The Films of Ridley Scott, Ranked From Worst to Best

Over uma carreira de quase 40 anos, Ridley Scott estabeleceu uma reputação de mestre técnico, um cineasta meticuloso e pintor, um forte realizador de actores, e um dos mais desiguais de todos os grandes realizadores. Scott tem feito tantos filmes maus, medíocres ou just-OK como bons a grandes filmes. Ele parece incapaz de distinguir um bom guião de um desleixado, o que significa que os seus inegáveis dons como artesão normalmente aumentam qualquer idiotice que esteja no texto. Mas Scott tem uma série de clássicos de boa fé sob o seu cinto, bem como vários filmes negligenciados ou subestimados. No seu 77º aniversário, Indiewire classificou todas as suas características, do pior para o melhor.

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“1492: Conquest of Paradise” (1992)

No papel, Ridley Scott a realizar um filme sobre a figura histórica divisória Cristóvão Colombo parece promissor – Scott sempre floresceu ao lidar com histórias sobre quando a obsessão e a ambição conduzem à crueldade. O problema é que a argumentista Roselyne Bosch é melhor investigadora do que é argumentista, e ela e Scott perdem-se no bric-a-brac e no período que rodeia Colombo de uma forma seca e histórica sem estabelecer, por exemplo, como a Inquisição espanhola se liga à viagem de Colombo. Abandona a historicidade, contudo, quando chega a Colombo na América, branqueando o genocídio dos nativos da sua figura central como “os outros tipos que viajaram com ele o fizeram”. O filme postula que Colombo é um homem de ambição sem compreender ou lutar com a sua ambição. Gerard Depardieu é também um estranho ajuste para Colombo, um actor manifestamente francês que interpreta um inglês de fala italiana com um sotaque espesso e muitas vezes difícil de compreender (e tem muitos discursos). “1492” é notoriamente difícil de localizar em DVD ou vídeo. Há uma razão.

“Robin Hood” (2010)

Este filme, por outro lado, pegou numa ideia fascinante e tornou-a genérica: O guião original de Ethan Reiff e Cyrus Voris, “Nottingham”, centrou-se num simpático Xerife de Nottingham e no seu triângulo amoroso com Maid Marian e numa versão positivamente improvável de Robin Hood enquanto o xerife investiga uma série de assassínios horríveis pelos quais Robin foi incriminado. Em vez disso, Scott trouxe Brian Helgeland para o reescrever como um conto de origem Robin Hood. “Robin Hood” é o filme mais enfadonho da carreira de Scott, um filme sombrio e sombrio que desperdiça actores como Danny Huston e Max von Sydow em papéis de stock e obriga Oscar Isaac a fazer uma pálida reedição da personagem de Joaquin Phoenix em “Gladiador”. Realmente, todo o filme parece uma pálida repetição de “Gladiador”, completa com uma actuação comicamente solene de Russell Crowe no centro. Não faz sentido porque é que Scott, Crowe ou qualquer outra pessoa quiseram fazer este filme ossified dud, e muito menos este assumir a história sobre a versão mais original que tinham nas suas mãos.

“Black Rain” (1989)

“Black Rain” vem no final dos anos selvagens de Ridley Scott no final dos anos 80, e embora o seu modesto sucesso tenha compensado uma série de decepções comerciais, é um dos filmes mais vazios do realizador. O toque de Scott é muito marcante, o seu uso de néon, sombras contrastantes e edifícios monolíticos iluminados fazendo com que Tóquio pareça uma versão menos futurista de “Blade Runner’s” Los Angeles. Mas o filme tem um vazio no seu centro com o polícia desnecessariamente malvado de Michael Douglas, que é antipático e intolerante da forma mais aborrecida possível (o ajudante de Andy Garcia sai-se um pouco melhor, embora nada do seu alívio cómico seja engraçado). As personagens japonesas, entretanto, são todas ou fatos sem coragem, psicopatas descuidados ou fontes de ensino, com até o carismático Ken Takakura (R.I.P.) reduzido a ser um tipo que precisa de ser ensinado por Douglas a jogar duro com os criminosos, o que faz com que as suas lições de moral banais sobre as relações nipo-americanas se sintam desonesas. As suas tentativas de relevância política não conseguem mascarar a pornografia machista impensada no seu coração.

