The Worlds Greatest Orchestras

A classificação dos grandes batedores não é de forma alguma uma tarefa fácil, mas Gramophone tomou mansamente o trabalho em mãos. O nosso painel de críticos de música de renome foi composto: Rob Cowan, James Inverne, James Jolly (todos de Gramophone, Reino Unido), Alex Ross (o New Yorker, EUA), Mark Swed (Los Angeles Times, EUA), Wilhelm Sinkovicz (Die Presse, Áustria), Renaud Machart (Le Monde, França), Manuel Brug (Die Welt, Alemanha), Thiemo Wind (De Telegraaf, Holanda), Zhou Yingjuan (editor, Gramophone China) e Soyeon Nam (editor, Gramophone Korea).

Para comparar como se fosse, limitámo-nos a comparar orquestras românticas modernas em vez de bandas de época, mas para além dessa distinção é um campo completamente aberto. O painel considerou a questão de todos os ângulos – julgando as actuações de concertos bem como a produção de gravações, as contribuições para as comunidades locais e nacionais e a capacidade de manter um estatuto icónico num clima contemporâneo cada vez mais competitivo.

Os resultados provaram ser fascinantes e serão sem dúvida tão controversos como a própria questão. Mas, se nada mais, a tarefa dá-nos a todos a oportunidade de celebrar os precursores da excitante e vanguardista produção musical. E isso não pode ser uma coisa má…

O melhor do resto…

Iniciamos a nossa contagem decrescente de 20 para 11º lugar

20 Filarmónica Checa

Subordinado ao actual maestro chefe Zdenek Mácal, um dos mais característicos das orquestras embarcou em projectos de gravação que incluem as sinfonias completas de Dvorák, Mahler, Tchaikovsky e Brahms. Eliahu Inbal vai assumir como maestro principal de 2009.

19 Orquestra Saito Kinen

Formada por Seiji Ozawa em 1984 em honra de Hideo Saito (fundador da Escola de Música Toho Gakuen), esta excitante orquestra é um conjunto residente do festival anual Saito Kinen Matsumoto nos Alpes japoneses, e realizou várias gravações aclamadas para a Philips e Sony.

18 Orquestra de Ópera Metropolitana

Desde que Peter Gelb assumiu o cargo de director-geral em 2006, o Met raramente tem estado fora dos holofotes. Mas a lista de estrelas de ópera que agradam à multidão está apta a eclipsar o grande trabalho realizado pela orquestra. Sob a direcção de James Levine, os músicos têm feito uma digressão em concerto desde 1991 e todos os anos apresentam uma série de subscrições no Carnegie Hall.

17 Leipzig Gewandhaus

p>Boasting a roster de antigos directores musicais incluindo Felix Mendelssohn e Wilhelm Furtwängler, a orquestra Gewandhaus tem sido presidida por Riccardo Chailly desde 2005, e sob a sua liderança tem lançado gravações de Mendelssohn, Brahms e sinfonias Schumann. Eles carregam o seu sentido de herança em tudo o que tocam.

16 São Petersburgo Filarmónica

A mais antiga orquestra sinfónica da Rússia celebrou o seu 125º aniversário em 2007. Sob a direcção de Yuri Temirkanov, que está ao leme desde 1988, esta orquestra incrivelmente activa fez uma digressão pelo Japão, Coreia, Taiwan e China em Outubro e Novembro.

15 Russian National Orchestra

Desde a sua fundação em 1990 pelo director musical Mikhail Pletnev, a orquestra alcançou uma aclamação crítica considerável e consistente pelos seus concertos e mais de 60 gravações para a DG e Pentatone. A RNO lançará o seu próprio festival anual em 2009.

14 Mariinsky Theatre Orchestra

P>P>Elacionados com a visão do director artístico Valery Gergiev, a orquestra da Mariinsky (formalmente Kirov) em São Petersburgo tem vindo a ganhar força, com gravações sobre a Philips cobrindo grande parte do núcleo do repertório de ballet e ópera russa.

