De films van Ridley Scott, gerangschikt van slechtst naar best

Over een carrière van bijna 40 jaar, heeft Ridley Scott een reputatie opgebouwd als een meestertechnicus, een nauwgezette, schilderachtige filmmaker, een sterke acteursregisseur, en een van de meest ongelijke van alle grote regisseurs. Scott heeft evenveel slechte, middelmatige of gewoon-goed films gemaakt als goede tot geweldige. Hij lijkt niet in staat om een goed script van een slordig te onderscheiden, wat betekent dat zijn onmiskenbare gaven als vakman meestal de idioten in de tekst versterken. Maar Scott heeft een aantal bonafide klassiekers onder zijn riem, evenals een aantal over het hoofd geziene of ondergewaardeerde films. Voor zijn 77e verjaardag heeft Indiewire al zijn films gerangschikt, van slecht naar best.

READ MORE: The Films of Alfonso Cuaraon, Ranked From Worst to Best

“1492: Conquest of Paradise” (1992)

Op papier klinkt het veelbelovend dat Ridley Scott een film regisseert over de historische figuur Christoffel Columbus – Scott is altijd goed geweest in verhalen over wanneer obsessie en ambitie tot wreedheid leiden. Het probleem is dat scenarioschrijfster Roselyne Bosch een betere onderzoekster dan scenariste is, en zij en Scott verdwalen in de bric-a-brac en de periode rond Columbus op een logge, drooghistorische manier zonder vast te stellen hoe bijvoorbeeld de Spaanse Inquisitie verband houdt met de reis van Columbus. De film laat de historiciteit echter varen als het over Columbus in Amerika gaat, waarbij de genocide van de inboorlingen door de centrale figuur wordt gebagatelliseerd als “de andere jongens die met hem reisden deden het ook”. De film poneert dat Columbus een man van ambitie is zonder zijn ambitie te begrijpen of ermee te worstelen. Gerard Depardieu past ook niet goed bij Columbus, een opvallend Franse acteur die een Italiaan speelt die Engels spreekt met een dik accent dat vaak moeilijk te verstaan is (en hij heeft veel toespraken). “1492” is algemeen bekend als moeilijk te vinden op DVD of video. Daar is een reden voor.

“Robin Hood” (2010)

Deze film daarentegen nam een fascinerend idee en maakte het algemeen: Het oorspronkelijke script van Ethan Reiff en Cyrus Voris, “Nottingham”, richtte zich op een sympathieke sheriff van Nottingham en zijn driehoeksverhouding met Maid Marian en een weinig sympathieke versie van Robin Hood terwijl de sheriff een reeks gruwelijke moorden onderzoekt waarvoor Robin erin werd geluisd. In plaats daarvan huurde Scott Brian Helgeland in om het te herschrijven als een Robin Hood verhaal. “Robin Hood” is de meest vervelende film uit Scotts carrière, een sombere, duistere film die acteurs als Danny Huston en Max von Sydow verspilt in stockrollen en Oscar Isaac dwingt om een bleke rehash te doen van Joaquin Phoenix’s personage in “Gladiator”. Echt, de hele film voelt aan als een bleke rehash van “Gladiator”, compleet met een komisch plechtig optreden van Russell Crowe in het middelpunt. Het ontgaat Scott, Crowe of wie dan ook waarom ze deze afgezaagde prul wilden maken, laat staan deze versie van het verhaal boven de originelere versie die ze in handen hadden.