“Hannibal” (2001)

Para o crédito de Ridley Scott, ele fez aquele que é provavelmente o melhor filme possível que poderia ter saído do romance de Thomas Harris. Scott pega na trama absurda e exagerada do filme e corre com ele, misturando-se em influências ópticas com o grande excesso de guignol do filme, e Scott tentou algo diferente do filme vencedor do Óscar de Jonathan Demme (ele é sem dúvida o oposto polar de Demme, frio vs. quente, expressionista vs. realista, apolítico vs. político, embora ambas sejam feministas). Mas o filme comete um erro ao virar Hannibal Lecter de um psicopata a trabalhar dentro de um limite, encorajando as tendências de hammiest de Anthony Hopkins. O filme é dolorosamente explícito na articulação dos seus temas, também: foi sugerida a exploração do sexismo pelo original, aqui temos a cabeça boazona do FBI de Ray Liotta. Onde os vilões anteriores foram plenamente realizados, assassinos humanos, Mason Verger de Gary Oldman é feito demasiado literalmente um monstro. E embora Julianne Moore seja indiscutivelmente a melhor actriz da sua geração, ela tem sapatos impossíveis de preencher mesmo em circunstâncias ideais, e raramente sente que está em perigo porque A. Lecter gosta demasiado dela, e B. está atrás de uma maldita secretária o tempo todo. Para toda a violência florida de “Hannibal”, é estranhamente carente de urgência.

“Um Bom Ano” (2006)

Após o gigantesco empreendimento do “Reino dos Céus”, é fácil perceber porque é que Ridley Scott poderia querer tentar algo um pouco mais modesto. Mas “Um Bom Ano” não é apenas o filme mais incaracterístico da carreira de Scott, é um dos mais monótonos. As tentativas de comédia física do filme são fracas (Russell Crowe está num carro minúsculo! Marion Cotillard magoa a sua bunda e mostra à multidão o que aconteceu!), e Crowe, não um actor naturalmente cómico, parece estar no mar. Scott também, que substitui o seu habitual uso vívido da cor por uma visão genérica da Toscana. Depois de um certo ponto, é difícil continuar a tentar encaixá-lo na filmografia de Scott em vez de contar o número de copos de vinho consumidos. O cenário é agradável, mas é tudo cenário, sem substância.

“Someone to Watch Over Me” (1987)

Não há muito a dizer sobre “Someone to Watch Over Me”, o dolorosamente genérico thriller policial de Ridley Scott. Tom Berenger interpreta um duro polícia de Nova Iorque designado para proteger uma socialite (Mimi Rogers) que testemunha um assassinato, e começa a apaixonar-se por ela embora o seu casamento com a sua esposa (Lorraine Bracco) seja um casamento perfeitamente feliz. O filme nunca complica o seu enredo previsível: a polícia está solta e desalinhada. A socialite é primordial e adequada. Não têm nada em comum (e nenhuma verdadeira química), mas apaixonam-se. A mulher do polícia descobre, deixa-o. O superior do policia rebenta uma junta. Psicopata assassino rapta a família do polícia por clímax. O guião de Howard Franklin é tão fino que é praticamente translúcido, sem que nenhuma das conversas pareça ser algo mais do que o tempo entre as peças de set-pieces. Apenas Bracco é capaz de transformar o seu carácter em algo que se assemelhe a um pulso, e o chiaroscuro com assinatura de Scott só consegue elevar estes recortes de cartão até agora.

“Legenda” (1985)

“Legenda” foi o segundo filme consecutivo de Scott a sofrer de cortes mandatados pelo estúdio, e a sua peça teatral de Tangerina mal combinada e história confusa e confusa foi melhorada pelo Cut do realizador Scott de 2002. Mas a versão alargada apenas faz do filme um admirável disparo errado, em vez de um fracasso total. O filme joga como o pior medo de um grande fantasia-fobo, com um vilão chamado Darkness, uma boa princesa chamada Lily, e ajudantes chamados Honeythorn Gump, Brown Tom e Screwball (Lembro-me da frase de Paul Rudd em “Role Models”: “Acabei de passar a tarde na Terra Média com o glee-glop e os floopty-doos”) Tom Cruise, a um ano de “Top Gun”, está mal vestido para fazer de herói da natureza dolorosamente sincero, e com excepção de um jogo Tim Curry como Darkness, nenhum dos actores é capaz de transformar os seus arquétipos de fantasia em vívidos arquétipos de fantasia. O filme tem um óptimo aspecto, mas o realizador ultrapassa o topo usando dentes-de-leão e flores a flutuar pelo ar para nos lembrar que a natureza é boa e a escuridão é má. É um filme visualmente espantoso mas supremamente pateta, o “Avatar” do seu tempo em forma, se não em sucesso de bilheteira.

