Kopf für die Kunst
Letztes Mal haben wir uns die Linearperspektive als eine wichtige Methode angesehen, mit der Maler und Bildhauer ein glaubhaftes Raumgefühl in einem Bild oder einer Schnitzerei erzeugen können. Die Linearperspektive verwendet ein mathematisches System von Linien, um ein realistisches Fenster auf die Welt zu errichten. Die Schlüsselbeobachtung für dieses System (und Sie werden sich zweifellos daran erinnern, wie Sie im Kunstunterricht eine von Bäumen gesäumte Straße oder Eisenbahnschienen gezeichnet haben) ist, dass Linien, die eigentlich parallel verlaufen, auf einem zentralen Fluchtpunkt zusammenzulaufen scheinen.
Einmal „erfunden“ und verinnerlicht, wurden die Künstler anspruchsvoll in der Verwendung dieses Systems. Hier ist der holländische Genremaler des Goldenen Zeitalters Pieter de Hooch zu sehen, der mit einer rigoros ausgearbeiteten Serie von zurückweichenden Innenräumen Loch um Loch in die Oberfläche seiner Leinwand stanzt. Die Linien auf dem Boden und der Lichtstrahl auf dem entfernten Kanal lassen uns die räumliche Illusion wahrnehmen.
Es gibt jedoch noch andere Möglichkeiten, ein Gefühl von Tiefe in einem Gemälde zu erzeugen, und eine davon werden wir uns heute ansehen. Die Luftperspektive (manchmal auch atmosphärische Perspektive genannt) verwendet Farbe, um ein Gefühl von Raum zu erzeugen. Sie ahmt die natürliche Wirkung der Atmosphäre auf das menschliche Auge nach, so dass Dinge in der Ferne blasser, blauer und unschärfer erscheinen als Dinge im Vordergrund. Hier ist ein klassisches Beispiel für die Luftperspektive von dem romantischen Maler Caspar David Friedrich:
Wie hier deutlich wird, kommt die Luftperspektive in Landschaften zur Geltung. Die Hügel und Berge des Riesengebirges werden in der mittleren Entfernung blauer und im Hintergrund blasser. Umrisse werden unschärfer und Details verlieren sich in der Ferne.
Die Wirkung der Atmosphäre auf das menschliche Auge wurde schon von den Freskenmalern der Römerzeit beobachtet und die Luftperspektive wurde in Gemälden aus den Niederlanden im 15. Erklärungen zu ihren Effekten wurden von Universalgelehrten wie Leon Battista Alberti (1404-72) und Leonardo da Vinci (1452-1519) verfasst. Hier ist der große Mann Leo selbst, der die Technik auf köstliche Weise bei seiner Jungfrau und Kind mit der heiligen Anna um 1508 anwendet:
Leonardo baut eine schöne blaue imaginäre Landschaft weit über seine Figuren hinaus. Die Töne werden blasser, je weiter sie sich zurückziehen. Sehen Sie auch, wie die Farben im Hintergrund „kühl“ sind, während die im Vordergrund „warm“ sind. Farben werden manchmal in Bezug auf die Temperatur beschrieben (und von Malern oft verwendet). Warm sind die Farben im rot-orange-gelben Bereich. Kühl sind diejenigen auf der gegenüberliegenden Seite des Farbkreises: Wir sprechen von der grün-blau-violetten Zone.
Es sind die kühlen Blautöne im Hintergrund im Kontrast zu den orange-ockerfarbenen Steinen im Vordergrund des Leonardo, die den Raum bilden, in den seine Formen und Figuren passen können. Auch der englische Romantiker Turner nutzt in diesem Aquarell von 1842 das Drängen und Ziehen von warmen und kühlen Farben. In diesem Gemälde (mit dem Titel „Lake Constance“) scheinen die warmen Farben auf den Betrachter zuzusteuern, während sich die dunstigen Blautöne in Richtung des Horizonts zurückziehen.
Neben der Verwendung von Farbe, um uns von einer Rezession zu überzeugen, nutzen Leonardo, Turner und Co. die Unschärfe, um unserem Auge vorzugaukeln, dass die Dinge weit weg sind. Die Kanten weit entfernter Felsen werden verwischt und aufgeweicht und Details lösen sich in Luft auf. Diese Verwischung feiner Details ist etwas, das wir bei Ma Yuan aus der Song-Dynastie (960-1279) in „Weiden und ferne Berge“ sehen. Dieser Maler kann keine Farbe verwenden, um eine Rezession zu suggerieren, also geht es darum, den Vordergrund wirklich knackig und dunkel und die zerklüfteten Umrisse im Hintergrund schwach und dunstig zu machen.
Ich schließe mit einem Bild, das die Luftperspektive ablehnt, um zu verdeutlichen, wie bedeutsam diese subtile räumliche Technik ist. In Toward Evening schafft die deutsche Expressionistin Gabriele Münter (1877-1962) Flächen von intensiver Farbigkeit. Von der roten Straße im Vordergrund bis zum blauen Berg im Hintergrund gibt es kein Aufhellen, kein Nachlassen. Sie hatte sich farbenprächtige Glasmalerei angesehen, als sie dies anfertigte, und war nicht auf der Suche nach einem Gefühl von Tiefe durch Farbe. Obwohl ihr Berg blau ist, ist er nicht blass oder verschwommen, sodass der Endeffekt eher ein flaches Muster als ein weit entferntes Panorama ist.
