Enchanted (Film)

Entwicklung

Das ursprüngliche Drehbuch von Enchanted, geschrieben von Bill Kelly, wurde im September 1997 von Disneys Touchstone Pictures und Sonnenfeld/Josephson Productions für eine angebliche Summe von 450.000 Dollar gekauft. An dem Drehbuch wurde drei Jahre lang geschrieben, aber man hielt es für Walt Disney Pictures für ungeeignet, da es sich um einen „rassigeren R-Rated-Film“ handelte, inspiriert von den erwachsenenfeindlichen Komödienfilmen der 1980er und 1990er Jahre wie Fast Times at Ridgemont High und American Pie. Der erste Entwurf des Drehbuchs sah vor, dass Giselle bei ihrer Ankunft in New York City mit einer Stripperin verwechselt wird. Zur Frustration von Kelly wurde das Drehbuch mehrmals umgeschrieben, zuerst von Rita Hsiao und dann von Todd Alcott. Der Film sollte ursprünglich 2002 mit Rob Marshall als Regisseur veröffentlicht werden, aber er zog sich aufgrund „kreativer Differenzen“ zwischen den Produzenten und ihm zurück. Im Jahr 2001 sollte der Regisseur Jon Turteltaub den Film inszenieren, aber er verließ ihn bald darauf und arbeitete später mit Disney und Jerry Bruckheimer an der National Treasure-Franchise. Adam Shankman übernahm 2003 die Regie des Films, während Bob Schooley und Mark McCorkle von Disney angeheuert wurden, um das Drehbuch noch einmal umzuschreiben. Damals erwog Disney, die Rolle der Giselle Kate Hudson oder Reese Witherspoon anzubieten. Das Projekt kam jedoch nicht zustande.

Am 25. Mai 2005 berichtete Variety, dass Kevin Lima als Regisseur angeheuert wurde und Bill Kelly zu dem Projekt zurückkehrte, um eine neue Version des Drehbuchs zu schreiben. Lima arbeitete mit Kelly am Drehbuch, um die Haupthandlung von Enchanted mit der Idee einer „liebevollen Hommage“ an Disneys Erbe zu verbinden. Er erstellte visuelle Storyboard-Ausdrucke, die die Geschichte von Enchanted von Anfang bis Ende abdeckten und eine ganze Etage des Produktionsgebäudes füllten. Nachdem Lima sie Dick Cook, dem Vorsitzenden der Walt Disney Studios, gezeigt hatte, erhielt er grünes Licht für das Projekt und ein Budget von 85 Millionen Dollar. Lima begann damit, die Welt von Andalasia zu entwerfen und ein Storyboard für den Film zu erstellen, bevor eine Besetzung für die Charaktere ausgewählt wurde. Nachdem die Schauspieler engagiert waren, war er an der endgültigen Gestaltung des Films beteiligt, die sicherstellte, dass die animierten Charaktere wie ihre realen Gegenstücke aussehen.

Dreharbeiten

Enchanted ist der erste abendfüllende Disney-Hybrid aus Live-Action und traditioneller Animation seit Disneys Who Framed Roger Rabbit aus dem Jahr 1988, obwohl die traditionell animierten Charaktere in der Live-Action-Umgebung nicht auf dieselbe Weise interagieren wie in Roger Rabbit; Es gibt jedoch einige Szenen, in denen sich Live-Action-Charaktere den Bildschirm mit zweidimensionalen animierten Charakteren teilen, z. B. ein Live-Action-Nathaniel, der mit einer von der Cel gezeichneten Narissa kommuniziert, die sich in einem Kochtopf befindet. Der Film verwendet zwei Seitenverhältnisse; er beginnt in 2,35:1, wenn das Walt Disney Pictures-Logo und das Enchanted-Geschichtenbuch gezeigt werden, und wechselt dann für die erste animierte Sequenz zu einem kleineren Seitenverhältnis von 1,85:1. Der Film schaltet zurück auf 2,35:1, wenn er in die Live-Action übergeht, und schaltet nie wieder zurück, auch nicht für die restlichen animierten Sequenzen. Als der Film im Fernsehen ausgestrahlt wurde, wurde der Anfang des Films (abzüglich des Logos und des Vorspanns) im pillarboxed 4:3-Seitenverhältnis gezeigt; der Rest des Films wurde im 16:9-Seitenverhältnis gezeigt, als er zur Live-Action wurde. Lima beaufsichtigte die Regie sowohl der Live-Action- als auch der Animationssequenzen, die zur gleichen Zeit produziert wurden. Die Fertigstellung von Enchanted dauerte fast zwei Jahre. Die Animation dauerte etwa ein Jahr, während die Live-Action-Szenen, die im Sommer 2006 vor Ort in New York City gedreht und während des Animationsprozesses fertiggestellt wurden, in 72 Tagen gedreht wurden.