“Body of Lies” (2008)

Sozinho, “Body of Lies” é um thriller espião passível de ser passado (se esquecido), apresentando sobretudo desempenhos sólidos e acção competente. É apenas como parte da filmografia de Ridley Scott e do argumentista William Monahan, torna-se uma desilusão maior. Enquanto os actores de apoio (Mark Strong e Russell Crowe em particular) gerem muitos grandes momentos, o filme tem um centro fraco em Leonardo DiCaprio, fazendo uma variação sobreaquecida do seu personagem “The Departed” sem a ambiguidade moral ou reflectividade desse filme. Monahan é também culpado de auto-canibalização, com o filme a sentir-se como uma pequena miscelânea de “Kingdom of Heaven” (com a sua visão do conflito religioso) e “The Departed” (com o seu fascínio pelo papel da tecnologia moderna na guerra contra o crime e o terror), e Scott nunca gere um set-piece que não pareça uma imitação de um filme de “Bourne” ou de um dos filmes do seu irmão Tony Scott.

“G.I. Jane” (1997)

“G.I. Jane” tem um punhado de perguntas provocadoras no centro da sua narrativa (“Deverão as mulheres poder servir no exército?” “Será que o sistema de condicionamento brutal dos militares desliga a sua empatia?”), nenhuma das quais incomoda em perguntar. Nunca pergunta porque é que os seus homens militares são cabeças de merda sexistas que se opõem ao candidato da Demi Moore ao Selo da Marinha tão determinado que faz com que o sexismo seja ultrapassado e combatido (literalmente, ela dá cabo dos sexistas militares). Dito isto, a secção do meio “G.I. Jane’s”, centrada no treino, é visceralmente excitante, com Scott a usar os seus toques mais expressionistas em sequências de SEALs a ser forçado a empurrar barris gigantes para cima de colinas ou a fazer percursos de obstáculos, transformando o material familiar em algo excitante e fresco. O filme também beneficia da utilização dos talentos limitados e não emotivos de Moore para uma personagem que fará uma máquina de matar ideal e fundir Viggo Mortensen como o principal antagonista do filme, uma vez que o actor não o interpreta estritamente como um vilão, elevando-o acima do material instável. “G.I. Jane” é demasiado longo e burro, mas é também muito divertido.

“White Squall” (1996)

Durante a maior parte do seu tempo de execução, “White Squall” não é nada de especial. É essencialmente a “Sociedade dos Poetas Mortos” no mar. A maioria dos rapazes mistura-se, e embora a tomada de Charles Keating por Jeff Bridges seja mais dura e por vezes carente de compaixão, ele ainda é o mentor que os rapazes vão reverenciar e defender no final. É suficientemente eficaz, mas imensurável. Mas “White Squall” tem uma incrível peça de cenário perto do fim quando o navio se depara com a tempestade titular e Scott faz tudo para empurrar as personagens para o seu limite físico e psicológico. O realizador utiliza o espaço brilhantemente, torcendo e virando a nave e tirando o máximo partido da claustrofobia crescente à medida que a nave inunda. A sequência parece fazer parte de uma obra-prima aventureira em vez da melhor parte de uma obra menor.

“American Gangster” (2007)

“American Gangster” tem um elenco de apoio infernal: Josh Brolin como um polícia corrupto, Cuba Gooding, Jr. como um gangster vistoso, Armande Assante, Chiwetel Ejiofor, e Ruby Dee na sua única actuação nomeada ao Oscar. É uma pena, então, que a maioria deles estejam presos numa narrativa frustrantemente familiar (se suficientemente eficaz). “American Gangster” sente-se como todos os filmes de gangsters alguma vez feitos, pedindo pedaços emprestados de “Scarface” (o gangster que se levanta), “The Godfather” (o mafioso de cabeça fria), filmes de exploração de linho, “Goodfellas” e muito mais, enquanto que a metade do filme de Russell Crowe sente-se como uma recaída “Serpico” com uma pitada de “Donnie Brasco”, sem a imediatez ou o desespero silencioso. É bem feito, mas falta o toque de assinatura de Scott, substituído por uma competência artesanal. O filme tem um elemento que mantém as coisas razoavelmente frescas: Denzel Washington, cuja quietude e gravitas o distinguem do resto do trabalho do filme. Ele é a única coisa no filme que é inspirada em vez de meramente sólida.

