Enchanted (film)
DevelopmentEdit
Wstępny scenariusz Enchanted, napisany przez Billa Kelly’ego, został kupiony przez Disney’s Touchstone Pictures i Sonnenfeld/Josephson Productions za podobno 450 000 dolarów we wrześniu 1997 roku. Scenariusz był pisany przez trzy lata, ale uznano, że nie nadaje się do Walt Disney Pictures, ponieważ był to „rasowy R-rated film”, zainspirowany przez dorosłych-risque filmów komediowych w latach 80-tych i 90-tych, takich jak Fast Times at Ridgemont High i American Pie. Pierwszy szkic scenariusza miał Giselle jest mylony z striptizerką, kiedy przybywa do Nowego Jorku. Ku frustracji Kelly, scenariusz był kilkakrotnie przerabiany, najpierw przez Ritę Hsiao, a następnie przez Todda Alcotta. Początkowo film miał się ukazać w 2002 roku z Robem Marshallem jako reżyserem, ale ten wycofał się z powodu „różnic twórczych” między nim a producentami. W 2001 roku reżyser Jon Turteltaub miał wyreżyserować film, ale wkrótce potem odszedł, pracując później z Disneyem i Jerrym Bruckheimerem nad serią National Treasure. W 2003 roku reżyserem filmu został Adam Shankman, a Bob Schooley i Mark McCorkle zostali zatrudnieni przez Disneya do ponownego napisania scenariusza. W tamtym czasie Disney rozważał zaproponowanie roli Giselle Kate Hudson lub Reese Witherspoon. Jednak projekt nie wystartował.
25 maja 2005 roku, Variety poinformowało, że Kevin Lima został zatrudniony jako reżyser, a Bill Kelly powrócił do projektu, aby napisać nową wersję scenariusza. Lima pracował z Kelly’m nad scenariuszem, aby połączyć główną fabułę Zaczarowanej z ideą „miłosnego hołdu” dla dziedzictwa Disneya. Stworzył wizualne storyboardy, które wypełniły całe piętro budynku produkcyjnego, przedstawiając historię Zaczarowanej od początku do końca. Po tym jak Lima pokazał je Dickowi Cookowi, prezesowi Walt Disney Studios, otrzymał zielone światło na realizację projektu i budżet w wysokości 85 milionów dolarów. Lima rozpoczął projektowanie świata Andalazji i tworzenie storyboardów do filmu, zanim wybrano obsadę, która miała zagrać poszczególne postacie. Po zatrudnieniu aktorów, Lima zajął się ostateczną oprawą graficzną filmu, dzięki czemu animowane postacie wyglądały jak ich prawdziwe odpowiedniki.
FilmowanieEdit
Zaczarowana to pierwsza pełnometrażowa hybryda Disneya live-action/tradycyjna animacja od czasu Disneya Who Framed Roger Rabbit w 1988, chociaż tradycyjnie animowane postacie nie wchodzą w interakcję w środowisku live-action w ten sam sposób jak w Króliku Rogerze; Jednak istnieją pewne sceny, w których postacie live-action dzielić ekran z dwuwymiarowych postaci animowanych, na przykład, live-action Nathaniel komunikacji z cel-drawn Narissa, który jest w garnku do gotowania. Film wykorzystuje dwa współczynniki proporcji; zaczyna się w 2,35:1, gdy logo Walt Disney Pictures i Enchanted storybook są wyświetlane, a następnie przełącza się na mniejszy 1,85:1 współczynnik proporcji dla pierwszej animowanej sekwencji. Film przełącza się z powrotem do 2.35:1, gdy staje się live-action i nigdy nie przełącza się z powrotem, nawet dla reszty animowanych sekwencji. Kiedy ten film został wyemitowany w sieciach telewizyjnych, początek filmu (minus logo i napisy początkowe) został pokazany w pillarboxed 4:3 aspect ratio; reszta filmu została pokazana w 16:9 aspect ratio, kiedy staje się live-action. Lima nadzorował reżyserię zarówno sekwencji live-action, jak i animacji, które były produkowane w tym samym czasie. Realizacja „Zaczarowanej” zajęła prawie dwa lata. Animacja zajęła około roku, podczas gdy sceny live-action, które zaczęły być kręcone w Nowym Jorku latem 2006 roku i zostały ukończone w trakcie procesu animacji, zostały nakręcone w 72 dni.
