21 Najważniejszych Zasad Kompozycji w Fotografii
Istnieje kilka ważnych zasad kompozycji w fotografii.
Kompozycja w fotografii dotyczy tego, co zawrzeć lub pominąć w swoim kadrze. Chodzi również o to, w jaki sposób zdecydujesz się umieścić elementy w scenie.
Nie myśl o tym jako o „zasadach”, pomyśl o nich jako o wskazówkach, dzięki którym Twoje zdjęcia będą bardziej atrakcyjne wizualnie i interesujące.
1. Use the Rule of Thirds to Add Interest
Komponowanie z użyciem Reguły Trzecich oznacza umieszczenie głównego obiektu w jednej trzeciej drogi do obrazu. Umieszczenie obiektu poza centrum jest o wiele bardziej interesujące niż umieszczenie go w centrum.
Wiele aparatów, w tym smartfony, może nakładać na ekran siatkę Zasady Trzecich. Wygląda to jak gra tic-tac-toe. Dwie linie poziome i dwie pionowe dzielą kadr na tercje.
Podczas fotografowania umieść swój główny obiekt na jednej z linii. Albo poziomo, albo pionowo.
„Punkty zderzenia” to miejsca, w których linie się przecinają. Jeśli możesz, umieść swój główny obiekt tam, gdzie linie się przecinają.
2. Uproszczenie sceny za pomocą Reguły Prawdopodobieństwa
Reguła Prawdopodobieństwa jest sposobem na uproszczenie złożonej sceny z wieloma możliwymi obiektami. Ogólnie rzecz biorąc, nieparzysta liczba obiektów jest dla nas bardziej interesująca niż parzysta.
Trzy to magiczna liczba, ale pięć lub siedem również się sprawdza.
Reguła szans pomaga nam w przemyślanym wyborze obiektów. Reguła ta podpowiada nam, co uwzględnić, a co pominąć.
Reguła szans przypomina nam również, aby wyodrębnić obiekt w ruchliwej scenie. Jeden jest liczbą nieparzystą.
3. Skup się na obiekcie wypełniając kadr
W wypełnianiu kadru chodzi o to, by zbliżyć się do obiektu. Naprawdę blisko.
Uczyń swój główny temat jasnym i wyraźnym. Zadaj sobie pytanie, ile nieba tak naprawdę potrzebujesz? Jak dużo tła?
Możemy wypełnić kadr, używając obiektywu z zoomem i zbliżając się fotograficznie do obiektu. Ale często lepiej jest „powiększać stopami”. Zbliż się fizycznie do obiektu.
W postprocessingu, rozważ kadrowanie ciaśniej na obiekcie, aby wypełnić kadr.
4. Wybierz odpowiednią głębię ostrości
Głębia ostrości decyduje o tym, jak duża część obrazu powinna być w centrum uwagi. Jest to nie tyle zasada, co decyzja kompozycyjna, którą musisz podjąć.
Płytka głębia ostrości oznacza, że tylko niewielka część obrazu jest w centrum uwagi, zazwyczaj obiekt. Tło jest rozmyte.
Głęboka głębia ostrości oznacza, że obraz jest w centrum uwagi od przodu do tyłu.
Użyj płytkiej głębi ostrości, aby rozmyć rozpraszające tło. Fotografowie sportowi rozmywają tło, aby sportowcy wyróżniali się na tle zatłoczonego tłumu. Aby uzyskać płytką głębię ostrości, użyj szerokiego otworu przysłony, takiego jak f2,8.
Generalnie, używaj głębokiej głębi ostrości do fotografowania krajobrazów. Aby uzyskać ostrość całej sceny, należy użyć wąskiego otworu przysłony, takiego jak f16.
5. Użyj najlepszej orientacji dla sceny
Orientacja i proporcje określają, jak dużą część sceny uchwycisz na zdjęciu.
Orientacja odnosi się do tego, czy trzymasz aparat poziomo czy pionowo. Współczynnik proporcji to rozmiar obrazu zrobionego przez aparat.
Jeśli na obrazie jest dużo pionowych elementów lub wysokość, użyj orientacji pionowej. Trzymaj aparat pionowo.
Jeśli jest dużo elementów poziomych lub szerokość obrazu, użyj orientacji poziomej. Trzymaj aparat poziomo.
Nie zapomnij, że masz opcję panoramy. Zazwyczaj myślimy o panoramach jako długich, poziomych obrazach, ale mogą one być również pionowe.