AnimationEdit

Von den 107 Minuten Laufzeit des Films stehen zehn der etwa 13 Minuten Animation am Anfang des Films. Lima versuchte, „jedes einzelne Stück der ikonischen Disney-Bilder“, das er konnte, in die ersten zehn Minuten zu packen, die in traditioneller Cel-Animation (im Gegensatz zu computergenerierter 3D-Animation) als Hommage an frühere Disney-Märchenfilme wie Dornröschen, Cinderella und Schneewittchen und die sieben Zwerge gemacht wurden. Es war der erste Disney-Film, der in Amerika in die Kinos kam und seit Pooh’s Heffalump Movie (2005) mit traditioneller Cel-Animation arbeitete. Obwohl sich der Film von der Handlung her stark von allen bisherigen Disney-Filmen unterscheidet, enthielt er auch offensichtliche Hommagen an andere Disney-Filme aus der Vergangenheit, wie Old Yeller, The Shaggy Dog, Swiss Family Robinson, Bon Voyage! und Savage Sam. Da die meisten der traditionellen Disney-Animationskünstler nach dem Computergrafik-Boom der späten 1990er Jahre entlassen wurden, wurden die 13 Minuten Animation nicht im eigenen Haus gemacht, sondern von der unabhängigen Firma James Baxter Animation aus Pasadena, die vom ehemaligen Disney-Animator Baxter gegründet wurde.

Obwohl Lima wollte, dass die Animation nostalgisch ist, sollte Enchanted einen eigenen Stil haben. Baxters Team entschied sich, den Jugendstil als Ausgangspunkt zu nehmen. Für Giselle musste die handgezeichnete Zeichentrickfigur „eine Kreuzung aus Amy Adams und einer klassischen Disney-Prinzessin sein. Und nicht eine Karikatur.“ Da Giselle „ein Waldmädchen, eine unschuldige Nymphe mit Blumen im Haar“ und „ein bisschen ein Hippie“ ist, wollten die Animatoren, dass sie „fließend ist, mit ihrem Haar und ihrer Kleidung. Zart.“ Für Prinz Edward arbeitete Baxters Team „am härtesten an ihm, damit er wie der Schauspieler aussieht“, weil Prinzen „in dieser Art von Filmen normalerweise so fade sind.“ Für Narissa wurden viele Prototypen angefertigt, da Baxters Team wollte, dass ihr Gesicht „wie Susan Sarandon aussieht“.

Um die Kontinuität zwischen den beiden Medien aufrechtzuerhalten, holte Lima die Kostümbildnerin Mona May in den frühen Phasen der Filmproduktion hinzu, damit die Kostüme sowohl in der Zeichentrick- als auch in der Realfilmwelt aufeinander abgestimmt werden konnten. Er drehte auch einige Live-Action-Aufnahmen von Amy Adams als Giselle, die den Animatoren als Referenz dienten, so dass die physischen Bewegungen der Figur in beiden Welten übereinstimmten. Von den Animatoren fertiggestellte Testszenen wurden den Schauspielern gezeigt, damit sie sehen konnten, wie sich ihre animierten Ichs bewegen würden.

Live-ActionEdit

Timothy Spall und James Marsden während der Dreharbeiten in Columbus Circle

Die Hauptaufnahmen begannen im April 2006 und endeten im Juli 2006. Aufgrund des Sequenz-Settings wurden die Live-Action-Szenen in New York City gedreht. Die Dreharbeiten in New York erwiesen sich jedoch als problematisch, da sich die Stadt in einem „ständigen Zustand von neuen Geschäften, Gerüsten und Renovierungen“ befand.