AnimationEdit
Z 107 minut filmu, dziesięć z około 13 minut animacji znajduje się na początku filmu. Lima starał się „upchnąć każdy kawałek ikonicznej wyobraźni Disneya”, że mógł w pierwszych dziesięciu minutach, które zostały wykonane w tradycyjnej animacji celuloidowej (w przeciwieństwie do komputerowo generowanej animacji 3-D) jako hołd dla przeszłych filmów bajkowych Disneya, takich jak Śpiąca Królewna, Kopciuszek i Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków. Był to pierwszy film Disneya wydany kinowo w Ameryce, w którym zastosowano tradycyjną animację na celuloidzie od czasu Puchatkowego filmu o Heffalump Movie (2005). Film ten, choć pod względem fabuły zupełnie inny od wszystkich poprzednich filmów Disneya, zawierał również oczywiste hołdy dla innych filmów Disneya z odległej przeszłości, takich jak Stary Yeller, Kudłaty pies, Szwajcarska rodzina Robinson, Bon Voyage i Savage Sam. Jako że większość artystów tradycyjnej animacji Disneya została zwolniona po boomie na grafikę komputerową w późnych latach 90-tych, 13 minut animacji nie zostało zrobione we własnym zakresie, ale przez niezależną firmę James Baxter Animation z Pasadeny, założoną przez byłego animatora Disneya, Baxtera.
Ale Lima chciał, aby animacja była nostalgiczna, chciał też, aby Zaczarowana miała swój własny styl. Zespół Baxtera postanowił wykorzystać secesję jako punkt wyjścia. Dla Giselle, ręcznie rysowana animowana postać musiała być „skrzyżowaniem Amy Adams z klasyczną księżniczką Disneya. A nie karykaturą.” Widząc Giselle jako „leśną dziewczynę, niewinną nimfę z kwiatami we włosach” i „trochę hipiskę”, animatorzy chcieli, aby była „płynąca, z włosami i ubraniami. Delikatna.” W przypadku księcia Edwarda, zespół Baxtera „pracował nad nim najciężej, aby wyglądał jak aktor”, ponieważ książęta „w tego typu filmach są zazwyczaj tacy nijacy”. Wiele prototypów powstało dla Narissy, ponieważ zespół Baxtera chciał, aby jej twarz „wyglądała jak Susan Sarandon”. A kostiumy musiały być ściśle dopasowane do projektów live-action.”
Aby zachować ciągłość pomiędzy dwoma mediami, Lima zatrudnił projektantkę kostiumów Monę May we wczesnych fazach produkcji filmu, aby kostiumy były dopasowane zarówno w świecie animacji, jak i live-action. Nakręcił także kilka ujęć Amy Adams jako Giselle, które posłużyły animatorom za punkt odniesienia, co pozwoliło na dopasowanie ruchów postaci w obu światach. Sceny testowe zrealizowane przez animatorów zostały pokazane aktorom, dzięki czemu mogli oni zobaczyć, jak będą poruszać się ich animowane jaźnie.
Live-actionEdit
Fotografie główne rozpoczęły się w kwietniu 2006 roku i zakończyły w lipcu 2006 roku. Ze względu na sekwencyjną oprawę, sceny akcji na żywo były kręcone w Nowym Jorku. Jednakże kręcenie w Nowym Jorku stało się problematyczne, ponieważ był to „ciągły stan nowych sklepów, rusztowań i renowacji”.
