Die Geschichte von ‚4’33″‚

John Cage wurde am 5. September 1912 geboren. An seinem 100. Geburtstag erinnern wir uns an den Komponisten mit einer Reportage, die im Mai 2000 auf All Things Considered ausgestrahlt wurde.

Es ist ein warmer und regnerischer Abend im August 1952. Der Ort ist ein winziges Auditorium, das passenderweise „Maverick Concert Hall“ heißt. Das Gebäude wurde Anfang des Jahrhunderts von einem exzentrischen Dichter und Romancier namens Herve White erbaut und befindet sich am Ende einer unbefestigten Straße mitten im Wald in der Nähe von Woodstock, New York, einer Künstlergemeinde etwa zwei Stunden nördlich von New York City. Das Maverick ist ein schiefes Gebäude aus Brettern und Nägeln, das wie eine Kreuzung zwischen einer Scheune und einer Landkirche aussieht. Die Stützbalken sind aus abgenutzten Baumstämmen. Auf einer Seite wächst eine riesige Eiche durch eine Öffnung im moosbedeckten Dach. Die Türöffnungen stehen in ungeraden Winkeln und die Fensterscheiben sind wie Dominosteine über die weiß getünchten Kiefernwände verstreut.

Im Publikum sitzt ein breiter Querschnitt der klassischen Musikgemeinde der Stadt, darunter Komponisten wie Morton Feldman und Earl Brown, deren Werke an diesem Abend aufgeführt werden. Anwesend sind auch einige urlaubende Mitglieder der New Yorker Philharmoniker, die mit dem Treiben der Renegaten der Neuen Musik Schritt halten wollen, und der Komponist John Cage, der zwei neue Werke uraufführt. Für das erste, das später als „Water Music“ bekannt werden sollte, spielt der Pianist David Tudor, ein lebenslanger Mitarbeiter von Cage, ein präpariertes Klavier, einen Entenruf und ein Transistorradio. Für das zweite Stück, das den vorläufigen Titel „Four Pieces“ trägt, startet Tudor eine Stoppuhr, setzt sich vor das Klavier, schließt den Deckel und beginnt eine Performance, bei der er keinen einzigen Ton spielt.

Nach 30 Sekunden Stille stellt Tudor die Stoppuhr zurück und stoppt weitere zwei Minuten und 23 Sekunden Stille, dann noch eine Minute und 40 Sekunden Stille. Aber ist es Stille?

Im Maverick konnte man an diesem Abend wahrscheinlich das Rauschen der Brise in den Bäumen hören, das leichte Prasseln des Regens auf dem Dach, das Zirpen der Grillen, das ziellose Bellen eines Hundes irgendwo in der Ferne, das Geräusch von Körpern, die ihr Gewicht auf knarrenden Kiefernbänken verlagern, das Geräusch des Einatmens und Ausatmens.

Das war Musik für John Cage. Und im Gegensatz zu Kompositionen, die die Außenwelt verschwinden lassen sollten, war das hier eine Musik, die, wenn man sich auf sie einließ, die gegenwärtige Welt aufbrechen ließ wie eine Lotusblüte in einer Stop-Motion-Fotografie. Das alles entsprach ganz Cages Zen-Weltanschauung, die die Kraft der unvermittelten Erfahrung und der direkten Wahrnehmung dessen betonte, was Cage die „Isness“ des Lebens nannte.

Die stille Komposition, die durch ihre Dauer von vier Minuten und 33 Sekunden bekannt wurde, war beeinflusst von Cages Begegnung mit den so genannten „White Paintings“ seines Freundes Robert Rauschenberg – riesige Leinwände aus undifferenziertem Weiß, deren Oberflächen unendlich mit Staubpartikeln und Lichtreflexen variieren. Beeinflusst wurde er auch durch die Begegnung mit einer echofreien Kammer, einem Raum, der wissenschaftlich dafür ausgelegt ist, absolute Stille für verschiedene Arten von akustischen Tests zu gewährleisten.