13 Orquestra Sinfónica de São Francisco

Acima da direcção precisa de Michael Tilson Thomas, a Sinfónica de São Francisco desenvolveu um som belamente polido, frequentemente teatral. A própria SFS Media label da orquestra, lançada em 2001, tem-se concentrado até agora num elogiado conjunto sinfónico de Mahler e cânticos de orquestra.

12 New York Philharmonic

A orquestra activa mais antiga dos EUA continua forte, e no início deste ano, num esforço para formar laços artísticos com uma das nações mais politicamente isoladas do mundo, fez história ao actuar em Pyongyang, Coreia do Norte. O jovem e dinâmico maestro Alan Gilbert deverá assegurar a continuidade da vibração da orquestra quando assumir o cargo de director musical em 2009.

11 Boston Symphony Orchestra

Uma orquestra de classe e sofisticada, que todos os anos fornece a espinha dorsal para um dos melhores festivais de Verão do mundo – Tanglewood. A sua gravação das canções de Neruda de Peter Lieberson sob o actual director musical James Levine ganhou o Grammy Award 2008 para Melhor Gravação Vocal Clássica.

10 Dresden Staatskapelle

Esta é uma das poucas orquestras com o seu próprio som distinto. Com isto quero dizer um som que é, talvez mais do que com qualquer outra orquestra, imediatamente reconhecível. Isto tem a ver com a herança da orquestra, um pouco com o facto de ter estado isolada durante a Guerra Fria, e também com a consciência dos músicos deste som e o seu próprio desejo de o preservar. E assim os músicos transmitem o conhecimento de como o produzir aos seus alunos, que muitas vezes lhes sucedem na orquestra.

Admito que o meu nome é Nikolaj Znaider e sou um viciado. Sou viciado nesta orquestra, e no intoxicante som central europeu que ela cria hoje e que pode ser ouvido mesmo nas velhas gravações de Wilhelm Furtwängler dos anos 40 e 50. É um som orquestral que quase já não existe noutros locais. É difícil de descrever, porque para o fazer é preciso tornar-se subjectivo, mas eu definiria esteticamente como uma qualidade de madeira escura.

Sem subjectividade, os tocadores de Dresden tocam música da forma que eu acredito que deve ser tocada – com o que é invariavelmente chamado “uma qualidade de música de câmara”. Isso, claro, significa simplesmente ouvir activamente o que se passa à sua volta e relacionar o que se faz com isso. Com certas orquestras, definitivamente esta, sente-se que cada músico assume a responsabilidade não só pela sua parte mas pela música como um todo.

À medida que cresço e me desenvolvo, cada vez mais tenho necessidade desse acto de criar algo que ainda não existe – algo que deve ser trazido para o mundo físico a partir do metafísico. Para o fazer não basta tocar a minha parte de violino solo; é vital tocar com um grande maestro e uma grande orquestra, com pessoas que têm visão musical e partilham essa necessidade de exprimir colectivamente algo na música.

Por isso toco com o Staatskapelle sempre que posso. Recentemente, comecei a sentar-me na orquestra para a segunda parte de um concerto. O ano passado tocámos algumas datas em Dresden e cada vez depois do intervalo sentei-me com eles para tocar a Sétima Sinfonia de Beethoven. Estar no meio deste grupo de pessoas a pensar e a respirar como um só, enquanto ainda agem como indivíduos a assumir a responsabilidade pela sua parte no todo, é o ideal. Não consigo imaginar nenhuma lista das grandes orquestras do mundo sem a Staatskapelle de Dresden no topo ou perto dele.

Nikolaj Znaider

Violinista Nikolaj Znaider regressa para dirigir e tocar com o Staatskapelle em Janeiro de 2009, para concertos que assinalam o 200º aniversário de Mendelssohn

9 Orquestra do Festival de Budapeste

Para uma orquestra que só celebra o seu 25º aniversário este ano, o BFO subiu ao topo com uma velocidade extraordinária. Mas depois é um cenário extraordinário – um grupo de soberbos músicos que tocam com uma paixão e um empenho que faz crer. A combinação de Iván Fischer, fundador da orquestra e director musical desde então, e estes excelentes músicos elevaram a produção musical a um nível que surpreende e encanta com igual medida. Este não é um conjunto em que os músicos caem numa rotina fácil – eles sabem que a sua reputação depende de continuarem a fazer o seu trabalho com o calor branco em cada actuação. Ver o BFO ensaiar ou gravar é como vislumbrar o fabrico de música de câmara em grande escala, cada jogador profundamente preocupado com a sua contribuição para o todo. E em Fischer não têm um ego dominante, mas um facilitador de sensibilidade notável.