“Black Rain” (1989)

“Black Rain” komt aan het eind van Ridley Scotts wildernisjaren aan het eind van de jaren tachtig, en hoewel het bescheiden succes een reeks commerciële teleurstellingen goedmaakte, is het een van de leegste films van de regisseur. Scott’s touch is zeer opvallend, zijn gebruik van neon, contrasterende schaduwen en lichten monolithische gebouwen maken Tokyo eruit als een minder futuristische versie van “Blade Runner’s” Los Angeles. Maar de film heeft een leegte in het centrum met Michael Douglas’s onnodig gemene agent, die onaardig en intolerant is op de saaiste manier mogelijk (Andy Garcia’s hulpje doet het iets beter, hoewel geen van zijn komische opluchting grappig is). De Japanse personages, ondertussen, zijn allemaal ofwel lafbekken, hersenloze psychopaten of bronnen van lezing, met zelfs de charismatische Ken Takakura (R.I.P.) gereduceerd tot een man die moet worden geleerd hoe ruw te spelen met de criminelen door Douglas, waardoor de afgezaagde morele lessen over Japans-Amerikaanse betrekkingen onoprecht aanvoelen. De wanhopige pogingen tot politieke relevantie kunnen de ondoordachte machoporno in het hart van de film niet verhullen.

“Hannibal” (2001)

Het siert Ridley Scott dat hij waarschijnlijk de best mogelijke film heeft gemaakt die uit de roman van Thomas Harris had kunnen voortkomen. Scott neemt het absurde, over-the-top plot van de film en gaat ermee aan de slag, mengt operatische invloeden met de grand guignol overdaad van de film, en Scott probeerde iets anders dan Jonathan Demme’s Oscar-winnende film (hij is misschien wel het tegenovergestelde van Demme, koud vs. warm, expressionistisch vs. realistisch, apolitiek vs. politiek, hoewel ze allebei feministen zijn). Maar de film maakt een fout door Hannibal Lecter te veranderen van een psychopaat die binnen de perken werkt in een losgeslagen gek, wat de meest hammamachtige neigingen van Anthony Hopkins aanmoedigt. De film is ook pijnlijk expliciet in het verwoorden van zijn thema’s: de verkenning van seksisme in het origineel werd gesuggereerd, hier krijgen we Ray Liotta’s lompe FBI-chef. Waar eerdere schurken volledig gerealiseerde, menselijke moordenaars waren, wordt Gary Oldman’s Mason Verger een te letterlijk monster. En hoewel Julianne Moore misschien wel de beste actrice van haar generatie is, moet ze zelfs onder ideale omstandigheden onmogelijk haar mannetje staan, en ze heeft zelden het gevoel dat ze in gevaar is omdat A. Lecter haar te graag mag, en B. ze de hele tijd achter een verdomd bureau zit. Ondanks alle geweld in “Hannibal” ontbreekt het haar vreemd genoeg aan urgentie.

“A Good Year” (2006)

Na de gigantische onderneming van “Kingdom of Heaven” is het makkelijk te begrijpen waarom Ridley Scott iets bescheidener zou willen proberen. Maar “A Good Year” is niet alleen de meest onkarakteristieke film uit Scotts carrière, het is ook een van de saaiste. De pogingen van de film tot fysieke komedie zijn zwak (Russell Crowe zit in een kleine auto! Marion Cotillard kneust haar billen en laat het publiek zien wat er gebeurd is!), en Crowe, van nature geen komisch acteur, lijkt het niet te kunnen volgen. Dat geldt ook voor Scott, die zijn gebruikelijke levendige gebruik van kleur vervangt door een generieke arthouse kijk op Toscane. Na een bepaald punt is het moeilijk om te blijven proberen om dit in Scott’s filmografie te passen in plaats van het aantal glazen wijn te tellen dat gedronken is. Het landschap is mooi, maar het is allemaal landschap, geen inhoud.

“Someone to Watch Over Me” (1987)

Er valt niet veel te zeggen over “Someone to Watch Over Me”, Ridley Scott’s pijnlijk generieke politiethriller. Tom Berenger speelt een stoere NY agent die een socialite (Mimi Rogers) moet beschermen die getuige is van een moord, en hij begint voor haar te vallen, ook al is zijn huwelijk met zijn vrouw (Lorraine Bracco) een perfect gelukkig huwelijk. De film maakt de voorspelbare verhaallijn nooit ingewikkelder: de agent is losjes en slordig. De socialite is keurig en netjes. Ze hebben niets gemeen (en geen echte chemie) maar worden verliefd. De vrouw van de agent ontdekt het en verlaat hem. De overste van de agent blaast een pakking. Moordende psychopaat ontvoert familie van agent voor climax. Het script van Howard Franklin is zo dun dat het bijna doorschijnend is, met geen van de gesprekken die aanvoelen alsof ze meer zijn dan tijdvullers tussen de set-pieces. Alleen Bracco is in staat om van haar personage ook maar iets te maken dat op een puls lijkt, en Scott’s kenmerkende clair-obscur kan deze kartonnen knipsels alleen maar tot op zekere hoogte verheffen.