Często robię ujęcie w obie strony i widzę, co mi się podoba później. Często próbuję różnych współczynników proporcji i upraw w post-processingu.
6. Wyprostuj linie, które powinny być proste.
Nie wszystkie linie na obrazie muszą być proste, ale są pewne linie, które powinny być proste. Na przykład, linia horyzontu w krajobrazie. Pochylenie horyzontu w obrazie jest natychmiast zauważalne i rozpraszające.
Wiele aparatów i statywów zawiera poziomicę. Użyj tych narzędzi, aby ułatwić orientację aparatu. Łatwo jest również skorygować przechyloną linię w postprocessingu.
Proste linie są również ważne w architekturze. Użycie obiektywu szerokokątnego często zniekształca linie. Pozostaw miejsce po obu stronach budynku, abyś mógł wyprostować linie w postprocessingu.
Na zdjęciu z wieloma różnymi liniami wybierz jedną, na której skupisz się najbardziej. Wyprostuj tę linię, nawet jeśli inne są nieco odchylone.
7. Stwórz głębię za pomocą linii wiodących
Nasz wzrok naturalnie podąża za liniami w obrazie. Linie wiodące kierują nasz wzrok na główny temat. Dobrze użyte, linie wiodące tworzą poczucie głębi.
Linie mogą być rzeczywistymi liniami lub implikowanymi przez elementy sceny.
Czasami linie są proste i prowadzą bezpośrednio do tematu. Innym razem, podróż jest okrężna. Krzywe S są ulubione przez fotografów.
Linie wiodące prowadzą gdzieś. Jeśli linia nie prowadzi nigdzie lub wyprowadza oko poza kadr, zmień pozycję. Przesuń się w lewo lub w prawo, w górę lub w dół.
8. Use Diagonal Lines to Add Energy
Linie ukośne dodają zainteresowania i energii kompozycji fotograficznej. Spróbuj sfotografować linie na silnej przekątnej, zamiast prosto w poprzek kadru.
Upewnij się, że przekątna jest oczywista. Niewielkie nachylenie linii wygląda jak błąd.
Pomyśl o tym, gdzie linie przecinają się ze sobą. Zbiegające się linie przyciągają wzrok. Zastanów się również, gdzie linie wchodzą lub wychodzą z kadru. Fotografowie czasami starają się, aby linia wchodziła lub wychodziła z kadru w rogu.
9. Przyciągaj uwagę światłem
Nasz wzrok naturalnie kieruje się w stronę najjaśniejszej części obrazu. Wiedza o tym wpływa na sposób komponowania obrazu. Główny obiekt powinien być najjaśniejszą częścią obrazu.
Fotografowie portretowi używają lampy błyskowej lub reflektorów, aby podkreślić twarze swoich modeli.
W postprocessingu, techniki takie jak dodawanie i wypalanie kierują wzrok. Unikanie to selektywne rozjaśnianie pewnych części obrazu. Wypalanie to selektywne przyciemnianie pewnych części obrazu.
10. Użyj przestrzeni negatywnej wokół obiektów
Przestrzeń negatywna to wykorzystanie przestrzeni pomiędzy obiektami lub wokół nich jako ważnego elementu obrazu. Negatywna przestrzeń staje się własnym tematem z własnym kształtem.
Negatywna przestrzeń może pokazywać skalę lub sugerować emocje, takie jak „pustka.”
Czasami trudno jest dostrzec negatywną przestrzeń, ponieważ jesteśmy tak przyzwyczajeni do skupiania się na przedmiocie. Spróbuj odwrócić swoje zdjęcia do góry nogami w post-processingu. Pomoże Ci to dostrzec przestrzeń bez skupiania się na szczegółach głównego tematu.
11. Zrównoważ obiekty dla symetrii i wizualnej równowagi
Wizualna równowaga jest relacją pomiędzy dwoma lub więcej elementami w twojej kompozycji. Elementy wyglądają na zrównoważone. Jeden nie jest wizualnie cięższy od drugiego.
Kompozycja symetrycznie tworzy wizualną równowagę. Lewa połowa obrazu pasuje do prawej, lub górna połowa pasuje do dolnej. Odbicia w fotografii działają tak dobrze, ponieważ pokazują symetrię.