Die erste Szene in New York, in der Giselle aus einem Gully in der Mitte des Times Square auftaucht, wurde vor Ort in der Mitte des Platzes gefilmt. Aufgrund der Schwierigkeiten bei der Kontrolle der Menschenmenge während der Dreharbeiten am Times Square wurden in der Szene allgemeine Fußgänger gezeigt und angeheuerte Statisten im unmittelbaren Vordergrund platziert. Auf ähnliche Weise versammelte sich eine Menschenmenge, um zu beobachten, wie James Marsden und Timothy Spall ihre Szenen am Times Square drehten. Die Szene, die Lima jedoch am schwierigsten zu drehen fand, war die Musical-Nummer „That’s How You Know“ im Central Park. Die fünfminütige Szene dauerte 17 Tage, da das wechselhafte Wetter nur sieben sonnige Tage für die Dreharbeiten zuließ. Außerdem wurden die Dreharbeiten zeitweise durch Patrick Dempseys Fans behindert. Die Szene wurde von John O’Connell choreographiert, der zuvor an Moulin Rouge! gearbeitet hatte, und umfasste 300 Statisten und 150 Tänzer.

Viele Szenen wurden in den Steiner Studios gedreht, die auch die drei großen Bühnen zur Verfügung stellten, die Enchanted benötigte. Weitere Außenschauplätze waren die Brooklyn Bridge und „The Paterno“, ein Apartmenthaus mit einer geschwungenen, stark verzierten, elfenbeinfarbenen Fassade an der Ecke Riverside Drive und 116th Street, das der Wohnsitz der Filmfiguren Robert und Morgan ist.

Kostümdesign

Giselles Hochzeitskleid wird im El Capitan Theatre ausgestellt

Alle Kostüme im Film wurden von Mona May entworfen, die zuvor an Clueless, The Wedding Singer und The Haunted Mansion gearbeitet hatte. Um die Kostüme zu entwerfen, verbrachte May ein Jahr in der Vorproduktion und arbeitete mit Animatoren und ihrer 20-köpfigen Kostümabteilung zusammen, während sie fünf externe Kostümgeschäfte in Los Angeles und New York City unter Vertrag nahm. Sie wurde in das Projekt involviert, als die Animatoren die Gesichter und Körper der Figuren entwarfen, da sie „die Kostüme von zweidimensionalen Zeichnungen in die menschlichen Proportionen der Live-Action übersetzen mussten“. Ihr Ziel war es, die Designs „durch und durch Disneyesk zu halten, aber ein bisschen Mode und Humor hineinzubringen und etwas Neues daraus zu machen“. May gab jedoch zu, dass dies schwierig war, „weil es sich um ikonische Disney-Figuren handelt, die schon so lange in der Psyche des Publikums verankert sind“.

Für die Figur der Giselle spiegelt sich ihre Reise, eine echte Frau zu werden, in ihren Kleidern wider, die im Laufe des Films weniger märchenhaft werden. Ihr Hochzeitskleid zu Beginn des Films steht im direkten Kontrast zu ihrem modernen Kleid am Ende des Films. Das Hochzeitskleid diente dazu, einen „gewaltigen Kontrast zu den flachen Zeichnungen“ zu schaffen und das Bild einer Disney-Prinzessin zu akzentuieren. Um die Taille schmal wirken zu lassen, wurden die Ärmel „extrem bauschig“ und der Rock so groß wie möglich gestaltet, wozu auch ein Metallreifen gehörte, der 20 Lagen Petticoats und Rüschen aufnimmt. Insgesamt wurden elf Versionen des Kleides für die Dreharbeiten angefertigt, jede aus 200 Yards (183 m) Seidensatin und anderen Stoffen, und mit einem Gewicht von etwa 40 Pfund (18 kg). Über die Erfahrung, das Hochzeitskleid zu tragen, beschrieb Amy Adams es als „zermürbend“, da „das gesamte Gewicht auf ihren Hüften lag, so dass es sich gelegentlich so anfühlte, als ob sie im Zug wäre“.

Im Gegensatz zu Giselle passt sich Prinz Edward nicht an die reale Welt an und James Marsden, der Edward spielt, ließ nur ein Kostüm für ihn entwerfen. Mays Ziel war es, zu versuchen, „Marsden nicht in der Verrücktheit des Outfits zu verlieren … wo er immer noch gut aussieht“. Das Kostüm enthielt auch Polsterungen im Brust-, Gesäß- und Schrittbereich, die Marsden die „gleichen übertriebenen Proportionen wie bei einer Zeichentrickfigur“ und „die gleiche Haltung – sein Rücken ist gerade, die Ärmel sind oben und fallen nicht zusammen“ gaben.