“Legend” (1985)

“Legend” was Scotts tweede film op rij die te lijden had onder door de studio opgelegde cuts, en de slecht bij elkaar passende Tangerine Score en het verwarrende, hakkelige verhaal van de theatrale versie werden verbeterd door Scotts Director’s Cut uit 2002. Maar de verlengde versie maakt van de film eerder een bewonderenswaardige miskleun dan een regelrechte blindganger. De film speelt als de ergste angst van een fantasy-foob die uitkomt, met een schurk genaamd Darkness, een goede prinses genaamd Lily, en sidekicks genaamd Honeythorn Gump, Brown Tom en Screwball (ik moet denken aan Paul Rudd’s zin in “Role Models”: “I just spent the afternoon in Middle-earth with glee-glop and the floopty-doos”). Tom Cruise, een jaar verwijderd van “Top Gun,” is slecht geschikt om een pijnlijk oprechte natuurjongen held te spelen, en met uitzondering van een spel Tim Curry als Darkness, geen van de acteurs zijn in staat om hun fantasie archetypes om te zetten in levendige fantasie archetypes. De film ziet er wel geweldig uit, maar de regisseur gaat over de top met het gebruik van paardenbloemen en bloemen die door de lucht zweven om ons eraan te herinneren dat de natuur goed is en de duisternis kwaad. Het is een visueel verbazingwekkende, maar buitengewoon maffe film, de “Avatar” van zijn tijd in vorm, zo niet in kassucces.

“Body of Lies” (2008)

Op zichzelf is “Body of Lies” een begaanbare (zij het vergeetbare) spionagethriller, met overwegend solide prestaties en bekwame actie. Het is alleen als onderdeel van Ridley Scott en scenarioschrijver William Monahan’s filmografie, het wordt een grotere teleurstelling. Terwijl de bijrolspelers (Mark Strong en Russell Crowe in het bijzonder) heel wat mooie momenten voor hun rekening nemen, heeft de film een zwak centrum in Leonardo DiCaprio, die een oververhitte variatie van zijn “The Departed”-personage speelt zonder de morele dubbelzinnigheid of reflectie van die film. Monahan maakt zich ook schuldig aan zelf-kannibalisatie, waarbij de film aanvoelt als een dun allegaartje van “Kingdom of Heaven” (met zijn kijk op religieuze conflicten) en “The Departed” (met zijn fascinatie voor de rol van moderne technologie in de oorlog tegen misdaad en terreur), en Scott slaagt er nooit in een set-piece te maken die niet aanvoelt als een imitatie van een “Bourne”-film of een van de films van zijn broer Tony Scott.

“G.I. Jane” (1997)

“G.I. Jane” heeft een handvol provocerende vragen in het middelpunt van het verhaal (“Moeten vrouwen in het leger kunnen dienen?” “Sluit het wrede conditioneringssysteem van het leger hun empathie uit?”), maar het doet geen van beide de moeite om ze te stellen. Het vraagt nooit waarom zijn militaire mannen seksistische klootzakken zijn die zich zo verzetten tegen Demi Moore’s vastberaden Navy SEAL kandidaat als het maakt seksisme te overwinnen en te bestrijden (letterlijk, ze schopt de stront uit militaire seksisten). Dat gezegd zijnde, is het middelste deel van “G.I. Jane”, dat zich op de training concentreert, visceraal opwindend materiaal, waarbij Scott zijn meest expressionistische accenten gebruikt in sequenties van SEALs die gedwongen worden om reusachtige vaten tegen heuvels op te duwen of hindernisbanen te lopen, waarbij hij bekend materiaal verandert in iets opwindends en fris. De film profiteert ook van het gebruik van Moore’s beperkte, niet-emotionele talenten voor een personage dat een ideale moordmachine is en van de casting van Viggo Mortensen als de belangrijkste antagonist van de film, omdat de acteur hem niet strikt als een schurk speelt, waardoor hij boven het wankele materiaal uitstijgt. “G.I. Jane” is langdradig en dom, maar ook erg leuk.