James Jolly

James Jolly é editor-chefe de Gramophone

8 Los Angeles Philharmonic

Tenho tendência para pensar numa grande orquestra como uma que tem uma personalidade sónica tão distinta que se distingue, ou uma que é definida como especial pelo repertório que toca. Com Los Angeles, é provavelmente sobre este último que se pensa. Nos seus anos ao leme, Esa-Pekka Salonen alargou vastamente o âmbito do que a orquestra toca. É quase tão provável que os ouça tocar uma obra de Steven Stucky como uma de Beethoven.

Por isso, a Filarmónica de LA já é famosa pelas suas excursões à música contemporânea. Isto dá-lhes a capacidade de lidar com as exigências técnicas do repertório de uma forma importante. Significa também que estão muito abertos a novos pensamentos e ideias.

Assim, cada maestro que venha a essa orquestra pode colocar o seu selo individual na música, em oposição a uma interpretação por defeito que a orquestra proporciona. Se, por exemplo, for dirigir a Filarmónica de Viena numa sinfonia de Brahms, é mais do que provável que obtenha a interpretação da Filarmónica de Viena dessa sinfonia de Brahms. Não é assim com LA.

A sua nova sala é também um factor vital para o seu sucesso. Não pode ser uma orquestra verdadeiramente grande a menos que tenha uma sala que lhe dê um ambiente em que seja única, seja no repertório que escolhe tocar ou através do tipo de som que cria. Essa sala pode não ser do gosto de todos, mas na verdade a Disney Hall deu a esta orquestra uma verdadeira oportunidade de florescer. Podem fazer coisas que antes não podiam fazer porque eram limitadas em termos de espaço de palco – e podem fazer coisas novas sonoramente porque a sala é muito mais propícia a uma paleta sónica mais ampla.

Espero que a chegada de Gustavo Dudamel como maestro chefe continue os bons tempos, e a sua educação na Venezuela ajudá-lo-á. Ele irá provavelmente introduzir conceitos com os quais cresceu, tentando fazer da música cada vez mais parte da comunidade. E pode ajudar a orquestra a estabelecer uma ligação com a grande população hispânica de Los Angeles, uma nova audiência que talvez ainda não tenha sido completamente atingida.

Leonard Slatkin

Leonard Slatkin foi o principal maestro convidado da Orquestra Filarmónica de Los Angeles entre 2005 e 2007

7 Cleveland Orchestra

Em refinamento de tom, entoação impecável, esticamento do conjunto e o puro calor do som, a Cleveland Orchestra é o Concertgebouw e a Filarmónica de Viena praticamente rolou num só. A chamada orquestra europeia dos Estados Unidos, foi engrandecida por George Szell, um autocrata do Velho Mundo, nos anos que se seguiram à Segunda Guerra Mundial. Nenhum director musical americano, antes ou depois de Szell se ter mudado para Cleveland. A maior parte das grandes comissões hoje em dia vêm do estrangeiro. Neste momento, Cleveland é um lugar melhor para descobrir o que Oliver Knussen, Matthias Pintscher ou o jovem austríaco Johannes Maria Staud estão a tramar do que Nova Iorque.

Mas nada, de facto, poderia ser mais americano do que a orquestra de Cleveland. Que continua a ser um dos melhores do mundo numa cidade economicamente difícil do Midwestern é o espírito americano que pode fazer funcionar. Franz Welser-Möst, que está na sua quinta temporada como director musical, tem os seus detractores. Eles apelam a um regresso à previsibilidade do século XX. Welser-Möst, em vez disso, está a mover Cleveland para o século XXI através das suas interpretações de busca e programas inventivos. Quase todas as semanas traz algo actual ou uma novidade do passado para o elegante e íntimo Severance Hall. Embora um austríaco, Welser-Möst tem demonstrado uma curiosidade inquieta sobre a música americana, incluindo a tradição maverick no ocidente, que é na sua maioria ignorada a leste do Mississippi.