Pierwsza scena w Nowym Jorku, która przedstawia Giselle wyłaniającą się z włazu na środku Times Square, została nakręcona na miejscu w centrum placu. Ze względu na trudności z kontrolowaniem tłumu podczas filmowania na Times Square, w scenie pojawili się piesi z wynajętymi statystami umieszczonymi na pierwszym planie. Podobnie tłum zebrał się, by obserwować, jak James Marsden i Timothy Spall kręcą swoje sceny na Times Square. Jednak największym wyzwaniem dla Limy okazała się scena musicalu „That’s How You Know” w Central Parku. Pięciominutowa scena trwała 17 dni ze względu na zmienną pogodę, która pozwoliła na nakręcenie tylko siedmiu słonecznych dni. Filmowanie utrudniali również momentami fani Patricka Dempseya. Choreografia sceny została przygotowana przez Johna O’Connella, który wcześniej pracował przy Moulin Rouge! i obejmowała 300 statystów i 150 tancerzy.
Wiele scen zostało nakręconych w Steiner Studios, które dostarczyło trzy duże sceny, które były potrzebne Zaklętym w tym samym obiekcie. Inne plenerowe lokalizacje obejmowały Most Brookliński i The Paterno, apartamentowiec z zakrzywioną, mocno zdobioną fasadą w kolorze kości słoniowej, znajdujący się na rogu Riverside Drive i 116th Street, który jest miejscem zamieszkania bohaterów filmu, Roberta i Morgana.
Projekt kostiumówEdit
Wszystkie kostiumy w filmie zostały zaprojektowane przez Monę May, która wcześniej pracowała przy Clueless, The Wedding Singer i The Haunted Mansion. Aby stworzyć kostiumy, May spędziła rok w pre-produkcji pracując z animatorami i swoim 20-osobowym działem kostiumów, podczas gdy ona zakontraktowała pięć zewnętrznych sklepów z kostiumami w Los Angeles i Nowym Jorku. Zaangażowała się w projekt w czasie, gdy animatorzy projektowali twarze i ciała postaci, gdyż musieli „przełożyć kostiumy z dwuwymiarowych rysunków na żywe proporcje człowieka”. Jej celem było zachowanie „disneyowskiego charakteru projektów, ale dodanie do nich odrobiny mody i humoru oraz uczynienie z nich czegoś nowego”. Jednak May przyznała, że było to trudne, „ponieważ mają do czynienia z ikonicznymi postaciami Disneya, które były w psychice widzów przez tak długi czas”.
Dla postaci Giselle, jej podróż do stania się prawdziwą kobietą jest odzwierciedlona w jej sukniach, które stają się mniej bajkowe jak film postępuje. Jej suknia ślubna na początku filmu bezpośrednio kontrastuje jej nowoczesną suknię na końcu filmu. Suknia ślubna miała stanowić „ogromny kontrast dla płaskich rysunków” i podkreślać wizerunek księżniczki Disneya. Aby talia wyglądała na małą, rękawy zostały zaprojektowane tak, by były „niezwykle puchate”, a spódnica tak duża, jak to tylko możliwe, do czego wykorzystano metalową obręcz, która utrzymuje 20 warstw halek i falban. W sumie na potrzeby filmu powstało jedenaście wersji sukni, każda z nich została wykonana z 200 jardów (183 m) jedwabnej satyny i innych tkanin, i ważyła około 40 funtów (18 kg). Amy Adams opisywała noszenie sukni jako „wyczerpujące”, ponieważ „cały ciężar spoczywał na jej biodrach, więc czasami czuła się, jakby była w trakcji”.
W przeciwieństwie do Giselle, książę Edward nie przystosowuje się do prawdziwego świata, a James Marsden, który gra Edwarda, miał tylko jeden kostium zaprojektowany dla niego. Celem May była próba „nie zgubienia Marsdena w szaleństwie stroju… gdzie wciąż wygląda przystojnie”. Kostium zawierał również wyściółkę na klatce piersiowej, pośladkach i w kroku, co nadało Marsdenowi „takie same przesadzone proporcje jak postaci animowanej” i „postawę – jego plecy są proste, rękawy są w górze i nigdy się nie zapadają”.
