Enchanted (filme)
DevelopmentEdit
O guião inicial de Enchanted, escrito por Bill Kelly, foi comprado pela Disney’s Touchstone Pictures e Sonnenfeld/Josephson Productions por uma soma relatada de $450.000 em Setembro de 1997. O guião foi escrito durante três anos, mas pensava-se que não era adequado para a Walt Disney Pictures porque era “um filme de racier R-rated”, inspirado nos filmes de comédia de risco adulto dos anos 80 e 90, tais como Fast Times at Ridgemont High e American Pie. O primeiro rascunho do guião tinha Giselle sido confundido com uma stripper quando chegou à cidade de Nova Iorque. Para frustração de Kelly, o guião foi reescrito várias vezes, primeiro por Rita Hsiao e depois por Todd Alcott. O filme foi inicialmente programado para ser lançado em 2002 com Rob Marshall como realizador, mas ele retirou-se devido a “diferenças criativas” entre os produtores e ele. Em 2001, o realizador Jon Turteltaub foi designado para dirigir o filme, mas saiu pouco depois, trabalhando mais tarde com Disney e Jerry Bruckheimer na franquia do Tesouro Nacional. Adam Shankman tornou-se realizador do filme em 2003, enquanto Bob Schooley e Mark McCorkle foram contratados pela Disney para reescrever o guião uma vez mais. Na altura, a Disney considerou oferecer o papel de Giselle a Kate Hudson ou Reese Witherspoon. No entanto, o projecto não descolou.
A 25 de Maio de 2005, Variety informou que Kevin Lima tinha sido contratado como director e Bill Kelly tinha voltado ao projecto para escrever uma nova versão do guião. Lima trabalhou com Kelly no guião para combinar o enredo principal de Enchanted com a ideia de uma “homenagem amorosa” à herança da Disney. Criou impressões visuais de storyboard que cobriam a história de Enchanted do princípio ao fim, que preenchiam um andar inteiro de um edifício de produção. Depois de Lima os ter mostrado a Dick Cook, o presidente dos estúdios Walt Disney, recebeu luz verde para o projecto e um orçamento de 85 milhões de dólares. Lima começou a desenhar o mundo da Andalásia e a fazer o storyboard do filme antes de um elenco ser escolhido para interpretar as personagens. Após a contratação dos actores, participou na concepção final do filme, o que fez com que as personagens animadas parecessem as suas homólogas da vida real.
FilmmingEdit
Enchanted é a primeira longa-metragem híbrida de animação ao vivo/tradicional da Disney desde Disney’s Who Framed Roger Rabbit em 1988, embora as personagens tradicionalmente animadas não interajam no ambiente de acção ao vivo com o mesmo método que no Roger Rabbit; contudo, há algumas cenas em que as personagens de acção ao vivo partilham o ecrã com personagens de animação bidimensional, por exemplo, um Nathaniel de acção ao vivo a comunicar com um Narissa desenhado por cel, que está numa panela de cozinha. O filme utiliza duas proporções; começa em 2,35:1 quando o logótipo da Walt Disney Pictures e o livro de histórias Encantado são mostrados, e depois muda para uma proporção menor de 1,85:1 para a primeira sequência animada. O filme volta a mudar para 2,35:1 quando se torna acção ao vivo e nunca volta a mudar, mesmo para o resto das sequências animadas. Quando este filme foi transmitido em redes televisivas, o início do filme (menos o logótipo e os créditos de abertura) foi mostrado na relação de aspecto 4:3 da caixa de pilares; o resto do filme foi mostrado na relação de aspecto 16:9 quando se torna acção em directo. Lima supervisionou a direcção tanto das sequências de acção ao vivo como de animação, que estavam a ser produzidas ao mesmo tempo. A encenação levou quase dois anos a ser concluída. A animação levou cerca de um ano a terminar enquanto as cenas de acção ao vivo, que começaram a ser filmadas no local em Nova Iorque durante o Verão de 2006 e foram concluídas durante o processo de animação, foram filmadas em 72 dias.
AnimationEdit
Out dos 107 minutos de duração do filme, dez dos aproximadamente 13 minutos de animação estão no início do filme. Lima tentou “encher cada uma das imagens icónicas da Disney” que conseguiu nos primeiros dez minutos, que foram feitos em animação tradicional cel (em contraste com a animação 3D gerada por computador) como homenagem a filmes de contos de fadas passados da Disney, tais como Bela Adormecida, Cinderela, e Branca de Neve e os Sete Anões. Foi o primeiro filme da Disney lançado teatralmente na América a apresentar animação tradicional em cel desde Pooh’s Heffalump Movie (2005). Este filme, embora bastante diferente em termos de enredo de qualquer filme Disney anterior, continha também homenagens óbvias a outros filmes Disney do passado distante, tais como Old Yeller, The Shaggy Dog, Swiss Family Robinson, Bon Voyage!, e Savage Sam. Como a maioria dos artistas de animação tradicionais da Disney foram despedidos após o boom da computação gráfica do final dos anos 90, os 13 minutos de animação não foram feitos em casa, mas pela empresa independente de Pasadena James Baxter Animation, fundada pelo antigo animador da Disney Baxter.