Os detractores de Even Welser-Möst normalmente admitem que a sua orquestra continua regularmente a produzir o seu som de marca registada, que é difícil de não amar. A orquestra faz uma extensa digressão e toca várias semanas por temporada em Miami, ajudando na capital da Florida, a capital deficiente em orquestra. E Welser-Möst tem agora um contrato que vai até 2018, o que lhe permite o luxo de fazer planos a longo prazo, assegurando uma estabilidade que não se encontra noutro lugar do mundo orquestral.

Mark Swed

Mark Swed é o principal crítico musical do LA Times

6 Orquestra Sinfónica da Rádio Bavária

Aqui está uma orquestra que não só é muito brilhante – não tem quaisquer fraquezas. São artistas enormemente espontâneos e emotivos, tocando cada concerto como se fosse o seu último. Eles dão tudo, mais de cem por cento.

Mas a orquestra tem um segredo para o seu sucesso.

Como orquestra de rádio, todos os seus concertos são gravados. Portanto, todos os músicos estão ao mesmo tempo habituados à ideia de que devem ser tecnicamente perfeitos e inabaláveis pela presença de microfones – assim, com a qualidade de tocar quase um dado, concentram-se também numa interpretação interessante e envolvente. São treinados para fazer ambas as coisas, o que produz enormes resultados. Além disso, tocam muita música contemporânea. Isso mantém-nos afiados; a sua leitura visual, por exemplo, é fenomenal. Para mim, como maestro, é como conduzir um Rolls Royce. A orquestra pode lidar com tudo.

Mariss Jansons

Mariss Jansons é maestro principal da Orquestra Sinfónica da Rádio Bavária

5 Chicago Symphony Orchestra

Toco com a Chicago Symphony há tanto tempo que me sinto como um membro da família. Quando actuei com eles pela primeira vez tinha 26 anos e eles não podiam ter sido mais simpáticos – são apenas pessoas adoráveis. Como estudante, tinha-os ouvido muitas vezes no Carnegie Hall sob Solti, por isso tocar um concerto de Liszt com ele a conduzir era como uma fantasia tornada realidade.

Mas tenho de dizer que cada vez que toco com eles é especial. No ano passado, fiz um concerto de Brahms sob Haitink, e isso foi espantoso. Ainda estou no ponto em que tenho uma espécie de emoção quando subo ao palco com uma grande orquestra, e eles são incrivelmente talentosos, um grupo de músicos muito excitante. Acho que nunca ouvi mais Strauss e Mahler tão brilhantes do que ouvi em Chicago.

Como orquestra eles têm este som brilhante de latão, pelo qual acho que são justamente famosos. Algumas pessoas criticam-nos por não conseguirem equilibrar esse brilho incrível, mas creio que são uma orquestra que responde ao que lhes pedimos que façam. Quando Solti os dirigia, encorajou aquele som brilhante, enquanto que quando os ouvi sob Barenboim soavam como uma orquestra europeia fantasticamente rica e profunda, por isso penso que são capazes de praticamente tudo. Chicago, como todas as grandes orquestras, têm uma espécie de orgulho em si próprias, independentemente de quem esteja no pódio, e este é um elemento importante para manter um padrão elevado.

Emanuel Ax

O pianista Emanuel Ax tocará a seguir com a Chicago Symphony em Abril de 2010

4 London Symphony Orchestra

O LSO destaca-se de todas as orquestras com quem trabalhei devido à sua ética de trabalho totalmente única. Os músicos estão sempre “ligados”, quer sejam 9 da manhã ou 21 da noite, quer tenham trabalhado a semana toda ou tenham acabado de regressar das suas férias. Começa-se a trabalhar e eles iluminam-se imediatamente de uma forma que nunca experimentei em mais lado nenhum.