May war erfreut, dass Lima mit Susan Sarandons Königin Narissa „etwas mehr in Richtung Mode ging“. Sie entschied sich, sie wie eine „Laufsteg-Dame“ aussehen zu lassen, die etwas trägt, das „immer noch Disney“ ist, aber auch „High Fashion, wie etwas, das John Galliano oder Thierry Mugler entwerfen könnte“. Da Narissa in drei Medien auftritt: handgezeichnete Animation, Live-Action und Computeranimation, musste May sicherstellen, dass das Kostüm in Bezug auf „Farbe, Form und Textur“ überall gleich ist. Das Kostüm für Narissa bestand aus einem Lederkorsett und einem Rock, der „reptilienartig“ aussah, sowie einem Umhang. In Zusammenarbeit mit den Animatoren baute May Teile der Drachenform in das Kostüm ein; der Umhang sollte wie Flügel aussehen, die Lagen des Rocks sich wie ein Schwanz wickeln und eine Krone, die sich während Narissas Verwandlung in einen Drachen in Hörner verwandeln würde.

MusikEdit

Die Filmmusik wurde von dem versierten Songwriter und Komponisten Alan Menken geschrieben, der bereits an einer Reihe von Disney-Filmen mitgewirkt hat. Sein Komponistenkollege Stephen Schwartz schrieb die Texte für sechs Lieder, die ebenfalls von Menken komponiert wurden. Menken und Schwartz arbeiteten zuvor gemeinsam an den Liedern für Pocahontas und Der Glöckner von Notre Dame.

Menken wurde in den frühen Phasen der Entwicklung des Films in den Film involviert und lud Schwartz ein, ihre Zusammenarbeit wieder aufzunehmen. Sie begannen den Songwriting-Prozess mit der Suche nach den richtigen Momenten in der Geschichte, in denen ein Song-Moment erlaubt war. Schwartz fand, dass es in Enchanted einfacher war, Situationen zu rechtfertigen, in denen die Charaktere in Lieder ausbrechen würden, als in anderen Live-Action-Musicals, da das Konzept „es den Charakteren erlaubte, auf eine Art und Weise zu singen, die komplett in die Handlung der Geschichte integriert war.“ Die drei Lieder, die Giselle singt, enthalten Verweise auf frühere Disney-Filme. Das erste Lied, das im Film gespielt wird, „True Love’s Kiss“, wurde geschrieben, um „eine Anspielung auf und eine Hommage an den Stil jener Disney-Zeichentrickfilme“ zu sein, nämlich „I’m Wishing“ (Schneewittchen und die sieben Zwerge) und „A Dream is a Wish Your Heart Makes“ (Cinderella), in denen Disney-Heldinnen über das Glück, geliebt zu werden, singen. Eine Herausforderung für Menken und Schwartz waren die „vielen Vorurteile bei dieser Nummer“; sie musste die Ära von „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ und „Cinderella“ widerspiegeln. Dementsprechend sang Amy Adams den ersten Song im Operettenstil, im Gegensatz zum Broadway-Stil der späteren Songs.

Beide, „Happy Working Song“ und „That’s How You Know“, zollen auch vergangenen Disney-Songs Tribut. „Happy Working Song“ ist eine lyrische Hommage an Lieder wie „Whistle While You Work“ (Schneewittchen und die sieben Zwerge), „The Work Song“ (Cinderella), „A Spoonful of Sugar“ (Mary Poppins) und „Making Christmas“ (The Nightmare Before Christmas) und eine musikalische Hommage an die Sherman Brothers (mit einem selbstparodistischen Mittelteil im „Alan Menken-Stil“). „That’s How You Know“ ist eine Selbstparodie von Menkens Kompositionen für seine Disney-Filme, insbesondere solche großen Produktionsnummern wie „Under the Sea“ (Die kleine Meerjungfrau) und „Be Our Guest“ (Die Schöne und das Biest). Um dies zu erreichen, musste Schwartz zugeben, dass er „in Bezug auf die Wortwahl oder bestimmte Texte ein wenig weiter gehen“ musste, während er „die klassische Walt Disney-Sensibilität“ beibehielt. Menken merkte jedoch an, dass die Songs, die er für Disney geschrieben hat, schon immer „ein wenig augenzwinkernd“ waren. Im weiteren Verlauf des Films verwendet die Musik zeitgenössischere Stile, was durch die Erwachsenen-Ballade „So Close“ und die Country/Pop-Nummer „Ever Ever After“ (gesungen von Carrie Underwood als Voice-over) zu hören ist.

Von den sechs fertiggestellten Songs, die Menken und Schwartz geschrieben und komponiert haben, blieben fünf im fertigen Film. Der Titelsong „Enchanted“, ein Duett mit Idina Menzel und James Marsden, war der einzige Song aus Menkens und Schwartz‘ Feder und Komposition, der aus dem Film gestrichen wurde.