“White Squall” (1996)

Voor het grootste deel van de speelduur is “White Squall” niet iets bijzonders. Het is in wezen “Dead Poets Society” op zee. De meeste jongens smelten samen, en hoewel Jeff Bridges in de rol van Charles Keating harder is en soms geen medeleven toont, is hij nog steeds de mentor die de jongens op het einde zullen vereren en waar ze voor zullen opkomen. Het is effectief genoeg, maar weinig memorabel. Maar “White Squall” heeft een ongelooflijke set-piece tegen het einde wanneer het schip de titulaire storm tegenkomt en Scott er alles aan doet om de personages tot hun fysieke en psychologische limiet te dwingen. De regisseur maakt briljant gebruik van de ruimte, draait en keert het schip en haalt alles uit de toenemende claustrofobie als het schip overstroomt. De scène voelt aan alsof het deel uitmaakt van een avontuurlijk meesterwerk in plaats van het beste deel van een klein werk.

“American Gangster” (2007)

“American Gangster” heeft een geweldige ondersteunende cast: Josh Brolin als corrupte agent, Cuba Gooding, Jr. als flitsende gangster, Armande Assante, Chiwetel Ejiofor, en Ruby Dee in haar enige Oscar-genomineerde optreden. Het is dan ook jammer dat de meesten van hen vastzitten in een frustrerend bekend (maar effectief genoeg) verhaal. “American Gangster’ voelt aan als elke gangsterfilm die ooit gemaakt is, met stukjes geleende film uit ‘Scarface’ (schraperige gangster die opstaat), ‘The Godfather’ (koelbloedige gangster), blaxploitationfilms, ‘Goodfellas’ en meer, terwijl Russell Crowe’s helft van de film aanvoelt als een ‘Serpico’-heruitgave met een vleugje ‘Donnie Brasco’, zonder de directheid of stille wanhoop. Het is goed gemaakt, maar Scott’s kenmerkende touch ontbreekt, vervangen door werkmanachtige bekwaamheid. De film heeft één element dat de zaken redelijk fris houdt: Denzel Washington, die zich door z’n rust en gravitas onderscheidt van de rest van de film. Hij is het enige in de film dat geïnspireerd is in plaats van slechts solide.

“Prometheus” (2012)

“Prometheus” onderging een vreemde reis van een van de meest verwachte films van 2012 naar een van de meest gehate, een bliksemafleider voor internet backlash en plot gaten politie. Hun kritiek is niet ongefundeerd: Het script van Damon Lindelof roept een aantal vragen op, waarvan er maar weinig bevredigend worden beantwoord, en te veel personages gedragen zich zonder reden idioot. Maar hoe rommelig de film ook is, hij is vaak fascinerend, vooral wanneer hij tijd besteedt aan David van Michael Fassbender, die door zijn beleefde onthechting van de mensheid een van de spannendste onvoorspelbare personages uit de recente geschiedenis is. En zelfs de tegenstanders van de film moeten toegeven dat de film vaak formeel verbluffend is, door momenten van verwondering en ontzag met een opmerkelijke behendigheid te laten contrasteren met schokkende lichaamsafschuw.