O estilo LSO é bem conhecido – há rapidez e vitalidade, uma precisão e um impulso, e eles dão tudo de si, especialmente quando se trata de volume. De onde é que ele vem? Bem, eles têm certamente uma versatilidade extraordinária: podem tocar qualquer coisa! Mas há uma atitude que vai com isso – eles têm a mesma abertura para cada projecto que lhes surge. Têm o vocabulário para serem fiéis a todos os estilos de som que são necessários. Estão constantemente a adaptar-se.

Tambem beneficiam de uma grande gestão, pessoas que partilham com os músicos uma curiosidade sobre coisas novas, e não se afastam dos novos desafios. E como os músicos estão envolvidos em muitos dos processos de tomada de decisão, optam por trabalhar com pessoas que partilham a sua filosofia. Eles também são raspadores – adoram juntar as coisas e a gama de produção musical que enfrentam é colossal! Têm sempre a sensação de que estão lá porque querem estar – nunca há qualquer sensação de moagem. E isso contribui para o imediatismo da experiência.

Marin Alsop

Marin Alsop regularmente convidado-conduz a LSO

3 Filarmónica de Viena

É preciso admitir que a Filarmónica de Viena, por toda a sua merecida fama, nem sempre soa como a melhor orquestra do mundo. Toca demasiados concertos, por um lado, e demasiados deles são com maestros incapazes ou não dispostos a trazer o melhor de entre os músicos. Por vezes, como quando Valery Gergiev vem visitar, podem até soar brutais, como uma banda sinfónica de segunda classe. Por vezes, o tocar soa aborrecido, desde que maestri como Daniel Harding abordem as possibilidades da orquestra sem qualquer conceito artístico aparente.

Mas – e é um mas muito grande – quando o maestro certo está perante esses músicos, é uma questão completamente diferente. Quando intérpretes cultos e inspiradores como Christian Thielemann, Franz Welser-Möst ou o fabuloso Bertrand de Billy (tanto em ópera como em concerto) trabalham com um sentido do seu profundo poço de musicalidade, a Filarmónica de Viena pode soar como nenhuma outra orquestra.

Como beneficia das suas actividades diárias na casa de ópera, a orquestra é capaz de formar as transições mais suaves, as mais finas modulações de som. Isso torna-a incomparável, pelo menos de vez em quando – sempre que exerce a sua opção de ser assim.

Wihelm Sinkovicz

Wilhelm Sinkovicz é o crítico de música clássica de Die Presse

2 Berlin Philharmonic

Contrário da mitologia popular, não creio que exista um som orquestral reconhecível. Contudo, é possível reconhecer uma orquestra pela sua forma de tocar. Já me surpreendi em várias ocasiões, ligando o rádio no carro ou na cozinha, ouvindo uma orquestra a meio do voo e sabendo imediatamente que somos nós. Tem a ver com as prioridades dos músicos – nós, músicos da Phil Berlin, tocamos apaixonadamente e emocionalmente, atirando-nos à música – e isso é evidente mesmo através das ondas de rádio.

Fui membro da orquestra durante 23 anos sob três directores musicais (Herbert von Karajan, Claudio Abbado e Simon Rattle), e durante esse tempo mudámos e desenvolvemos. De facto, seria um caso triste se não o tivéssemos feito. Penso que qualquer instituição que use orgulhosamente as suas tradições no seu peito deve necessariamente estar ciente de que a tradição é um processo vivo. Uma tradição performativa não deve ser mumificada, como uma mosca num pedaço de âmbar ou uma exposição atrás de vidro num museu, mas, em vez disso, é algo que vive. Por definição, deve evoluir e adaptar-se.

Um dos principais pontos que abordámos ao considerar para onde levar a orquestra depois do Abbado foi se queríamos avançar para o século XXI, ou voltar ao passado. Abbado já tinha feito o trabalho pioneiro. Quando assumiu o trabalho depois de Karajan, estava a pisar em sapatos imensamente grandes, mas conseguiu alcançar uma revolução bastante radical, que influenciou as orquestras em todo o mundo. Ele pegava num programa bastante tradicional e apresentava-o de uma certa forma, fazendo com que o público se sentasse, reparasse e limpasse realmente os seus ouvidos. E num espaço de tempo bastante curto, outras orquestras também tentavam programas mais ousados – como se estivessem simplesmente à espera que alguém assumisse a liderança. Agora que temos Simon Rattle, executamos um maior número de obras contemporâneas. Muitos músicos em todo o mundo ainda não chegaram a acordo, mesmo com o século XX, mas Simon é um maestro para o século XXI.