Nawet niesymetryczne obrazy potrzebują wizualnej równowagi. Zrównoważ duży, wizualnie ciężki obiekt po jednej stronie kadru z wieloma mniejszymi obiektami po drugiej. Balansuj element pierwszego planu z elementem tła.
12. Zmień perspektywę
Perspektywa to miejsce, w którym znajdujesz się w stosunku do obiektu. Zmiana perspektywy oznacza zejście niżej lub wzniesienie się wyżej.
Każdy widzi świat z tej samej perspektywy – na poziomie oczu. Możesz sprawić, że zdjęcia będą bardziej interesujące, używając innej perspektywy.
Fotografowanie z niskiego kąta sprawia, że obiekt wygląda na potężniejszy.
Zabawna jest również zmiana perspektywy i pójście wysoko. To jeden z powodów, dla których fotografia z drona jest tak interesująca. Rzadko mamy taki widok z lotu ptaka na nasz świat.
Używanie niskiej perspektywy jest ważne podczas fotografowania obiektów blisko ziemi. Jest to również ważne podczas fotografowania dzieci. Zejdź do poziomu ich oczu.
13. Podkreśl swój główny obiekt za pomocą Złotej Reguły
Złota Reguła polega na umieszczeniu głównego obiektu w ważnym miejscu kadru. Zasada ta jest podobna do Zasady Trzeciorzędności. Jednak Złota Reguła sugeruje inny układ elementów kompozycyjnych.
Złota Reguła opiera się na Złotej Proporcji. Złota proporcja jest naturalnie występującym zjawiskiem matematycznym. Świat przyrody preferuje stosunek 1 do 1,618. Z matematycznego punktu widzenia może to nic nie znaczyć, ale wizualnie widać to wszędzie. Najczęstszą wizualną reprezentacją Złotego Stosunku są spirale muszli.
W fotografii, Złota Reguła jest reprezentowana jako siatka lub spirala.
Niektóre aparaty pozwalają zobaczyć nakładkę Złotego Stosunku lub Złotej Reguły na wizjerze. Lightroom również posiada nakładki, które pomagają w kadrowaniu zdjęć z wykorzystaniem Złotej Reguły.
14. Uchwyć ruch od lewej do prawej
Obrazy czytamy tak jak tekst, od lewej do prawej. Ruch na zdjęciu powinien również poruszać się od lewej do prawej w kadrze. Ta zasada kompozycji jest szczególnie ważna dla fotografów dzikiej przyrody i sportu/akcji.
Nie zawsze łatwo jest uchwycić ruch od lewej do prawej strony w prawdziwym świecie. Przerzuć swój obraz poziomo w post-processingu, aby stworzyć ruch z lewej do prawej. To często działa, o ile na obrazie nie ma tekstu.
Zapewnij sobie miejsce w kadrze, aby obiekt mógł się w nim poruszać. Oznacza to pozostawienie przestrzeni na prawo od obiektu. W przeciwnym razie wygląda to tak, jakby obiekt wysuwał się poza kadr.
15. Włącz Wzór i Powtarzanie dla Silniejszych Kompozycji
Nasze mózgi lubią wzór i powtórzenia. Nawet narzucamy wzory na przypadkowe elementy. Pomyśl o zabawie, jaką mamy znajdując wzory w chmurach. Włączenie powtórzeń i wzorów sprawia, że nasze kompozycje fotograficzne są mocniejsze i bardziej interesujące.
Powtórzenia i wzory często występują w kształtach i kolorach.
Może będziesz musiał zmienić perspektywę, aby wzory nabrały wyrazu. Zauważ, jak zmiana perspektywy zmienia odstępy lub ukrywa wzór.
Dodanie kontrastu do powtarzalności sprawia, że Twoje zdjęcia stają się jeszcze bardziej dynamiczne. Kontrastujący element może mieć inny kolor, kształt lub wysokość. Rozbicie wzoru podkreśla jego charakter.
16. Znajdź relacje między elementami
Poszukaj interesujących relacji między elementami na swoim zdjęciu.
Na przykład, szukaj napięcia. Dwa elementy, które wydają się przyciągać do siebie, tworzą wizualne napięcie. Kolory zderzają się ze sobą lub istnieje rozbieżność rozmiarów.
Fotografowie uliczni często zestawiają ze sobą elementy. Coś w środowisku koliduje z ludźmi na ulicy. Może to tworzyć humor lub sugerować głębszą ideę.