P>Embora Lima quisesse que a animação fosse nostálgica, ele queria que Enchanted tivesse um estilo próprio. A equipa de Baxter decidiu utilizar o Art Nouveau como ponto de partida. Para Giselle, a personagem de animação desenhada à mão tinha de ser “uma cruz entre Amy Adams e uma princesa clássica da Disney”. E não uma caricatura”. Vendo Giselle como “uma menina da floresta, uma ninfa inocente com flores no cabelo” e “um pouco de hippie”, os animadores queriam que ela fosse “fluida, com o seu cabelo e roupas”. Delicada”. Para o Príncipe Eduardo, a equipa de Baxter “trabalhou arduamente para o fazer parecer o actor”, porque os príncipes “neste tipo de filmes são normalmente tão brandos”. Muitos protótipos foram feitos para Narissa, pois a equipa de Baxter queria que a sua cara “se parecesse com Susan Sarandon”. E os figurinos tiveram de se alinhar estreitamente com o desenho de acção ao vivo”
Para manter a continuidade entre os dois meios de comunicação, Lima trouxe a figurinista Mona May durante as fases iniciais da produção do filme para que os figurinos estivessem alinhados tanto no mundo da animação como no da acção ao vivo. Também rodou algumas filmagens de acção ao vivo de Amy Adams como Giselle para os animadores usarem como referência, o que também permitiu que o movimento físico da personagem coincidisse em ambos os mundos. Foram mostradas aos actores cenas de teste completadas pelos animadores, o que lhes permitiu ver como se moveriam os seus eus animados.
Live-actionEdit
Fotografia principal começou em Abril de 2006 e terminou em Julho de 2006. Devido ao cenário da sequência, as cenas de acção ao vivo foram filmadas na cidade de Nova Iorque. No entanto, as filmagens em Nova Iorque tornaram-se problemáticas por se encontrarem num “estado constante de novas lojas, andaimes e renovações”.
A primeira cena em Nova Iorque, que apresenta Giselle a sair de um poço de visita no meio da Times Square, foi filmada no local, no centro da praça. Devido às dificuldades em controlar a multidão durante as filmagens em Times Square, os peões em geral foram apresentados na cena com figurantes contratados colocados em primeiro plano imediato. Da mesma forma, uma multidão reuniu-se para assistir enquanto James Marsden e Timothy Spall filmavam as suas cenas em Times Square. Contudo, a cena que Lima encontrou o maior desafio para filmar foi o número musical, “That’s How You Know”, no Central Park. A cena de cinco minutos levou 17 dias a terminar devido à mudança do tempo, o que permitiu apenas sete dias de sol para que a cena fosse filmada. As filmagens também foram por vezes dificultadas pelos fãs de Patrick Dempsey. A cena foi coreografada por John O’Connell, que tinha trabalhado no Moulin Rouge! de antemão, e incluía 300 extras e 150 bailarinos.
Muitas cenas foram filmadas nos Estúdios Steiner, que forneceram os três grandes palcos que Enchanted precisava nas mesmas instalações. Outros locais exteriores incluíram a Ponte de Brooklyn e The Paterno, um edifício de apartamentos com uma fachada curva, fortemente embelezada, de cor marfim, localizado na esquina da Riverside Drive com a 116th Street, que é a residência das personagens do filme Robert e Morgan.
Design do trajeEdit
Todos os trajes do filme foram desenhados por Mona May, que tinha trabalhado anteriormente em Clueless, The Wedding Singer, e The Haunted Mansion. Para criar os fatos, May passou um ano em pré-produção trabalhando com animadores e o seu departamento de fatos de 20 pessoas, enquanto contratou cinco lojas de fatos exteriores em Los Angeles e Nova Iorque. Envolveu-se no projecto durante o tempo em que os animadores desenhavam os rostos e corpos das personagens, pois tinham de “traduzir os figurinos de desenhos bidimensionais para a proporção humana de acção ao vivo”. O seu objectivo era manter os desenhos “Disneyesque até ao núcleo, mas trazer um pouco de moda e humor e torná-lo algo novo”. Contudo, May admitiu que isto era difícil “porque estão a lidar com personagens icónicas da Disney que estão na psique do público espectador há tanto tempo”.