“Prometeu” (2012)

“Prometeu” fez uma estranha viagem de ser um dos filmes mais esperados de 2012 para ser um dos mais odiados, uma cana de luz para a polícia da Internet e dos buracos da trama. As suas críticas não são infundadas: O guião de Damon Lindelof levanta várias questões, poucas das quais explora satisfatoriamente, e demasiados personagens comportam-se de forma idiota sem qualquer razão. Mas por mais confuso que seja, é frequentemente fascinante, especialmente sempre que dedica tempo ao David de Michael Fassbender, cujo desprendimento educado da humanidade o torna um dos personagens mais emocionantes e imprevisíveis da memória recente. E mesmo os detractores do filme devem admitir que o filme é frequentemente momentos de espanto, contrastando formalmente, com momentos de espanto e assombro com um horror corporal assombroso com uma destreza notável.

“Gladiador” (2000)

“Gladiador” não faz quase nada de novo com a Época Romana, mas faz o que faz extremamente bem. Scott revive um género morto ao casar a intensidade do “Saving Private Ryan” com um espectáculo à moda antiga nas suas sequências de batalha, e contrasta a expansividade do cenário do filme com as câmaras claustrofóbicas e apertadas em que os seus heróis estão presos, quer acorrentados, quer ao lado de psicopatas delirantes. Mais importante ainda, a história do filme, por simples que seja, é contada com a máxima convicção por todos os envolvidos. Crowe traz uma sensibilidade e inteligência brutal ao seu herói que o distingue dos furos brilhantes que se seguiram a “Gladiador” (Gerard Butler em “300,” estou a olhar para si), e Joaquin Phoenix rasga em cada linha sobrescrita como se fosse um bife suculento, dando uma actuação gloriosamente hammy. O filme distingue-se dos seus antepassados, entretanto, ao colocar uma maior ênfase na mortalidade, tanto o medo dela como a necessidade de a aceitar quando ela chega (o tema principal nas obras de Scott). Não importa muito que “Gladiador” seja mais familiar, no entanto, porque, raios, apenas funciona.

“Matchstick Men” (2003)

“Matchstick Men” é um dos filmes mais modestos de Ridley Scott, e um dos seus mais pessoais. Um cineasta eternamente meticuloso, sem dúvida encontrou alguma ligação com o vigarista de Nicolas Cage, cuja condição dá a Scott a oportunidade de experimentar a iluminação e montagem não apenas como um toque atmosférico, mas como uma necessidade. Cada poço de luz é invasivo, cada edição rápida é uma forma de nos colocar no estado frenético de espírito de Cage. Entretanto, o guião de Ted e Nicholas Griffin, vangloria-se de uma longa conspiração digna de David Mamet, e Scott faz um pouco de astuto elenco em parceria com o neurótico Cage contra um Sam Rockwell semelhante, mas mais abertamente descarado. A verdadeira revelação, contudo, é Alison Lohman como filha distante de Cage, cuja mistura de ingenuidade e precocidade é um contrapeso bem-vindo a todos os anéis de mão masculinos. A sua relação com Cage pega no que poderia ter sido um exercício frio e transforma-o num dos filmes mais quentes de Scott.

“Black Hawk Down” (2001)

“Black Hawk Down” é o filme menos orientado para personagens de Scott, mas isso faz sentido num filme que é menos sobre indivíduos e mais sobre uma força colectiva de homens que trabalham juntos numa situação impossível. Scott pega no conflito central do filme e transforma-o num dos filmes de guerra mais visceralmente punitivos da memória recente, contrariando a maior parte do jingoísmo no coração da história. Scott faz o uso mais pesado do shakycam na sua carreira, mas nunca é demasiado intrusivo, e coloca-nos no lugar dos homens confusos e assustados no meio da batalha. Acima de tudo, é um procedimento de pesadelo centrado no grão, na sujidade e nas entranhas derramadas sempre que algo corre mal.