In seiner berühmten Essaysammlung mit dem Titel Silence schrieb Cage darüber, wie er eine solche Kammer in Harvard betrat und zwei Töne hörte, einen hohen und einen tiefen. Der diensthabende Ingenieur teilte ihm mit, dass der hohe Ton der seines Nervensystems sei, der tiefe der seines Blutes im Kreislauf. Dies löste bei Cage eine Epiphanie aus, die einen Großteil seiner musikalischen Aufmerksamkeit auf Umgebungsgeräusche und zufällige Klänge im Gegensatz zu gewollten, kompositorischen Klängen lenken sollte. „Bis ich sterbe, wird es Klänge geben“, schrieb er, „und sie werden auch nach meinem Tod weiterbestehen. Man braucht sich keine Sorgen um die Zukunft der Musik zu machen. Alle Klänge können in jeder Kombination und in jeder Kontinuität auftreten.“

Wie zu erwarten war, fanden viele Zuhörer diese Sichtweise ungenießbar, obwohl der Saal selbst eine Metapher für Cages ideale Vereinigung von Musik und Natur sein könnte. Es gab einen Aufruhr. Die Leute dachten, 4’33“ sei ein Witz oder eine Art avantgardistischer Nasenstüber. Während einer Diskussion nach dem Konzert, so notiert der Cage-Biograf David Revill, stand ein lokaler Künstler auf und schlug vor: „Gute Leute von Woodstock, lasst uns diese Leute aus der Stadt vertreiben.“

Aber in Wirklichkeit war Cages kleine stille Komposition kein Witz, und sie sollte einen unkalkulierbaren, wenn auch charakteristisch stillen Einfluss auf einen großen Teil der nachfolgenden Musik haben.

Die aufkommende Technologie der tragbaren Aufnahmegeräte erlaubte die Katalogisierung und Manipulation von Umweltgeräuschen durch Musiker. Der Komponist Steve Reich erforschte die Rhythmen der menschlichen Stimme und von Zügen. Das Rauschen des Meeres war für The Who’s Quadrophenia ebenso zentral wie Pete Townshend’s dröhnende Gitarre. Brian Eno, der sich von Cage zum Komponieren inspirieren ließ, nahm eine Reihe so genannter „Ambient“-Alben auf, eine Musik der Stille, die die Geräusche des Lebens eher ergänzen als mit ihnen konkurrieren sollte. Heute verwenden Hip-Hop-Produzenten Straßengeräusche in ihrer Musik und DJs nutzen das Oberflächengeräusch von Vinyl-LPs, um Nostalgie und Authentizität zu vermitteln.

In gewissem Sinne gab Cage Musikern die ästhetische Erlaubnis, ja sogar die spirituelle Ermutigung, über die Tonalitäten der Standardinstrumentierung hinauszugehen und sich mit den unendlichen Möglichkeiten des Klangs zu beschäftigen. Obwohl er bis zu seinem Tod im Jahr 1992 im Alter von 79 Jahren sehr produktiv komponierte, blieb Cage mehr für seine Ideen als für seine Musik bekannt, und das rätselhafte 4’33“ ist der ultimative Ausdruck dieser Ideen.

„Das wichtigste Stück ist mein stilles Stück“, beteuerte er. „Ich denke immer daran, bevor ich das nächste Stück schreibe.“ Ein Kritiker nannte es „die zentrale Komposition dieses Jahrhunderts“. Der Pianist David Tudor nannte es „eines der intensivsten Hörerlebnisse, die man haben kann“

Aber all das verleiht 4’33“ eine Schwere, die im Widerspruch zu seinem spielerischen Gefühl steht, einfach mit der Welt verbunden zu sein. Wie Cage am Ende von „Silence“ schreibt: „Ich habe viele angenehme Stunden im Wald damit verbracht, Aufführungen meines stummen Stücks zu dirigieren, Transkriptionen – das heißt, für ein Publikum aus mir selbst.“‚ Indem er uns einlud, dasselbe zu tun, veränderte Cage die Kunst der Musik und die Kunst des Zuhörens unwiderruflich.