Teoria kolorów dotyczy tego, jak kolory w obrazie odnoszą się do siebie. Teoria kolorów jest często przedstawiana jako koło kolorów. Kolory znajdujące się naprzeciwko siebie na kole są komplementarne.
17. Uprość obraz, aby uchwycić jego istotę
Uproszczenie oznacza zawarcie w obrazie tylko tego, co jest potrzebne. Usuń wszystko, czego nie potrzebujesz.
Uproszczenie obrazu nie oznacza tworzenia minimalistycznych obrazów. Prostota to destylacja idei fotografii do jej najczystszej formy.
Zdecyduj, o czym jest Twoje zdjęcie. Następnie usuń wszystko, co nie jest związane z tą ideą.
18. Narysuj oczy za pomocą kadrowania
W przypadku kadrowania, jeden element Twojego zdjęcia znajduje się wewnątrz innego elementu. To tworzy ramkę w ramce. Na przykład, możesz zrobić zdjęcie przez okno lub przez otwór w drzewie.
Kadrowanie dodaje głębi i przyciąga nasz wzrok do obrazu i do głównego tematu.
19. Użyj warstwowania dla głębi i wymiaru
Warstwowanie to szukanie elementów, które układają się od przodu do tyłu obrazu. Warstwowość dodaje głębi i wymiaru.
Warstwowość obejmuje dodanie elementu pierwszego planu do krajobrazu. Zamiast sceny znajdującej się na tej samej płaskiej płaszczyźnie, element pierwszego planu wprowadza widza w scenę. Skały lub kwiaty są naturalnymi elementami pierwszego planu.
Warstwy powinny być wizualnie odrębne pod względem koloru lub światła. Pomaga to uniknąć fuzji i pozwala oku łatwo odróżnić warstwy.
20. Unikaj fuzji
Fuzje mają miejsce, gdy elementy obrazu nakładają się na siebie w sposób, który utrudnia naszym oczom ich rozdzielenie. Nasze oczy 3D wyodrębniają rzeczy oddzielone od siebie odległością. Jednak na fotografii 2D obiekty zlewają się ze sobą, zwłaszcza jeśli mają podobne kolory lub cienie.
Uważaj na elementy rozpraszające w tle. Łatwo jest przeoczyć gałąź drzewa, która wydaje się wychodzić z czyjejś głowy. Albo ludzie wyglądają jakby mieli dodatkowe kończyny.
Aby stworzyć przejrzystą kompozycję, upewnij się, że główny obiekt ma przestrzeń wokół siebie. Jeśli obiekty lub ludzie nachodzą na siebie, przesuń się w lewo lub w prawo. Zmiana kąta nawet nieznacznie może często pozbyć się zlewających się obiektów.
21. Sprawdź krawędzie pod kątem rozproszenia uwagi
Na koniec, przed pstryknięciem zdjęcia, przeskanuj krawędzie kadru. Często jesteśmy tak skupieni na naszym głównym temacie, że zapominamy spojrzeć na cały kadr.
Szukaj uwięzionej przestrzeni. Uwięziona przestrzeń ma miejsce, gdy obiekt i krawędź kadru przecinają się, tworząc dziwny kształt światła.
Sprawdź również, jak obiekty lub ludzie są odcięci przez krawędź kadru.
Niektórzy fotografowie kierują się zasadą: „Uwzględnij wszystko albo nie uwzględniaj niczego”. Oznacza to, że zamiast odcinać obiekt lub osobę przy krawędzi kadru, lepiej jest wyciąć ją całkowicie.
Inni fotografowie są w porządku z odcinaniem obiektu lub osoby, o ile kadr wygląda naturalnie.
Fotograficy portretowi starają się nie odcinać ludzi na łączeniach.
Wniosek
Wybory kompozycyjne stanowią różnicę między zdjęciem a świetną fotografią. Podążanie za tymi zasadami kompozycji fotografii jest świetnym sposobem na zrobienie bardziej wpływowych obrazów.
Ale nie ma jednego właściwego sposobu widzenia świata. Kiedy już opanujesz zasady kompozycji fotograficznej, nadszedł czas, aby je nagiąć lub złamać.
Użyj tych zasad kompozycji fotograficznej jako przewodników, które pomogą Ci zdecydować, co zawrzeć w obrazie i jak rozmieścić elementy.
Czasami właściwym rozwiązaniem jest złamanie zasad kompozycji!
.