The Films of Ridley Scott, Ranked From Worst to Best

In einer fast 40-jährigen Karriere, hat sich Ridley Scott den Ruf eines meisterhaften Technikers, eines akribischen, malerischen Filmemachers, eines starken Regisseurs von Schauspielern und eines der uneinheitlichsten aller großen Regisseure erworben. Scott hat ebenso viele schlechte, mittelmäßige oder einfach nur gute Filme gemacht wie gute bis großartige. Er scheint unfähig zu sein, ein gutes Drehbuch von einem schlampigen zu unterscheiden, was bedeutet, dass seine unbestreitbaren Gaben als Handwerker normalerweise die Idiotien im Text noch verstärken. Aber Scott hat eine Reihe von echten Klassikern unter seinem Gürtel, ebenso wie einige übersehene oder unterbewertete Filme. Zu seinem 77. Geburtstag hat Indiewire eine Rangliste all seiner Filme erstellt, von den schlechtesten bis zu den besten.

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„1492: Conquest of Paradise“ (1992)

Auf dem Papier klingt Ridley Scotts Regiearbeit über die umstrittene historische Figur Christoph Kolumbus vielversprechend – Scott blühte schon immer auf, wenn es um Geschichten ging, in denen Besessenheit und Ehrgeiz zu Grausamkeit führen. Das Problem ist, dass die Drehbuchautorin Roselyne Bosch eine bessere Forscherin als eine Drehbuchautorin ist, und sie und Scott verlieren sich in dem Schnickschnack und der Zeit um Kolumbus auf eine schwerfällige, trocken historische Weise, ohne zu etablieren, wie zum Beispiel die spanische Inquisition mit Kolumbus‘ Reise zusammenhängt. Er verlässt die Historizität jedoch, wenn es um Kolumbus in Amerika geht, und beschönigt den Völkermord seiner Hauptfigur an den Eingeborenen als „die anderen Typen, die mit ihm reisten, haben es getan.“ Der Film postuliert, dass Kolumbus ein Mann des Ehrgeizes ist, ohne seinen Ehrgeiz zu verstehen oder sich mit ihm auseinanderzusetzen. Auch Gerard Depardieu passt nicht gut zu Columbus, ein auffällig französischer Schauspieler, der einen Italiener spielt, der mit einem dicken Akzent Englisch spricht, der oft schwer zu verstehen ist (und er hat viele Reden). „1492“ ist notorisch schwer auf DVD oder Video zu finden. Dafür gibt es einen Grund.

„Robin Hood“ (2010)

Dieser Film hingegen nahm eine faszinierende Idee und machte sie generisch: Das ursprüngliche Drehbuch von Ethan Reiff und Cyrus Voris, „Nottingham“, konzentrierte sich auf einen sympathischen Sheriff von Nottingham und seine Dreiecksbeziehung zu Maid Marian und eine positiv unsympathische Version von Robin Hood, während der Sheriff eine Reihe von grausamen Morden untersucht, die Robin angehängt wurden. Stattdessen holte Scott Brian Helgeland, um die Geschichte zu einer Robin-Hood-Ursprungsgeschichte umzuschreiben. „Robin Hood“ ist der langweiligste Film in Scotts Karriere, ein trister, düsterer Film, der Schauspieler wie Danny Huston und Max von Sydow in Lagerrollen verschwendet und Oscar Isaac dazu zwingt, einen blassen Aufguss von Joaquin Phoenix‘ Charakter in „Gladiator“ zu spielen. Wirklich, der ganze Film fühlt sich an wie ein blasser Aufguss von „Gladiator“, komplett mit einer komisch feierlichen Russell Crowe Performance im Zentrum. Es ist nicht nachvollziehbar, warum Scott, Crowe oder irgendjemand anderes diesen verknöcherten Blindgänger machen wollte, geschweige denn, dass sie diese Version der Geschichte der originelleren Version, die sie in den Händen hatten, vorziehen würden.