May była zachwycona, że Lima „poszła w kierunku czegoś bardziej modnego” z królową Narissą graną przez Susan Sarandon. Postanowiła, że Narissa będzie wyglądała jak „dama z wybiegu”, ubrana w coś, co jest „wciąż disneyowskie”, ale także „high fashion, jak coś, co mógłby zaprojektować John Galliano lub Thierry Mugler”. Ponieważ Narissa występuje w trzech mediach: animacji rysowanej ręcznie, live-action i animacji komputerowej, May musiała się upewnić, że kostium będzie taki sam w całym projekcie pod względem „koloru, kształtu i faktury”. Kostium Narissy składał się ze skórzanego gorsetu i spódnicy, która wyglądała „reptiliańsko”, a także z peleryny. Współpracując z animatorami, May włączyła części smoczej formy do kostiumu; peleryna została zaprojektowana tak, aby wyglądała jak skrzydła, warstwy spódnicy owijały się jak ogon i korona, która zmieni się w rogi podczas transformacji Narissy w smoka.
MusicEdit
Scena filmu została napisana przez znakomitego autora tekstów i kompozytora Alana Menkena, który pracował wcześniej nad wieloma filmami Disneya. Kolega kompozytor Stephen Schwartz napisał teksty do sześciu piosenek, również skomponowanych przez Menkena. Menken i Schwartz pracowali wcześniej razem nad piosenkami do filmów Pocahontas i Garbus z Notre Dame.
Menken zaangażował się w prace nad filmem we wczesnej fazie jego powstawania i zaprosił Schwartza do wznowienia współpracy. Proces pisania piosenek rozpoczęli od poszukiwania odpowiednich momentów w fabule, w których piosenka mogłaby się znaleźć. Schwartz stwierdził, że łatwiej było uzasadnić sytuacje, w których bohaterowie mogliby śpiewać w Zaczarowanej niż w innych musicalach live-action, ponieważ koncepcja filmu „pozwalała bohaterom śpiewać w sposób, który był całkowicie integralny z fabułą opowieści”. Trzy piosenki, które śpiewa Giselle zawierają odniesienia do wcześniejszych filmów Disneya. Pierwsza piosenka grana w filmie, „True Love’s Kiss”, została napisana tak, aby być „odesłaniem i hołdem dla stylu tych animowanych filmów Disneya”, a mianowicie „I’m Wishing” (Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków) oraz „A Dream is a Wish Your Heart Makes” (Kopciuszek), podczas których bohaterki Disneya śpiewają o radości bycia kochanym. Dla Menkena i Schwartza stanowiło to wyzwanie, ponieważ „wiele uprzedzeń związanych z tym numerem”; musiał on odzwierciedlać epokę Królewny Śnieżki i siedmiu krasnoludków oraz Kopciuszka. Odpowiednio, Amy Adams wykonała pierwszą piosenkę w stylu operetkowym w przeciwieństwie do stylu broadwayowskiego późniejszych piosenek.
Oba „Happy Working Song” i „That’s How You Know” również składają hołd przeszłym piosenkom Disneya. „Happy Working Song” składa liryczny hołd takim piosenkom, jak „Whistle While You Work” (Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków), „The Work Song” (Kopciuszek), „A Spoonful of Sugar” (Mary Poppins) i „Making Christmas” (The Nightmare Before Christmas), a także muzyczny hołd braciom Sherman (z autoparodystyczną „Alan Menken style” środkową ósemką). „That’s How You Know” to autoparodia kompozycji Menkena do jego filmów Disneya, a konkretnie takich wielkich numerów jak „Under the Sea” (Mała Syrenka) czy „Be Our Guest” (Piękna i Bestia). Aby to osiągnąć, Schwartz przyznał, że musiał „posunąć się nieco dalej w kwestii doboru słów czy niektórych tekstów”, zachowując przy tym „klasyczną wrażliwość Walta Disneya”. Menken zaznaczył jednak, że piosenki, które pisał dla Disneya, zawsze były „trochę z przymrużeniem oka”. W miarę postępów filmu, muzyka wykorzystuje bardziej współczesne style, co słychać w dorosłej balladzie „So Close” i country/popowym numerze „Ever Ever After” (śpiewanym przez Carrie Underwood jako voice-over).