Para a personagem de Giselle, a sua viagem para se tornar uma mulher real reflecte-se nos seus vestidos, que se tornam menos parecidos com contos de fadas à medida que o filme avança. O seu vestido de noiva no início do filme contrasta directamente com o seu vestido moderno no final do filme. O vestido de noiva serviu para proporcionar um “contraste humonioso com os desenhos planos” e para acentuar a imagem de uma princesa Disney. A fim de fazer a cintura parecer pequena, as mangas foram concebidas para serem “extremamente largas” e a saia para ser o maior possível, que incluía um aro de metal que segura 20 camadas de saiotes e rufos. No total, onze versões do vestido foram feitas para filmar, cada uma feita de 200 metros (183 m) de cetim de seda e outro tecido, e pesando aproximadamente 18 kg (40 libras). Sobre a experiência de usar o vestido de noiva, Amy Adams descreveu-o como “cansativo” uma vez que “todo o peso estava nas ancas, por isso ocasionalmente parecia que ela estava em tracção”.
Unlike Giselle, Príncipe Eduardo não se adapta ao mundo real e James Marsden, que interpreta Eduardo, tinha apenas um fato concebido para ele. O objectivo de May era tentar “não perder Marsden na loucura da roupa… onde ele ainda parece bonito”. O fato também incluía acolchoamento no peito, nádegas e virilha, o que deu a Marsden “as mesmas proporções exageradas que uma personagem animada” e “postura – as suas costas são direitas, as mangas estão para cima e nunca caem”.
Maio ficou encantado por Lima “ter ido para algo mais na moda” com a Rainha Narissa de Susan Sarandon. Ela decidiu fazê-la parecer uma “senhora da passarela”, usando algo que é “ainda Disney” mas também “alta moda, como algo que John Galliano ou Thierry Mugler poderiam desenhar”. Uma vez que Narissa aparece em três meios de comunicação social: animação desenhada à mão, live-action, e animação por computador, May teve de se certificar de que o traje seria o mesmo ao longo de todo o processo em termos de “cor, forma, e textura”. O fato para Narissa consistia num espartilho e saia de couro, que parecia “reptiliano”, assim como uma capa. Trabalhando com os animadores, May incorporou partes da forma do dragão no fato; a capa foi concebida para parecer asas, as camadas da saia enrolam-se como uma cauda e uma coroa que se transformaria em chifres durante a transformação de Narissa num dragão.
MusicEdit
A partitura do filme foi escrita por Alan Menken, compositor e compositor de sucesso, que já trabalhou em vários filmes da Disney. O colega compositor Stephen Schwartz escreveu a letra de seis canções, também composta por Menken. Menken e Schwartz trabalharam anteriormente em conjunto nas canções para Pocahontas e The Hunchback of Notre Dame.
Menken envolveu-se com o filme nas fases iniciais do desenvolvimento do filme e convidou Schwartz a retomar a sua colaboração. Começaram o processo de composição de canções procurando os momentos certos da história em que um momento de canção era permitido. Schwartz descobriu que era mais fácil justificar situações em que as personagens iriam explodir em canções em Enchanted do que em outros musicais de acção ao vivo, pois o seu conceito “permitia às personagens cantar de uma forma que era completamente integral no enredo da história”. As três canções cantadas por Giselle contêm referências a filmes anteriores da Disney. A primeira canção interpretada no filme, “True Love’s Kiss”, foi escrita para ser “um envio e uma homenagem ao estilo das animações da Disney”, nomeadamente, “I’m Wish” (Branca de Neve e os Sete Anões) e “A Dream is a Wish Your Heart Makes” (Cinderela), durante a qual as heroínas da Disney cantam sobre a alegria de serem amadas. Representou um desafio para Menken e Schwartz devido aos “muitos preconceitos com esse número”; teve de ser um reflexo da era da Branca de Neve e dos Sete Anões e da Gata Borralheira. Assim, Amy Adams interpretou a primeira canção num estilo de opereta em contraste com o estilo da Broadway das canções posteriores.