Como músico, se eu tivesse sido reduzido a tocar apenas Brahms e Beethoven – obras magníficas como elas são – isso seria uma dieta muito fina. Tenho apreciado imensamente a viagem e a aventura com esta orquestra porque a minha educação musical tem beneficiado consistentemente ano após ano, ao empurrar o envelope. É um ambiente de trabalho tremendamente gratificante e edificante – não o tipo de situação de alta pressão em que se preocupa todos os dias se será suficientemente bom. Certamente não sinto que haja uma espada Damoclean sobre a minha cabeça, mas é, no entanto, um ambiente desafiante. Ao enfrentar estes desafios, nós músicos orquestrais sentimos uma maior satisfação e somos capazes de elevar novamente a fasquia – mas isso exige um empenho total de cada um dos músicos.

Fergus McWilliam

Fergus McWilliam é um tocador de trompa da Filarmónica de Berlim

1 Royal Concertgebouw

Se eu conhecia o Royal Concertgebouw dos discos muito antes de os ter conduzido. Adorei as primeiras gravações de Mengelberg e mais tarde aquelas com Bernard Haitink. De pé no pódio perante os músicos, sempre apreciei o quão especiais eles são. A sua abordagem à produção musical vai muito além das questões de som; é tão profunda, tão profunda, tão nobre. Eles criam consigo uma atmosfera única, fazem-no sentir que entrou num mundo muito especial.

Têm uma compreensão de cada compositor como um actor compreende os seus papéis – interpretam, e mudam para a personagem apropriada. Vem de uma fome de compreender o que está por detrás das notas. As notas são afinal apenas sinais, e se apenas se seguir os sinais, elas não o levarão até lá. No entanto, muito poucas orquestras no mundo têm essa qualidade de conhecer a profundidade e o carácter da música. Temos muitas orquestras tecnicamente boas nos dias de hoje. Mas esta inteligência musical, aliada ao som muito pessoal da orquestra, faz sobressair o Concertgebouw.

Nos ensaios, os músicos falam consigo a um nível fascinante sobre interpretação. Tantas vezes os ensaios podem ser simplesmente sobre organização: espera-se que entrem e digam apenas: “Aqui um pouco mais alto, aqui um pouco mais suave”, o que é tudo muito primitivo. Os músicos do Concertgebouw esperam algo extra de si, uma interpretação interessante, ideias esclarecedoras, uma fantasia. Se lhes oferecer isso, eles tocam com uma paixão como se fossem uma nova peça em vez de uma obra que já tocaram um milhão de vezes antes. É isto que os músicos querem – aquele nível superior, quando esquecemos as notas e tocamos a imagem, a ideia.

Todas as orquestras verdadeiramente grandes ostentam um som individual, que está longe de ser a norma hoje em dia. Quando assumi o Concertgebouw, os jornalistas perguntaram-me o que é que eu iria mudar. Eu disse: “De momento, nada. A minha tarefa é descobrir as suas qualidades especiais e preservá-las. Então, se através de um processo natural a minha própria individualidade acrescentar algo – e a deles a mim – isso será bom”. Eu nunca me proporia mudar o Concertgebouw. Continuamos a aprender juntos.

Mariss Jansons

Mariss Jansons é o maestro principal do Royal Concertgebouw

Cinco em cinco

Cinco grandes gravações recentes para melhor experimentar as cinco melhores orquestras de Gramophone

Royal Concertgebouw Orch / Mariss Jansons

R Strauss An Alpine Symphony. Don Juan

RCO Live RCO08006 (A/08)

Elegante e belamente controlado tocando a partir do grande conjunto holandês: esta é uma viagem que mostra o incomparável ouvido de Jansons para a cor da orquestra

BPO / Simon Rattle

Brahms Ein deutsches Requiem

EMI 365393-2 (5/07)

Uma gravação na grande tradição Brahms de Berlim – reconhecidamente BPO, e também muito Simon Rattle!

