Der Soundtrack der Sechzigerjahre forderte Respekt, Gerechtigkeit und Gleichheit

Als Sly and the Family Stone Ende 1968 „Everyday People“ veröffentlichten, war das ein Schlachtruf nach einem turbulenten Jahr mit Attentaten, Bürgerunruhen und einem scheinbar nicht enden wollenden Krieg.

„We got to live together“, sang er, „I am no better and neither are you.“

Im Laufe der Geschichte haben Künstler und Songwriter die Sehnsucht nach Gleichheit und Gerechtigkeit durch ihre Musik zum Ausdruck gebracht.

Vor dem Bürgerkrieg gaben afroamerikanische Sklaven ihrer Unterdrückung durch als biblische Spirituals getarnte Protestlieder eine Stimme. In den 1930er Jahren wetterte die Jazzsängerin Billie Holiday in „Strange Fruit“ gegen die Praxis des Lynchens. Woody Guthries Folk-Balladen aus den 1930er- und 1940er-Jahren kommentierten oft die Not der Arbeiterklasse.

Aber vielleicht zu keiner anderen Zeit in der amerikanischen Geschichte spiegelte die populäre Musik den politischen und kulturellen Moment deutlicher wider als der Soundtrack der 1960er-Jahre – einer, der ein neues und offenes soziales Bewusstsein verkörperte.

In jenem Jahrzehnt flammte langsam eine spürbare Energie auf, die sich durch eine Reihe von Ereignissen verstärkte: die Ermordung John F. Kennedys 1963, die Bürgerrechtsbewegung und der Vietnamkrieg.

Mitte der 1960er Jahre begann die Frustration über das langsame Tempo der Veränderungen in Form von Unruhen in mehreren Städten durchzusickern. Dann, 1968, ereigneten sich innerhalb weniger Monate zwei schreckliche Ereignisse: die Ermordung von Martin Luther King Jr. und Robert Kennedy.

Durch all das hindurch war da die Musik.

Da ich in dieser Zeit in Nordkalifornien aufwuchs, hatte ich die Gelegenheit, einige der Soundtracks dieser Ära live zu hören – James Brown, Marvin Gaye, die Rolling Stones, Jimi Hendrix und The Doors.

Zur gleichen Zeit war praktisch jeder in der afro-amerikanischen Gemeinschaft auf die eine oder andere Weise direkt mit der Bürgerrechtsbewegung verbunden.

Jedes Jahr greife ich diese Ära in einer Vorlesung auf, die ich über Musik, Bürgerrechte und den Obersten Gerichtshof halte. Mit dieser Perspektive als Hintergrund, hier sind fünf Songs, gefolgt von einer Playlist, die ich mit meinen Studenten teile.

Während sie ein Fenster in das Erwachen und die Abrechnung der Zeit bieten, haben die Tracks heute eine erneute Relevanz und Resonanz angenommen.

„Blowin‘ in the Wind“, Bob Dylan, 1963

Erstmals von der Folk-Gruppe Peter, Paul und Mary zum Hit gemacht, signalisierte der Song ein neues Bewusstsein und wurde zum meistgecoverten aller Dylan-Songs.

Das Lied stellt eine Reihe von Fragen, die an den moralischen Kompass des Zuhörers appellieren, während die zeitlose Bildsprache des Textes – Kanonenkugeln, Tauben, Tod, der Himmel – eine Sehnsucht nach Frieden und Freiheit hervorruft, die die damalige Zeit ansprach.

Wie ein Kritiker 2010 bemerkte:

„Es gibt Songs, die mehr von ihrer Zeit geschrieben sind als von irgendeinem Individuum in dieser Zeit, ein Song, nach dem die Zeit zu rufen scheint, ein Song, der einfach ein perfekter Strike sein wird, der genau in die Mitte der Bahn gerollt wird, und die Bahn ist bereits für den Strike gerillt worden.“

Dieser Song – zusammen mit anderen wie „A Hard Rain’s A-Gonna Fall“ und „Chimes of Freedom“ – ist einer der Gründe, warum Bob Dylan den Nobelpreis für Literatur erhielt.

„A Change is Gonna Come“, Sam Cooke, 1964

Während einer Tournee durch den Süden 1963 wurde Cooke und seiner Band die Unterkunft in einem Hotel in Shreveport, Louisiana, verweigert.

