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L’ultima volta abbiamo esaminato la prospettiva lineare come un modo importante con cui pittori e scultori possono creare un credibile senso di spazio in un quadro o in una scultura. La prospettiva lineare usa un sistema matematico di linee per creare una finestra realistica sul mondo. L’osservazione chiave di questo sistema (e senza dubbio ricorderai di aver disegnato una strada alberata o i binari del treno durante la lezione di arte) è che le linee che sono effettivamente parallele sembrano convergere su un punto di fuga centrale.

Una volta “inventato” e assorbito, gli artisti divennero sofisticati nel loro uso di questo sistema. Ecco il pittore di genere olandese del Secolo d’Oro Pieter de Hooch che fa un buco dopo l’altro nella superficie della sua tela con una serie rigorosamente elaborata di spazi interni che si allontanano. Le linee sul pavimento e l’esplosione di luce sul canale lontano ci fanno notare l’illusione spaziale.

Ci sono però altri modi per creare un senso di profondità in un dipinto ed è uno di quelli che esamineremo oggi. La prospettiva aerea (a volte chiamata prospettiva atmosferica) usa il colore per creare un senso di spazio. Imita il modo naturale in cui l’atmosfera influenza l’occhio umano, così che le cose in lontananza appaiono più pallide, più blu e più sfocate di quelle in primo piano. Ecco un classico della prospettiva aerea del pittore romantico Caspar David Friedrich:

Come è chiaro qui la prospettiva aerea si rivela nei paesaggi. Queste colline e montagne del Riesengebirge diventano più blu in lontananza e più chiare sullo sfondo. I contorni diventano meno precisi e i dettagli si perdono in lontananza.

Gli effetti dell’atmosfera sull’occhio umano erano stati osservati dagli affrescatori del periodo romano e la prospettiva aerea fu usata nei dipinti dei Paesi Bassi nel XV secolo. Spiegazioni dei suoi effetti furono scritte da polimatici come Leon Battista Alberti (1404-72) e Leonardo da Vinci (1452-1519). Ecco il grande uomo Leo stesso che mette la tecnica a uso delizioso la sua Vergine col Bambino e Sant’Anna c. 1508:

Leonardo costruisce un bel paesaggio immaginario blu ben oltre le sue figure. I toni diventano più chiari man mano che si allontanano. Vedi anche come i colori dello sfondo sono “freddi” mentre quelli in primo piano sono “caldi”. I colori sono talvolta descritti (e spesso usati dai pittori) in termini di temperatura. I caldi sono quelli nella gamma rosso-arancio-giallo. I freddi sono quelli sul lato opposto della ruota dei colori: stiamo parlando della zona verde-blu-viola.

È il blu freddo sullo sfondo in contrasto con le pietre arancio-ocra in primo piano del Leonardo che costruisce la stanza in cui le sue forme e figure possono inserirsi. Anche in questo acquerello del 1842 il pittore romantico inglese Turner sfrutta la spinta e l’attrazione dei colori caldi e freddi. In questo dipinto (chiamato Lago di Costanza), i colori caldi sembrano avanzare verso lo spettatore, mentre i blu vaporosi si ritirano verso l’orizzonte.

Oltre a usare il colore per convincerci della recessione, Leonardo, Turner e altri fanno la sfocatura per ingannare il nostro occhio a credere che le cose siano lontane. I bordi delle rocce lontane sono sbavati e ammorbiditi e i dettagli scompaiono nel nulla. Questa sfumatura di dettagli fini è qualcosa che vediamo fare da Ma Yuan della dinastia Song (960-1279) in Salici e montagne lontane. Questo pittore non può usare il colore per suggerire la recessione, quindi si tratta di rendere il primo piano molto nitido e scuro e il profilo scosceso sullo sfondo debole e vaporoso.

Concludo con qualcosa che rifiuta la prospettiva aerea per sottolineare quanto sia significativa questa sottile tecnica spaziale. In Toward Evening l’espressionista tedesco Gabriele Münter (1877-1962) crea zone di colore intenso. Dalla strada rossa in primo piano alla montagna blu sullo sfondo non ci sono schiarite, non c’è un attimo di tregua. Quando ha realizzato questo quadro, aveva osservato la pittura su vetro ricca di colore e non cercava un senso di profondità attraverso il colore. Sebbene la sua montagna sia blu, non è pallida o sfocata, quindi l’effetto finale è più un modello piatto che un panorama lontano.