Cabeza para el arte
La última vez vimos la perspectiva lineal como una forma importante en la que los pintores y escultores pueden crear una sensación de espacio creíble en un cuadro o escultura. La perspectiva lineal utiliza un sistema matemático de líneas para crear una ventana realista al mundo. La observación clave de este sistema (y sin duda recordarás haber dibujado una carretera arbolada o las vías del tren en clase de arte) es que las líneas que son realmente paralelas parecen converger en un punto central de fuga.
Una vez «inventado» y asimilado, los artistas se sofisticaron en el uso de este sistema. He aquí al pintor de género holandés del Siglo de Oro, Pieter de Hooch, perforando un agujero tras otro en la superficie de su lienzo con una serie rigurosamente elaborada de espacios interiores en retroceso. Las líneas del suelo y la ráfaga de luz en el canal lejano nos hacen tomar nota de la ilusión espacial.
Sin embargo, hay otras formas de crear una sensación de profundidad en un cuadro y es una de las que veremos hoy. La perspectiva aérea (a veces llamada perspectiva atmosférica) utiliza el color para crear una sensación de espacio. Imita la forma natural en que la atmósfera afecta al ojo humano, de modo que las cosas en la distancia parecen más pálidas, más azules y más borrosas que las cosas en el primer plano. He aquí un clásico de la perspectiva aérea del pintor romántico Caspar David Friedrich:
Como queda claro aquí, la perspectiva aérea cobra sentido en los paisajes. Estas colinas y montañas de Riesengebirge se vuelven más azules en la media distancia y más pálidas en el fondo. Los efectos de la atmósfera sobre el ojo humano fueron observados por los pintores al fresco de la época romana y la perspectiva aérea se utilizó en las pinturas de los Países Bajos en el siglo XV. Explicaciones de sus efectos fueron escritas por polímatas como Leon Battista Alberti (1404-72) y Leonardo da Vinci (1452-1519). Aquí está el propio León, el gran hombre, poniendo en práctica la técnica de forma deliciosa en su Virgen con el Niño y Santa Ana c. 1508:
Leonardo construye un hermoso paisaje azul imaginario mucho más allá de sus figuras. Los tonos se vuelven más pálidos a medida que se alejan. Observa también cómo los colores del fondo son «fríos» mientras que los del primer plano son «cálidos». Los colores se describen a veces (y los pintores los utilizan a menudo) en términos de temperatura. Los cálidos son los que se encuentran en la gama de rojo-naranja-amarillo. Los fríos son los que se encuentran en el lado opuesto de la rueda de colores: hablamos de la zona verde-azul-violeta.
Son los azules fríos del fondo en contraste con las piedras ocre-anaranjadas del primer plano del Leonardo los que construyen la habitación en la que caben sus formas y figuras. En esta acuarela de 1842, el pintor romántico inglés Turner también explota el tira y afloja de los colores cálidos y fríos. En este cuadro (llamado Lago de Constanza), los colores cálidos parecen avanzar hacia el espectador, mientras que los azules brumosos retroceden hacia el horizonte.
Además de utilizar el color para convencernos del retroceso, Leonardo, Turner y otros hacen el desenfoque para engañar a nuestro ojo y hacerle creer que las cosas están lejos. Los bordes de las rocas lejanas se difuminan y suavizan y los detalles desaparecen en el aire. Esta manipulación de los detalles es algo que vemos hacer a Ma Yuan, de la dinastía Song (960-1279), en Sauces y montañas lejanas. Este pintor no puede utilizar el color para sugerir la recesión, así que se trata de hacer que el primer plano sea realmente nítido y oscuro y que el contorno escarpado del fondo sea tenue y vaporoso.
Acabaré con algo que rechaza la perspectiva aérea para precisar la importancia de esta sutil técnica espacial. En Hacia el atardecer, la expresionista alemana Gabriele Münter (1877-1962) crea zonas de intenso color. Desde la carretera roja del primer plano hasta la montaña azul del fondo, no hay ningún tipo de iluminación, ningún tipo de descanso. Cuando hizo este cuadro, se fijó en la pintura sobre vidrio, rica en colores, y no buscaba una sensación de profundidad a través del color. Aunque su montaña es azul, no es pálida ni borrosa, por lo que el efecto final es más un patrón plano que un panorama lejano.