Afrikanische Amerikaner sahen sich im Jim-Crow-Süden routinemäßig mit Rassentrennung und Vorurteilen konfrontiert, aber diese besondere Erfahrung erschütterte Cooke.

So brachte er den Stift zu Papier und nahm ein Thema in Angriff, das für Cooke, einen Crossover-Künstler, der sich mit einer Reihe von Top-40-Hits einen Namen gemacht hatte, eine Neuerung darstellte.

Die Texte spiegeln die Qualen eines außergewöhnlichen Pop-Headliners wider, der dennoch durch eine Seitentür gehen muss.

Das Lied, das Cookes Gospel-Wurzeln widerspiegelt, ist ein Song, der schmerzhaft und wunderschön die Grenze zwischen Hoffnung und Verzweiflung einfängt.

„It’s been a long, a long time coming,“ croons he. „But I know a change is gonna come.“

Sam Cooke ließ sich bei der Komposition von „A Change is Gonna Come“ auch von Dylans „Blowin‘ in the Wind“ inspirieren: Laut Cookes Biographen schämte sich Cooke beim Hören von Dylans Song „fast, so etwas nicht selbst geschrieben zu haben.“

„Come See About Me“, The Supremes, 1964

Dies war damals einer meiner Lieblingssongs von ihnen – beschwingt, lustig und unbedingt „unpolitisch“.

Das Plattenlabel der Supremes, Motown, spielte eine wichtige Rolle bei der Überbrückung einer kulturellen Kluft während der Bürgerrechts-Ära, indem es schwarze Musiker zum weltweiten Ruhm katapultierte.

Die Supremes waren der Motown-Act mit der wohl größten Anziehungskraft und ebneten anderen schwarzen Künstlern den Weg zu kreativem Erfolg als Mainstream-Acts.

Durch ihre 20 Top-10-Hits und 17 Auftritte von 1964 bis 1969 in der beliebten wöchentlichen Live-Sendung „The Ed Sullivan Show“ von CBS war die Gruppe regelmäßig in den Wohnzimmern schwarzer und weißer Familien im ganzen Land präsent.

„Say it Loud – I’m Black And I’m Proud“, James Brown, 1968

James Brown – der selbsternannte „am härtesten arbeitende Mann im Showgeschäft“ – baute seinen Ruf als Entertainer par excellence mit brillanten Tanzschritten, akribischer Inszenierung und einer Umhang-Routine auf.

Aber mit „Say it Loud – I’m Black And I’m Proud“ schien Brown ganz bewusst ein starkes politisches Statement über das Schwarzsein in Amerika abzugeben.

Der geradlinige, schnörkellose Text des Songs ließ ihn schnell zu einer Hymne des schwarzen Stolzes werden, die versprach: „Wir werden nicht aufhören, uns zu bewegen, bis wir bekommen, was wir verdienen.“

„Respect“, Aretha Franklin, 1967

Wenn ich nur einen Song auswählen könnte, der diese Ära repräsentiert, wäre es „Respect“.

Es ist eine Coverversion eines Stücks, das zuvor von Otis Redding geschrieben und aufgenommen wurde. Aber Franklin macht es zu ihrem ganz eigenen. Von den ersten Zeilen an bittet die Queen of Soul nicht um Respekt, sie fordert ihn ein.

Der Song wurde zu einer Hymne für die Black-Power- und Frauenbewegung.

Wie Franklin 1999 in ihrer Autobiografie erklärte:

„Es war das Bedürfnis einer Nation, das Bedürfnis des durchschnittlichen Mannes und der durchschnittlichen Frau auf der Straße, des Geschäftsmanns, der Mutter, des Feuerwehrmanns, des Lehrers – alle wollten Respekt. Es war auch einer der Schlachtrufe der Bürgerrechtsbewegung. Der Song bekam eine monumentale Bedeutung.“

Natürlich können diese fünf Songs der Musik des Jahrzehnts nicht gerecht werden.

Zu meinen Favoriten zählen auch Simon & Garfunkels „The Sound of Silence“, Barry McGuires „Eve of Destruction“ und Lou Rawls‘ „Dead End Street“.