„Black Rain“ (1989)

„Black Rain“ kommt am Ende von Ridley Scotts wilden Jahren in den späten 80ern, und während sein bescheidener Erfolg eine Reihe von kommerziellen Enttäuschungen wettmachte, ist es einer der leersten Filme des Regisseurs. Scotts Handschrift ist sehr markant, sein Einsatz von Neon, kontrastierenden Schatten und Lichtern lässt monolithische Gebäude Tokio wie eine weniger futuristische Version von „Blade Runner’s“ Los Angeles aussehen. Aber der Film hat eine Leere in seinem Zentrum mit Michael Douglas‘ unnötig gemeinem Cop, der unsympathisch und intolerant auf die langweiligste Art und Weise ist, die möglich ist (Andy Garcias Handlanger macht es etwas besser, obwohl keine seiner komischen Einlagen lustig ist). Die japanischen Charaktere sind allesamt entweder feige Anzugträger, hirnlose Psychopathen oder Quellen der Belehrung, wobei sogar der charismatische Ken Takakura (R.I.P.) darauf reduziert wird, ein Typ zu sein, dem Douglas beibringen muss, wie man mit Kriminellen umgeht. Seine schwachen Versuche politischer Relevanz können den gedankenlosen Macho-Porno in seinem Herzen nicht überdecken.

„Hannibal“ (2001)

Ridley Scott ist es zu verdanken, dass er den wahrscheinlich besten Film gemacht hat, der aus Thomas Harris‘ Roman hätte entstehen können. Scott nimmt die absurde, überdrehte Handlung des Films und lässt sie laufen, mischt Operneinflüsse mit dem Grand-Guignol-Exzess des Films, und Scott hat etwas anderes versucht als Jonathan Demmes Oscar-gekrönter Film (er ist wohl das polare Gegenteil von Demme, kalt vs. warm, expressionistisch vs. realistisch, unpolitisch vs. politisch, obwohl beide Feministen sind). Aber der Film macht einen Fehler, indem er Hannibal Lecter von einem Psychopathen, der innerhalb der Grenzen arbeitet, zu einem Verrückten auf freiem Fuß macht, was Anthony Hopkins‘ hämischste Tendenzen fördert. Auch bei der Artikulation seiner Themen ist der Film schmerzhaft explizit: Im Original wurde die Erforschung des Sexismus angedeutet, hier bekommen wir Ray Liottas rüpelhaften FBI-Chef. Wo frühere Bösewichte voll realisierte, menschliche Killer waren, wird Gary Oldmans Mason Verger zu einem buchstäblichen Monster gemacht. Und obwohl Julianne Moore wohl die beste Schauspielerin ihrer Generation ist, hat sie selbst unter idealen Umständen unmögliche Schuhe zu füllen, und sie fühlt sich selten in Gefahr, weil A. Lecter sie zu sehr mag und B. sie die ganze Zeit hinter einem gottverdammten Schreibtisch sitzt. Bei all der blumigen Gewalt in „Hannibal“ fehlt es seltsamerweise an Dringlichkeit.

„A Good Year“ (2006)

Nach dem Mammutprojekt „Königreich der Himmel“ ist es leicht zu verstehen, warum Ridley Scott vielleicht etwas Bescheideneres ausprobieren möchte. Aber „Ein gutes Jahr“ ist nicht nur der untypischste Film in Scotts Karriere, sondern auch einer der langweiligsten. Die Versuche des Films, physische Komik zu zeigen, sind schwach (Russell Crowe sitzt in einem winzigen Auto! Marion Cotillard quetscht sich den Hintern und zeigt dem Publikum, was passiert ist!), und Crowe, von Natur aus kein komischer Schauspieler, wirkt ratlos. Das gilt auch für Scott, der seine übliche lebhafte Farbgebung durch eine generische Arthouse-Ansicht der Toskana ersetzt. Ab einem bestimmten Punkt fällt es schwer, den Film in Scotts Filmografie einzuordnen, anstatt die Anzahl der getrunkenen Gläser Wein zu zählen. Die Kulisse ist nett, aber es ist alles Kulisse, keine Substanz.