“Gladiator” (2000)

“Gladiator” doet bijna niets nieuws met het Romeinse epos, maar wat het doet, doet het buitengewoon goed. Scott blaast een dood genre nieuw leven in door de intensiteit van “Saving Private Ryan” te koppelen aan ouderwets spektakel in de gevechtsscènes, en hij contrasteert de uitgestrektheid van de omgeving van de film met de claustrofobische, ingesnoerde kamers waarin de helden vastzitten, geketend of naast raaskallende psychopaten. Belangrijker is dat het verhaal van de film, hoe simpel het ook is, door alle betrokkenen met de grootste overtuiging wordt verteld. Crowe geeft zijn held een brutale gevoeligheid en intelligentie die hem onderscheidt van de giechelende saaiheid die volgde op “Gladiator” (Gerard Butler in “300”, ik kijk naar jou), en Joaquin Phoenix verscheurt elke overgeschreven regel alsof het een sappige biefstuk is, en geeft een glorieuze hammy prestatie. De film onderscheidt zich van zijn voorgangers door een grotere nadruk te leggen op sterfelijkheid, zowel de angst ervoor als de noodzaak om het te accepteren als het komt (het hoofdthema in Scott’s werk). Het maakt echter niet veel uit dat “Gladiator” grotendeels bekend is, want verdomme, het werkt gewoon.

“Matchstick Men” (2003)

“Matchstick Men” is een van Ridley Scott’s meest bescheiden films, en een van zijn meest persoonlijke. Als eeuwig nauwgezet filmmaker vond hij ongetwijfeld aansluiting bij de OCD-gedreven oplichter van Nicolas Cage, wiens aandoening Scott de kans geeft te experimenteren met belichting en montage, niet alleen als een sfeermaker, maar als een noodzaak. Elke lichtstraal is indringend, elke snelle montage een manier om ons in Cage’s hectische gemoedstoestand te plaatsen. Het script van Ted en Nicholas Griffin bevat een lang oplichterscomplot dat David Mamet waardig is, en Scott heeft een slimme casting gevonden door de neurotische Cage te koppelen aan een net zo afwijkende, maar meer openlijk brutale Sam Rockwell. De echte openbaring is echter Alison Lohman als Cage’s vervreemde dochter, wier mix van duizelingwekkende naïviteit en vroegrijpheid een welkom tegenwicht vormt voor al het mannelijke geharrewar. Haar relatie met Cage maakt van wat een koude exercitie had kunnen worden een van Scott’s warmste films.

“Black Hawk Down” (2001)

“Black Hawk Down” is Scott’s minst karakter-gedreven film, maar dat is logisch in een film die minder over individuen gaat en meer over een collectieve kracht van mannen die samenwerken in een onmogelijke situatie. Scott neemt het centrale conflict van de film en maakt er een van de meest visceraal straffende oorlogsfilms uit de recente geschiedenis van, die het meeste jingoïsme in de kern van het verhaal tegengaat. Scott maakt het meest gebruik van shakycam in zijn carrière, maar het is nooit te opdringerig, en het plaatst ons in de schoenen van de verwarde, bange mannen in het midden van de strijd. Bovenal is het een nachtmerrie-achtige procedure die zich concentreert op gruis, vuil en ingewanden wanneer er iets fout gaat.

“The Counselor” (2013)

Ridley Scott en Cormac McCarthy’s “The Counselor” werd zowel door het publiek als door een aantal critici slecht ontvangen, waarbij Salon’s Andrew O’Hehir het zelfs “de slechtste film ooit gemaakt” noemde. Maar de film heeft snel een fervente cult aanhang ontwikkeld (die alleen maar groeit sinds de release van de extended cut) voor iedereen die op de meedogenloze golflengte van de film zit. “The Counselor’ is een van de meest pervers opwindende films van de afgelopen jaren omdat het zo vastbesloten is om tegen de conventies in te gaan en het publiek te vervreemden door McCarthy’s grimmige, deterministische portret van overmoed tot het logische eindpunt te brengen. Scott’s levenslange obsessie met sterfelijkheid sluit perfect aan bij McCarthy’s fatalisme, en hij contrasteert de gladheid en steriliteit van interieurs met de ruwheid van de woestijn als een manier om te suggereren dat er iets gewelddadigs en oerouds op komst is om de weelderige, geïsoleerde levensstijl van zijn personages af te breken. Het scenario wijdt zich meer aan lange, bloemrijk geschreven gesprekken over dood, moord, seks en de betekenis van dit alles dan aan “pay-offs” (hoewel de actiescènes die er zijn geweldig zijn, zij het bruut), maar dat is grotendeels in dienst van een film gevuld met mensen die denken dat ze te slim zijn om te worden neergehaald, om er vervolgens achter te komen dat de dingen buiten hun controle liggen en dat ze niet klaar zijn voor wat er komen gaat.