“O Conselheiro” (2013)

Ridley Scott e Cormac McCarthy’s “The Counselor” foi recebido envenenadamente tanto pelo público como por vários críticos, com Andrew O’Hehir do Salon a ir tão longe para lhe chamar “o pior filme alguma vez feito”. Mas o filme desenvolveu rapidamente um culto fervoroso (apenas crescendo desde o lançamento do seu corte prolongado) para qualquer pessoa no comprimento de onda impiedoso do filme. “The Counselor” é um dos filmes mais perversamente emocionantes dos últimos anos porque está tão determinado a desafiar as convenções e a alienar o público, levando o retrato sombrio e determinista da arrogância de McCarthy ao seu ponto final lógico. Entretanto, a obsessão de Scott por toda a vida com a mortalidade, encaixa perfeitamente no fatalismo de McCarthy, e contrasta a perspicácia e esterilidade dos interiores com a dureza do deserto como uma forma de sugerir que algo violento e primordial está a caminho de derrubar o estilo de vida luxuoso e isolado dos seus personagens. O argumento dedica-se mais a longas e floridas conversas escritas sobre morte, assassinato, sexo, e o seu significado do que qualquer “pagamento” (embora as cenas de acção que existem sejam fantásticas, se bem que brutais), mas isso está em grande parte ao serviço de um filme cheio de pessoas que se acham demasiado espertas para serem derrubadas, apenas para descobrir que as coisas estão fora do seu controlo e que não estão prontas para o que está para vir.

“Os Duelistas” (1977)

A estreia de Scott estabelece não só o tipo de realizador Scott, mas também os dois temas principais da sua filmografia: obsessão e mortalidade. O primeiro é representado por Feraud de Harvey Keitel, um homem com uma visão de honra antiquada que desenvolve uma obsessão para toda a vida com o d’Hubert de David Carradine, derrota-o num duelo. Este último é o maior medo de d’Hubert, que Scott ilustra lindamente num duelo que é interrompido por cortes de staccato da sua vida a piscar diante dos seus olhos. O estilo pintor de Scott tira páginas de “Barry Lyndon” de Kubrick, mas o filme tem o seu próprio ritmo, uma marcha constante em direcção ao conflito entre a vida e a morte, mesmo nos breves momentos de pausa. Scott também consegue encenar cada duelo de forma diferente, desde uma luta de espada precoce num tiro largo que realça a fisicalidade de Keitel até uma batalha final de pistola que usa o nevoeiro como um sudário da desgraça. E enquanto “Os Duelistas” não consegue igualar a obra-prima que se segue, mesmo Kubrick tem de inclinar o seu chapéu para o remate final do filme, um dos maiores clarões de lentes alguma vez apanhados no filme.

“Thelma & Louise” (1991)

O filme de regresso de Scott após quase uma década de desilusões ainda é ousado, um filme que lança as suas duas heroínas (a propósito, quantos filmes de Hollywood estão agora a fazer isso?) de uma forma quase totalmente heróica, mesmo quando violam a lei. O guião de Callie Khouri vagueia de um lado para o outro entre a comédia ligeira e o drama num tostão (os namoricos de Thelma com a sua quase violação e subsequente salvamento por Louise; Thelma tendo um namorico com um Brad Pitt quase impossivelmente lindo, perdendo depois o seu dinheiro para ele), mas as transições são suaves e magistral. O selo visual de Scott é evidente em todo o filme, uma vez que ele dá ao filme uma névoa omnipresente à medida que as coisas começam a ficar mais obscuras para as suas heroínas. E enquanto os personagens masculinos são um pouco desenhados de uma forma demasiado ampla, quer sejam boatos não arrependidos ou santos (Pitt à parte), é difícil preocupar-se demasiado quando fornece duas personagens ricas para as suas actrizes, uma eternamente atrapalhada (Geena Davis, que precisa de estar novamente em mais filmes), outra cansada do mundo e triste (Susan Sarandon). A conclusão do filme é particularmente grande, de alguma forma, tanto o menos positivo como o triunfante como Thelma & Louise encontra uma forma de vencer o sistema que está morto contra elas.