„Someone to Watch Over Me“ (1987)

Es gibt nicht viel zu sagen über „Someone to Watch Over Me“, Ridley Scotts schmerzhaft generischen Cop-Thriller. Tom Berenger spielt einen knallharten New Yorker Cop, der eine Prominente (Mimi Rogers) beschützen soll, die Zeuge eines Mordes wurde, und er beginnt, sich in sie zu verlieben, obwohl seine Ehe mit seiner Frau (Lorraine Bracco) vollkommen glücklich ist. Der Film verkompliziert nie seine vorhersehbare Handlung: Der Cop ist locker und schmuddelig. Die Gesellschaftsdame ist prüde und korrekt. Sie haben nichts gemeinsam (und keine wirkliche Chemie), aber sie verlieben sich ineinander. Die Frau des Cops findet es heraus und verlässt ihn. Der Vorgesetzte des Cops rastet aus. Ein mörderischer Psychopath entführt die Familie des Cops als Höhepunkt. Das Drehbuch von Howard Franklin ist so dünn, dass es praktisch durchsichtig ist, und keine der Konversationen fühlt sich an, als wären sie mehr als Zeitfüller zwischen den einzelnen Szenen. Nur Bracco ist in der Lage, ihrer Figur so etwas wie einen Puls zu geben, und Scotts charakteristisches Helldunkel kann diese Pappfiguren nur so weit aufwerten.

„Legend“ (1985)

„Legend“ war Scotts zweiter Film in Folge, der unter studiobedingten Kürzungen zu leiden hatte, und der unpassende Tangerine Score und die verwirrende, abgehackte Story der Kinofassung wurden durch Scotts Director’s Cut von 2002 verbessert. Aber die erweiterte Version macht den Film nur zu einem bewundernswerten Fehlschlag und nicht zu einem totalen Blindgänger. Der Film spielt wie die schlimmste Befürchtung eines High-Fantasy-Phobikers, mit einem Bösewicht namens Darkness, einer guten Prinzessin namens Lily und Sidekicks namens Honeythorn Gump, Brown Tom und Screwball (ich fühle mich an Paul Rudds Satz in „Role Models“ erinnert: „Ich habe gerade den Nachmittag in Mittelerde mit Glee-Glop und den Floopty-Doos verbracht“). Tom Cruise, ein Jahr von „Top Gun“ entfernt, ist schlecht geeignet, einen schmerzhaft aufrichtigen Naturburschen-Helden zu spielen, und mit Ausnahme eines spielfreudigen Tim Curry als Darkness ist keiner der Schauspieler in der Lage, seine Fantasy-Archetypen in lebendige Fantasy-Archetypen zu verwandeln. Der Film sieht zwar toll aus, aber der Regisseur übertreibt es mit durch die Luft schwebenden Pusteblumen und Blumen, um uns daran zu erinnern, dass die Natur gut und die Dunkelheit böse ist. Es ist ein visuell erstaunlicher, aber äußerst alberner Film, der „Avatar“ seiner Zeit in der Form, wenn auch nicht im Kassenerfolg.

„Body of Lies“ (2008)

Für sich genommen ist „Body of Lies“ ein passabler (wenn auch vergesslicher) Spionagethriller, mit überwiegend soliden Leistungen und kompetenter Action. Erst als Teil der Filmografie von Ridley Scott und Drehbuchautor William Monahan wird er zu einer größeren Enttäuschung. Während die Nebendarsteller (vor allem Mark Strong und Russell Crowe) für viele großartige Momente sorgen, hat der Film mit Leonardo DiCaprio einen schwachen Mittelpunkt, der eine überhitzte Variante seiner „The Departed“-Figur spielt, ohne die moralische Doppelbödigkeit oder Nachdenklichkeit dieses Films. Monahan macht sich auch der Selbstkannibalisierung schuldig, der Film fühlt sich an wie ein fadenscheiniger Mischmasch aus „Königreich der Himmel“ (mit seinem Blick auf religiöse Konflikte) und „The Departed“ (mit seiner Faszination für die Rolle der modernen Technologie im Kampf gegen Verbrechen und Terror), und Scott schafft es nie, ein Set-Piece zu inszenieren, das sich nicht anfühlt wie eine Imitation eines „Bourne“-Films oder eines Films seines Bruders Tony Scott.