VPO / Georges Prêtre

“Concerto de Ano Novo 2008”

Decca 478 0034

Nenhuma orquestra toca esta música como a VPO – e mostra tanto respeito por ela. Este ano Prêtre trouxe também um pouco de brilho galego

LSO / Valery Gergiev

Sinfonia de Mahler nº 6

LSO Live LSO0661 (6/08)

Uma lembrança surpreendente da nova parceria LSO/Gergiev e um lembrete vivo da orquestra que dá sempre 100 por cento

Chicago SO / Bernard Haitink

Shostakovich Symphony No 4

CSO Resound CSOR901 814 (11/08)

A grande orquestra de Chicago responde a Haitink com um empenho e poder assustador

UP-AND-COMING

Orquestra Sinfónica do Estado de São Paulo

A orquestra realiza mais de 130 concertos em cada temporada, trazendo ao Brasil cerca de 60 músicos convidados do calibre de Kurt Masur, Krzysztof Penderecki e Emmanuel Pahud. Dirigida por John Neschling desde 1997, a orquestra sofreu uma espécie de transformação nos últimos 10 anos – sob a sua liderança a sua série de subscrições e programas educativos floresceram, assim como uma frutuosa parceria de gravação com BIS.

China Philharmonic Orchestra

Em alguns aspectos, a Filarmónica da China é algo como um bebé, noutros, um sábio velho sábio – foi estabelecida apenas em Maio de 2000, mas a partir das cinzas da antiga China Broadcasting Symphony Orchestra. O seu director artístico, Long Yu, é um dos principais maestros do país e um técnico muito bom que, indiscutivelmente, trouxe novos padrões de interpretação orquestral à China. À medida que o interesse do país pela música clássica aumenta, o mesmo acontece com a China Phil.

Filarmónica Leal Liverpool

Quando Vasily Petrenko se tornou o principal maestro da orquestra em 2006, ele tornou-se a pessoa mais jovem a ocupar o cargo nos seus 165 anos de história. Com a sua nomeação, um conjunto com um pedigree distinto de maestros principais – incluindo Sir Charles Hallé, Sir Henry Wood e Sir Malcolm Sargent – cimentou o seu compromisso de promover a música clássica como uma forma de arte válida para o público contemporâneo.

P>PAST GLORIES

NBC Symphony

Um veículo para Arturo Toscanini, a orquestra doméstica da rede de rádio NBC foi estabelecida em 1937, recrutando músicos proeminentes de todo o país. As suas emissões semanais de concertos, que continuaram até 1954, foram complementadas por digressões na América do Sul em 1940 e nos EUA em 1950. Um legado abrangente gravado – tanto em CD como em DVD – está disponível na RCA. Muitos dos músicos da orquestra formaram a Sinfonia do Ar sob Leopold Stokowski.

Philadelphia Orchestra

Stokowski também conseguiu impulsionar a Orquestra de Filadélfia para a eminência internacional como seu principal maestro de 1912 a 1938. Mas foi sob o próximo director da orquestra, Eugene Ormandy, que muitas das suas gravações mais célebres foram feitas. Ormandy permaneceu como director musical durante 44 anos, e num golpe diplomático conduziu a orquestra em Pequim em 1973 – a primeira vez que uma orquestra americana tinha feito uma digressão pela China.

Orchestre de la Suisse Romande

Sob a direcção do seu fundador Ernest Ansermet, esta orquestra alcançou uma proeminência especial durante quase 50 anos. Após a Segunda Guerra Mundial, alcançou particular aclamação através de uma associação de longo prazo com a Decca, emitindo uma série de gravações memoráveis, incluindo muito repertório do século XX. Durante os anos 60, nos seus últimos anos no leme da orquestra, Ansermet concentrou-se na gravação das sinfonias de Beethoven e Brahms.