“The Duellists” (1977)

Scott’s debuut laat niet alleen zien wat voor een regisseur Scott was, maar ook wat de twee hoofdthema’s van zijn filmografie zijn: obsessie en sterfelijkheid. Het eerste thema wordt vertegenwoordigd door Harvey Keitels Feraud, een man met een ouderwetse opvatting over eer die een levenslange obsessie ontwikkelt voor David Carradines d’Hubert, die hem in een duel verslaat. Dat laatste is d’Huberts grootste angst, die Scott prachtig illustreert in een duel dat wordt onderbroken door staccato intercuts van zijn leven dat voor zijn ogen voorbij flitst. Scott’s schilderachtige stijl is ontleend aan Kubrick’s “Barry Lyndon”, maar de film heeft zijn eigen ritme, een constante mars naar leven-of-dood conflict, zelfs in de korte momenten van respijt. Scott slaagt er ook in om elk duel anders te ensceneren, van een vroeg zwaardgevecht in een breed shot dat Keitels lichamelijkheid benadrukt tot een laatste pistoolgevecht dat mist gebruikt als een lijkwade van onheil. En hoewel “The Duellists” niet kan tippen aan het meesterwerk waar het zich duidelijk naar heeft laten inspireren, moet zelfs Kubrick zijn hoed afnemen voor het laatste shot van de film, een van de grootste lens flares ooit op film gevangen.

“Thelma & Louise” (1991)

Scotts comebackfilm na bijna een decennium van teleurstellingen is nog steeds gedurfd, een film die zijn twee heldinnen (trouwens, hoeveel Hollywoodfilms doen dat nu?) in een bijna volledig heldhaftig licht plaatst, zelfs als ze de wet overtreden. Callie Khouri’s script schakelt heen en weer tussen luchtige komedie en drama op een dubbeltje (Thelma’s flirt naar haar bijna-verkrachting en daaropvolgende redding door Louise; Thelma die een affaire heeft met een bijna onmogelijk knappe Brad Pitt, om vervolgens hun geld aan hem te verliezen), maar de overgangen zijn soepel en meesterlijk. Scott’s visuele stempel is duidelijk aanwezig, omdat hij de film een alomtegenwoordige waas geeft als de dingen duisterder worden voor zijn heldinnen. En hoewel de mannelijke personages een beetje te breed uitgemeten zijn, ofwel onverbeterlijke lomperiken ofwel heiligen (Pitt terzijde), is het moeilijk om er al te veel om te geven als de actrices twee rijke karakters krijgen, een eeuwige daffy (Geena Davis, die weer in meer films moet spelen), een meer wereldmoe en droevig (Susan Sarandon). De conclusie van de film is bijzonder goed, op de een of andere manier zowel downbeat als triomfantelijk als Thelma & Louise een manier vindt om het systeem te verslaan dat dood tegen hen is.

“Kingdom of Heaven” (2005)

De bioscoopversie van “Kingdom of Heaven” is een rommeltje: de vaart zit er niet in, de personages zijn slecht gedefinieerd, de subplots slaan nergens op, en het commentaar op moderne religieuze conflicten is dun. De director’s cut van de film, teruggebracht tot 191 minuten, is bijna een meesterwerk, met meer vlees in de karakters relaties, een meer samenhangende structuur, een meer doelgerichte tempo en echte thematische gewicht, evenals de “Lawrence of Arabia”-stijl sweep Scott gaat voor. De acteerprestaties variëren van verwaarloosbaar tot rijk, met name Edward Norton’s subtiel expressieve optreden als een melaatse koning, Eva Green’s pragmatische koningin en Ghassan Massoud’s medelevende islamitische leider Saladin. Zelfs de eeuwig onnadrukkelijke Orlando Bloom is effectief genoeg zodra zijn verhaal is hersteld, zijn geloofscrisis geloofwaardiger. Wat in de bioscoop werd afgeslacht tot “‘Gladiator’ Goes Crusading” verandert in een doordacht epos over religieuze conflicten en de noodzaak voor alle partijen om de levens van anderen te waarderen.