„G.I. Jane“ (1997)

„G.I. Jane“ hat eine Handvoll provokanter Fragen im Zentrum seiner Erzählung („Sollten Frauen im Militär dienen können?“ „Schaltet das brutale Konditionierungssystem des Militärs ihr Einfühlungsvermögen aus?“), von denen er sich nicht die Mühe macht, sie zu stellen. Er fragt nie, warum seine Militärs sexistische Scheißkerle sind, die sich Demi Moores entschlossener Navy-SEAL-Anwärterin widersetzen, sondern er macht den Sexismus überwindbar und bekämpfbar (buchstäblich tritt sie die Scheiße aus den Militärsexisten heraus). Davon abgesehen ist der Mittelteil von „G.I. Jane“, der sich auf das Training konzentriert, ein visuell aufregender Stoff, bei dem Scott seine expressionistischsten Züge in Sequenzen von SEALs einsetzt, die gezwungen sind, riesige Fässer einen Hügel hinaufzuschieben oder Hindernisparcours zu laufen, und dabei vertrautes Material in etwas Erheiterndes und Frisches verwandelt. Der Film profitiert auch davon, dass Moores begrenzte, nicht-emotionale Talente für einen Charakter genutzt werden, der eine ideale Tötungsmaschine abgibt, und dass Viggo Mortensen als Hauptantagonist des Films besetzt wurde, da der Schauspieler ihn nicht strikt als Bösewicht spielt, was ihn über das wackelige Material erhebt. „G.I. Jane“ ist überlang und dumm, aber er macht auch eine Menge Spaß.

„White Squall“ (1996)

Für den Großteil seiner Laufzeit ist „White Squall“ nichts Besonderes. Es ist im Wesentlichen „Der Club der toten Dichter“ auf dem Meer. Die meisten der Jungs passen zusammen, und obwohl Jeff Bridges‘ Darstellung von Charles Keating härter ist und es ihm manchmal an Mitgefühl mangelt, ist er immer noch der Mentor, den die Jungs verehren und für den sie am Ende einstehen. Das ist effektiv genug, aber nicht erinnerungswürdig. Aber „White Squall“ hat ein unglaubliches Set-Piece gegen Ende, als das Schiff in den titelgebenden Sturm gerät und Scott alles daran setzt, die Charaktere an ihre physischen und psychischen Grenzen zu bringen. Der Regisseur nutzt den Raum brillant, dreht und wendet das Schiff und holt das Beste aus der zunehmenden Klaustrophobie heraus, während das Schiff überflutet wird. Die Sequenz fühlt sich an, als wäre sie Teil eines abenteuerlichen Meisterwerks und nicht der beste Teil eines unbedeutenden Werks.

„American Gangster“ (2007)

