a expirar.

Esta era música para John Cage. E ao contrário das composições concebidas para fazer cair o mundo exterior, aqui estava uma música que, quando o envolvia, fazia o mundo actual abrir-se como um lótus a desabrochar na fotografia em stop-motion. Estava tudo muito de acordo com a visão do mundo Zen de Cage, que enfatizava o poder da experiência não mediada e a percepção directa daquilo a que Cage chamou a “isness” da vida.

A composição silenciosa, que ficou conhecida pela sua duração de quatro minutos e 33 segundos, foi influenciada pelo encontro de Cage com as chamadas “pinturas brancas” pelo seu amigo Robert Rauschenberg – enormes telas de branco indiferenciado cujas superfícies variam infinitamente com partículas de pó e reflexos de luz. Foi também influenciado por um encontro com uma câmara anecóica, uma sala cientificamente concebida para manter silêncio absoluto para vários tipos de testes acústicos.

Na sua famosa colecção de ensaios intitulada Silêncio, Cage escreveu sobre entrar numa câmara deste tipo em Harvard e ouvir dois sons, um alto e um baixo. O engenheiro de serviço informou-o que o som agudo era o do seu sistema nervoso, o baixo o do seu sangue em circulação. Estimulou uma epifania para Cage, uma epifania que concentraria grande parte da sua atenção musical em sons ambientais e acidentais, em oposição aos sons intencionais e composicionais. “Até eu morrer, haverá sons”, escreveu ele, “e eles continuarão após a minha morte”. Não é preciso temer sobre o futuro da música. Qualquer som pode ocorrer em qualquer combinação e em qualquer continuidade”

Como seria de esperar, muitos ouvintes acharam esta visão desagradável, apesar do facto de a própria sala poder ser uma metáfora para a união ideal da música e da natureza de Cage. Houve um alvoroço. As pessoas pensavam que 4’33” era uma piada ou algum tipo de “nariz de vanguarda”. Durante uma discussão pós-concerto, como o biógrafo de Cage David Revill observa, um artista local levantou-se e sugeriu: “Boa gente de Woodstock, vamos expulsar estas pessoas da cidade”

Mas, de facto, a pequena composição silenciosa de Cage não era nenhuma piada e teria uma incalculável, se caracteristicamente silenciosa, influência sobre uma grande quantidade de música que veio depois.

A tecnologia emergente dos gravadores portáteis permitiu a catalogação e manipulação de sons ambientais por parte dos músicos. O compositor Steve Reich explorou os ritmos da voz humana e dos comboios. O som do oceano era tão central para The Who’s Quadrophenia como a guitarra de Pete Townshend. Brian Eno, que credita Cage com a sua inspiração para se tornar compositor, gravou uma série de álbuns ditos “ambientais”, música de uma quietude, concebida para elogiar em vez de competir com os sons da vida. Hoje em dia, os produtores de hip-hop utilizam o ruído de rua no seu tecido musical e os DJs utilizam o ruído de superfície de vinil LP para comunicar nostalgia e autenticidade.

Em certo sentido, Cage deu aos músicos permissão estética, encorajamento espiritual mesmo, para irem além das tonalidades da instrumentação padrão e envolverem-se com as infinitas possibilidades do som. Enquanto compôs proliferantemente até à sua morte em 1992, aos 79 anos de idade, Cage permaneceu mais conhecido pelas suas ideias do que pela sua música, e o enigmático 4’33” é a expressão última dessas ideias.

“A peça mais importante é a minha peça silenciosa”, afirmou ele. “Penso sempre nela antes de escrever a próxima peça”. Um crítico chamou-lhe “a composição pivotal deste século”. O pianista David Tudor chamou-lhe “uma das experiências auditivas mais intensas que se pode ter”

Mas tudo isto coloca um peso nos 4’33” que parece estar em desacordo com o seu sentido lúdico de simplesmente ser aliado ao mundo. Como Cage escreve no final do seu Silêncio, “Passei muitas horas agradáveis no bosque a conduzir performances da minha peça silenciosa, transcrições – ou seja, para um público de mim próprio”. Ao convidar-nos a fazer o mesmo, Cage transformou a arte da música, e a arte de ouvir, irrevogavelmente.