Effektbearbeitung

Der Großteil der visuellen Effektaufnahmen in Enchanted wurde von Tippett Studio in Berkeley, Kalifornien, gemacht, die insgesamt 320 Aufnahmen beisteuerten. Diese Aufnahmen umfassten virtuelle Sets, Umgebungseffekte und CG-Charaktere, die neben echten Schauspielern auftraten, nämlich die animierten Tiere während der „Happy Working Song“-Sequenz, Pip und der Drache Narissa während der Live-Action-Parts des Films. CIS Hollywood war für 36 Visual-Effects-Shots verantwortlich, die sich hauptsächlich mit Drahtentfernungen und Composites befassten. Reel FX Creative Studios war für vier Visual Effects Shots verantwortlich, die die Übergänge beim Umblättern des Pop-up-Buches beinhalteten, während Weta Digital für zwei Shots verantwortlich war.

Von allen Tieren, die in der „Happy Working Song“-Sequenz auftauchen, waren die einzigen echten Tiere, die am Set gefilmt wurden, Ratten und Tauben. Die echten Tiere, die auf Film festgehalten wurden, halfen Tippett Studio bei der Erstellung der CG-Ratten und -Tauben, die dynamische Auftritte hatten, wie z.B. Tauben, die Besen in ihren Schnäbeln trugen und Ratten, die mit Zahnbürsten schrubbten. Auf der anderen Seite waren alle Kakerlaken CG-Charaktere.

Pip, ein Streifenhörnchen, das in der 2D-Welt von Andalasia sprechen kann, verliert in der realen Welt seine Fähigkeit, durch Sprache zu kommunizieren, so dass er sich stark auf Mimik und Körpergesten verlassen muss. Das bedeutete, dass die Animatoren Pips Emotionen durch Performance darstellen und ihn wie ein echtes Streifenhörnchen erscheinen lassen mussten. Das Team von Tippett begann den Prozess der Animation von Pip, indem es lebende Streifenhörnchen beobachtete, die in Bewegung aus jedem erdenklichen Winkel“ gefilmt wurden. Danach erstellten sie ein fotorealistisches Streifenhörnchen durch den Einsatz von 3D-Computergrafik-Software, Maya und Furrocious. Als Visual Effects Supervisor Thomas Schelesny die erste Animation von Pip dem Regisseur Kevin Lima zeigte, war dieser überrascht, dass er eine CG-Figur und kein Referenzmaterial vor sich hatte. Um die Gesichtsausdrücke zu verstärken, gaben die Modellierer Pip Augenbrauen, die echte Streifenhörnchen nicht haben. Während der Dreharbeiten zu den Szenen, in denen Pip auftaucht, wurden verschiedene Möglichkeiten genutzt, um die physische Anwesenheit von Pip anzuzeigen. Bei einigen Gelegenheiten wurde ein kleines ausgestopftes Streifenhörnchen mit einer Drahtarmatur im Inneren in der Szene platziert. In anderen Situationen wurde ein Stab mit einem kleinen Marker am Ende oder ein Laserpointer verwendet, um den Schauspielern und dem Kameramann zu zeigen, wo sich Pip befindet.

Im Gegensatz zu Pip durfte der Drache Narissa eher eine Fantasiefigur sein, während er immer noch wie eine lebende Figur und ein klassischer Disney-Bösewicht aussieht. Das CG-Drachen-Design basierte lose auf einem traditionellen chinesischen Drachen und der Live-Action-Hexe von Susan Sarandon. Bei den Dreharbeiten zu der Szene, in der sich Narissa von einer Frau in einen Drachen verwandelt, wurde anstelle eines Laserpointers eine lange Stange verwendet, um die Blicke der Statisten zu lenken. Die Kulissen wurden hin- und herbewegt, außerdem gab es ein computergesteuertes Beleuchtungs-Setup und einen wiederholbaren Kopf auf der Kamera, die alle synchronisiert wurden. In der Schlusssequenz des Films, in der Narissa das Woolworth Building erklimmt, während sie Robert in ihren Klauen festhält, wurde ein Greenscreen-Rig gebaut, um Patrick Dempsey zu halten, um sein Gesicht und seine Bewegungen zu filmen. Das Rig war ein „Puppeteering“-Ansatz, bei dem ein Roboterarm von drei verschiedenen Bodeneffektkünstlern gesteuert wurde.