Z sześciu ukończonych piosenek napisanych i skomponowanych przez Menkena i Schwartza, pięć pozostało w gotowym filmie. Piosenka tytułowa, „Zaczarowana”, duet z udziałem Idiny Menzel i Jamesa Marsdena, była jedyną piosenką autorstwa Menkena i Schwartza, która została usunięta z filmu.
EfektyEdit
Większość ujęć efektów wizualnych w Zaczarowanej została wykonana przez Tippett Studio w Berkeley w Kalifornii, które stworzyło w sumie 320 ujęć. Ujęcia te obejmowały wirtualną scenografię, efekty środowiskowe i postacie CG, które występowały obok prawdziwych aktorów, a mianowicie animowane zwierzęta podczas sekwencji „Happy Working Song”, Pip i smok Narissa podczas żywej akcji filmu. CIS Hollywood było odpowiedzialne za 36 ujęć efektów wizualnych, które dotyczyły głównie usuwania drutu i kompozytów. Reel FX Creative Studios wykonało cztery ujęcia z efektami wizualnymi, w tym przejścia między stronami książki, a Weta Digital dwa.
Spośród wszystkich zwierząt, które pojawiają się w sekwencji „Happy Working Song”, jedynymi prawdziwymi zwierzętami sfilmowanymi na planie były szczury i gołębie. Prawdziwe zwierzęta uchwycone na filmie pomogły Tippett Studio w stworzeniu CG szczurów i gołębi, które dały dynamiczne występy, takie jak gołębie, które nosiły miotły w dziobach i szczury, które szorowały szczoteczkami do zębów. Z drugiej strony, wszystkie karaluchy były postaciami CG.
Pip, wiewiórka, która potrafi mówić w dwuwymiarowym świecie Andalazji, w świecie rzeczywistym traci zdolność porozumiewania się za pomocą mowy, więc musi polegać w dużej mierze na gestach twarzy i ciała. W związku z tym animatorzy musieli nie tylko pokazać emocje Pipa, ale także upodobnić go do prawdziwej wiewiórki. Zespół z Tippett rozpoczął proces animacji Pipa od obserwacji żywych wiewiórek, które były filmowane w ruchu pod „każdym możliwym kątem”, a następnie stworzył fotorealistyczną wiewiórkę przy użyciu programów do grafiki komputerowej 3D, Maya i Furrocious. Kiedy nadzorujący efekty wizualne Thomas Schelesny pokazał pierwszą animację Pipa reżyserowi Kevinowi Limie, ten był zaskoczony, że patrzy na postać CG, a nie na materiał referencyjny. Aby wzmocnić mimikę twarzy, modelarze nadali Pipowi brwi, których prawdziwe wiewiórki nie mają. Podczas kręcenia scen, w których pojawia się Pip, zastosowano wiele sposobów, by zaznaczyć jego fizyczną obecność. W niektórych przypadkach w scenie umieszczano małą, wypchaną wiewiórkę z drucianą armaturą wewnątrz. W innych sytuacjach używano pręta z małym markerem na końcu lub wskaźnika laserowego, aby pokazać aktorom i operatorowi, gdzie jest Pip.
W przeciwieństwie do Pipa, smok Narissa mógł być bardziej fantastyczną postacią, ale nadal wyglądał jak żywa postać i klasyczny czarny charakter Disneya. Projekt smoka CG był luźno oparty na tradycyjnym chińskim smoku i wiedźmie Susan Sarandon live-action. Podczas kręcenia sceny, w której Narissa zmienia się z kobiety w smoka, zamiast wskaźnika laserowego użyto długiej tyczki do kierowania wzrokiem statystów. Elementy scenografii poruszały się w przód i w tył, a ponadto zastosowano komputerowo sterowane oświetlenie i powtarzalną głowicę kamery, które zostały zsynchronizowane. W końcowej sekwencji filmu, w której Narissa wspina się na budynek Woolwortha, trzymając Roberta w szponach, zbudowano greenscreen, na którym umieszczono Patricka Dempseya, by sfilmować jego twarz i ruchy. W tym celu zastosowano metodę „lalkarską”, w której robotyczne ramię było kontrolowane przez trzech różnych artystów zajmujących się efektami podłogowymi.