Both “Happy Working Song” e “That’s How You Know” também prestam homenagens a canções passadas da Disney. “Happy Working Song” presta uma homenagem lírica a canções como “Whistle While You Work” (Branca de Neve e os Sete Anões), “The Work Song” (Cinderela), “A Spoonful of Sugar” (Mary Poppins) e “Making Christmas” (O Pesadelo Antes do Natal), e uma homenagem musical aos Irmãos Sherman (com um auto-paródico “Alan Menken style” middle eight). “That’s How You Know” é uma auto-paródia das composições de Menken para as suas características Disney, especificamente números de produção tão grandes como “Under the Sea” (A Pequena Sereia) e “Be Our Guest” (A Bela e a Besta). Para o conseguir, Schwartz admitiu ter de “empurrar um pouco mais em termos de escolha de palavras ou de certas letras”, mantendo “a sensibilidade clássica de Walt Disney”. No entanto, Menken observou que as canções que escreveu para a Disney foram sempre “um bocadinho de língua na bochecha”. À medida que o filme avança, a música utiliza estilos mais contemporâneos, que são ouvidos através da balada para adultos “So Close” e do número country/pop “Ever Ever After” (cantada por Carrie Underwood como uma voz-off).
Das seis canções completas escritas e compostas por Menken e Schwartz, cinco permaneceram no filme acabado. A canção título, “Enchanted”, um dueto com Idina Menzel e James Marsden, foi a única canção da autoria e composição de Menken e Schwartz que foi apagada do filme.
EffectsEdit
A maioria das filmagens de efeitos visuais em Enchanted foi feita pelo estúdio Tippett em Berkeley, Califórnia, que contribuiu com um total de 320 filmagens. Estas filmagens envolveram cenários virtuais, efeitos ambientais e personagens de CG que actuaram ao lado de actores reais, nomeadamente os animais animados durante a sequência “Happy Working Song”, Pip e o dragão Narissa durante as partes de acção ao vivo do filme. CIS Hollywood foi responsável por 36 filmagens de efeitos visuais, que trataram principalmente de remoções de arame e compósitos. A Reel FX Creative Studios realizou quatro filmagens de efeitos visuais envolvendo as transições de páginas de livros pop-up, enquanto a Weta Digital fez duas.
De todos os animais que aparecem na sequência “Canção de Trabalho Feliz”, os únicos animais reais filmados no set foram ratos e pombos. Os animais reais capturados no filme ajudaram o Tippett Studio a criar ratos e pombos CG, o que deu performances dinâmicas como ter pombos que carregavam vassouras nos seus bicos e ratos que esfregavam com escovas de dentes. Por outro lado, todas as baratas eram personagens de CG.
Pip, um esquilo que consegue falar no mundo 2D da Andalásia, perde a sua capacidade de comunicar através da fala no mundo real, pelo que deve confiar fortemente em gestos faciais e corporais. Isto significava que os animadores tinham de exibir as emoções de Pip através da performance, bem como fazê-lo aparecer como um chipmunk real. A equipa da Tippett iniciou o processo de animação de Pip observando chipmunks ao vivo que foram filmados em movimento a partir de “todos os ângulos concebíveis”, após o que criaram um chipmunk fotorealista através da utilização de software de computação gráfica 3D, Maya e Furrocious. Quando o supervisor de efeitos visuais Thomas Schelesny mostrou a primeira animação de Pip ao realizador Kevin Lima, ele ficou surpreendido por estar a olhar para um personagem de computação gráfica e não para uma filmagem de referência. Para melhorar as expressões faciais, os modelistas deram ao Pip sobrancelhas, que os verdadeiros chipmunks não têm. Durante as filmagens das cenas em que Pip aparece, foram utilizadas várias formas para indicar a presença física de Pip. Em algumas ocasiões, foi colocado em cena um pequeno esquilo de peluche com uma armadura de arame no seu interior. Noutras situações, uma haste com um pequeno marcador na extremidade ou um ponteiro laser era usado para mostrar aos actores e cineastas onde Pip está.
p>Unlike Pip, o dragão Narissa podia ser mais um personagem de fantasia enquanto ainda parecia um personagem vivo e um vilão clássico da Disney. O desenho do dragão de CG foi vagamente baseado num dragão chinês tradicional e na bruxa de acção ao vivo de Susan Sarandon. Ao filmar a cena que vê a transformação de Narissa de uma mulher em dragão, foi utilizado um longo poste para dirigir as linhas oculares dos figurantes em vez de um apontador laser. Foram feitas peças de cenário para avançar e recuar, além de ter uma configuração de iluminação controlada por computador e uma cabeça repetível na câmara, todas sincronizadas. Na sequência final do filme, na qual Narissa sobe ao Edifício Woolworth enquanto agarra Robert nas garras, foi construído um equipamento de ecrã verde para segurar Patrick Dempsey a fim de filmar o seu rosto e os seus movimentos. A plataforma foi uma abordagem de “marionetista” que envolveu um braço robótico a ser controlado por três artistas de efeitos de piso diferentes.