“Kingdom of Heaven” (2005)

A versão teatral de “Kingdom of Heaven” é uma confusão: o seu ritmo é agitado, as suas personagens mal definidas, os seus subquadros não vão a lado nenhum, e o seu comentário sobre o conflito religioso moderno é fino. O corte do realizador do filme, restaurado para 191 minutos, está próximo de uma obra-prima, restaurando a carne para as relações dos personagens, uma estrutura mais coesa, um ritmo mais propositado e um peso temático real, bem como o “Lawrence da Arábia” – estilo varredura Scott está a caminho. As actuações passam de insignificantes para ricas, particularmente a actuação subtilmente expressiva de Edward Norton como rei leproso, a rainha pragmática de Eva Green e o compassivo líder islâmico Saladino de Ghassan Massoud. Mesmo o eternamente inexpressivo Orlando Bloom é suficientemente eficaz quando a sua história é restaurada, a sua crise de fé mais credível. Aquilo que foi massacrado em “‘Gladiator’ Goes Crusading” nos cinemas transforma-se num épico pensativo sobre conflitos religiosos e a necessidade de todas as partes valorizarem a vida dos outros.

“Blade Runner” (1982)

O filme mais rico de Ridley Scott, “Blade Runner” passou de clássico culto a obra-prima quase universalmente reconhecida. É o filme mais denso visualmente do realizador, com cada fotograma cheio de detalhes e vitalidade, cada pedaço de claro-escuro a acrescentar ao humor melancólico do filme. É também o filme mais complexo moralmente de Scott, com um herói (Harrison Ford, perfeitamente exausto) cuja missão é completamente não heróica, um vilão (Rutger Hauer) que é uma figura messiânica a tentar manter o seu povo vivo, e uma cidade que é um deserto total repleto de polícias racistas e conflitos étnicos (os replicantes são cidadãos de segunda classe). É um filme onde quase todos os personagens se encontram em crise existencial, e o que os une a todos (figurativamente, se não literalmente), é o seu desejo comum de vida, medo da morte, e terror de que serão esquecidos depois de se terem ido embora. O que é mais humano do que isso?

“Alien” (1979)

O filme revolucionário de Ridley Scott ainda é revolucionário pelos padrões actuais. A sua última rapariga (Sigourney Weaver) não é uma rapariga designada para sobreviver, mas sim a mais inteligente e resiliente da tripulação. O seu contraste entre o ritmo lento e metódico e a violência abrupta é um modelo de como se faz um filme de terror perfeito. Os desenhos de H.R. Giger continuam a ser alguns dos maiores e mais monstros de todos os tempos. Acima de tudo, porém, a obsessão de Ridley Scott com a mortalidade chega, e cada morte tem peso por causa dela. Scott constrói para cada pedaço de violência porque sabe que o medo da morte é muitas vezes maior do que a própria morte, e que mostrar esse medo fará com que se sinta mais concreto e inevitável. A famosa cena do “chestburster” tem sido parodiada e referenciada infinitamente, mas o olhar de pânico nos rostos dos actores (real, pois nenhum deles sabia que ia acontecer) e o espancamento do astronauta desamparado de John Hurt mantêm-no assustador. Mesmo com três sequelas, duas fanboy-picotadas e uma ambiciosa mas confusa prequela que se lhe segue, “Alienígena” representa um feito singular.

Odds and Ends: Dentro de algumas semanas saberemos se o novo filme de Ridley Scott “Exodus: Gods and Kings” é mais um triunfo para o realizador ou um sinal de que ele voltou ao poço épico uma demasiada vezes. Depois disso, ele voltará ao ficção científica com o Matt Damon-starring “The Martian” e produzirá sequelas de “Blade Runner” e “Prometheus”. Scott também um par de curtas que vale a pena conferir: o projecto da escola de cinema “Boy and Bicycle” e o seu comercial da Apple “1984”, uma vitrina de um minuto para os presentes de Scott para design de produção e luz. Finalmente, podia-se escrever um livro sobre todos os filmes que Scott quase fez, que vão desde o fascinante (o thriller do surto de Ébola “The Hot Zone”, que foi cancelado quando não se conseguiu reunir suficientemente cedo para vencer “Outbreak”) até ao questionável (um remake da trilogia “Red Riding”) e totalmente desconcertante (“Monopólio”, baseado no jogo de tabuleiro…realmente).

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