“Blade Runner” (1982)

Ongetwijfeld Ridley Scotts rijkste film, “Blade Runner” is van cultklassieker tot bijna universeel erkend meesterwerk geworden. Het is de meest visueel dichte film van de regisseur, met elk frame boordevol detail en vitaliteit, elk stukje clair-obscur dat bijdraagt aan de melancholische stemming van de film. Het is ook Scott’s meest moreel complexe film, met een held (Harrison Ford, perfect uitgeblust) wiens missie totaal niet heldhaftig is, een schurk (Rutger Hauer) die een messianistische figuur is die zijn volk in leven probeert te houden, en een stad die een totale woestenij is vol racistische agenten en etnische conflicten (de replicants zijn tweederangsburgers). Het is een film waarin bijna elk personage zich in een existentiële crisis bevindt, en wat hen allemaal samenbrengt (figuurlijk, zo niet letterlijk), is hun gedeelde verlangen naar leven, angst voor de dood, en de angst dat ze vergeten zullen worden als ze er niet meer zijn. Wat is er menselijker dan dat?

“Alien” (1979)

Ridley Scotts baanbrekende film is naar huidige maatstaven nog steeds revolutionair. Het laatste meisje (Sigourney Weaver) blijft niet in de film omdat ze moet overleven, maar omdat ze de slimste en meest veerkrachtige van de bemanning is. Het contrast tussen een trage, methodische pacing en abrupte stukjes geweld is een voorbeeld van hoe je een perfecte horrorfilm maakt. De ontwerpen van H.R. Giger behoren nog steeds tot de grootste en meest monsters aller tijden. Maar bovenal komt Ridley Scott’s obsessie met sterfelijkheid naar voren, en elke dood heeft daardoor gewicht. Scott bouwt naar elk stukje geweld toe omdat hij weet dat de angst voor de dood vaak groter is dan de dood zelf, en dat het tonen van die angst het gevoel concreter en onvermijdelijker zal maken. De beroemde chestburster-scène is eindeloos geparodieerd en gerefereerd, maar de blik van paniek op de gezichten van de acteurs (echt, want geen van hen wist dat het ging gebeuren) en het geseling van John Hurt’s hulpeloze astronaut houden het angstaanjagend. Zelfs met drie vervolgen, twee fanboy-achtige spin-offs en een ambitieuze maar rommelige prequel erna, staat “Alien” nog steeds als een unieke prestatie.

Odds and Ends: Over een paar weken zullen we weten of Ridley Scott’s nieuwe film “Exodus: Gods and Kings” weer een triomf is voor de regisseur of een teken dat hij te vaak terug is gegaan naar de epische bron. Daarna zal hij terugkeren naar sci-fi met de Matt Damon-rol in “The Martian” en vervolgen produceren op “Blade Runner” en “Prometheus”. Scott heeft ook een paar korte films die de moeite waard zijn om te bekijken: het filmschoolproject “Boy and Bicycle” en zijn Apple-reclame “1984”, een minutenlange showcase van Scotts gaven voor production design en licht. Tenslotte zou je een boek kunnen schrijven over alle films die Scott bijna had gemaakt, die variëren van fascinerend (de Ebola uitbraak thriller “The Hot Zone,” die werd geannuleerd toen hij niet snel genoeg bij elkaar kon komen om “Outbreak” te verslaan) tot twijfelachtig (een remake van de “Red Riding” trilogie) tot volslagen verbijsterend (“Monopoly,” gebaseerd op het bordspel…echt).

LEES MEER: De films van de Coen Brothers, gerangschikt van slechtst naar best