„American Gangster“ hat eine verdammt gute Nebenrolle: Josh Brolin als korrupter Cop, Cuba Gooding, Jr. als schriller Gangster, Armande Assante, Chiwetel Ejiofor und Ruby Dee in ihrer einzigen Oscar-nominierten Performance. Es ist eine Schande, dass die meisten von ihnen in einer frustrierend vertrauten (wenn auch effektiven) Geschichte feststecken. „American Gangster“ fühlt sich an wie jeder Gangsterfilm, der jemals gedreht wurde, mit Anleihen bei „Scarface“ (der rauflustige Gangster steigt auf), „Der Pate“ (der kühle Gangster), Blaxploitation-Filmen, „Goodfellas“ und mehr, während Russell Crowes Hälfte des Films sich wie eine „Serpico“-Runderneuerung mit einer Prise „Donnie Brasco“ anfühlt, ohne die Unmittelbarkeit oder die stille Verzweiflung. Der Film ist gut gemacht, aber Scotts unverkennbare Handschrift fehlt und wird durch handwerkliche Kompetenz ersetzt. Der Film hat ein Element, das die Dinge einigermaßen frisch hält: Denzel Washington, der sich mit seiner Stille und Gravitas von der restlichen Hektik des Films abhebt. Er ist das Einzige im Film, das inspiriert ist und nicht nur solide.

„Prometheus“ (2012)

„Prometheus“ machte eine seltsame Reise von einem der am meisten erwarteten Filme des Jahres 2012 zu einem der am meisten gehassten, ein Blitzableiter für Internet-Backlash und Plothole-Polizei. Deren Kritikpunkte sind nicht unbegründet: Damon Lindelofs Drehbuch wirft einige Fragen auf, von denen es nur wenige zufriedenstellend erforscht, und zu viele Charaktere benehmen sich ohne Grund idiotisch. Aber so chaotisch der Film auch ist, er ist oft faszinierend, vor allem, wenn er sich Michael Fassbenders David widmet, dessen höfliche Distanz zur Menschheit ihn zu einer der spannendsten und unberechenbarsten Figuren der letzten Zeit macht. Und selbst die Kritiker des Films sollten zugeben, dass der Film oft formal atemberaubend ist und mit bemerkenswerter Geschicklichkeit Momente des Staunens und der Ehrfurcht mit erschreckendem Körperhorror kontrastiert.

„Gladiator“ (2000)

„Gladiator“ macht fast nichts Neues mit dem römischen Epos, aber er macht das, was er macht, außerordentlich gut. Scott belebt ein totes Genre wieder, indem er die Intensität von „Saving Private Ryan“ mit altmodischem Spektakel in den Schlachtsequenzen verbindet, und er kontrastiert die Weite der Filmkulisse mit den klaustrophobischen, engen Kammern, in denen seine Helden stecken, entweder in Ketten oder neben rasenden Psychopathen. Noch wichtiger ist, dass die Geschichte des Films, so simpel sie auch ist, von allen Beteiligten mit äußerster Überzeugung erzählt wird. Crowe verleiht seinem Helden eine brutale Sensibilität und Intelligenz, die ihn von den glühenden Langweilern unterscheidet, die auf „Gladiator“ folgten (Gerard Butler in „300“, ich schaue dich an), und Joaquin Phoenix reißt jede überschriebene Zeile in sich hinein, als wäre sie ein saftiges Steak, und gibt eine herrlich hämische Vorstellung. Der Film unterscheidet sich von seinen Vorgängern, indem er die Sterblichkeit stärker betont, sowohl die Angst davor als auch die Notwendigkeit, sie zu akzeptieren, wenn sie kommt (das Hauptthema in Scotts Werken). Es macht nicht viel aus, dass „Gladiator“ größtenteils vertraut ist, denn verdammt, er funktioniert einfach.

„Matchstick Men“ (2003)

„Matchstick Men“ ist einer von Ridley Scotts bescheidensten Filmen, und einer seiner persönlichsten. Als ewig akribischer Filmemacher fand er zweifellos eine Verbindung zu Nicolas Cages OCD-getriebenem Hochstapler, dessen Zustand Scott die Möglichkeit gibt, mit Beleuchtung und Montage zu experimentieren, nicht nur als atmosphärischen Touch, sondern als Notwendigkeit. Jeder Lichtstrahl ist eindringlich, jeder schnelle Schnitt ein Weg, uns in Cages verzweifelten Geisteszustand zu versetzen. Das Drehbuch von Ted und Nicholas Griffin bietet eine lange Betrugsgeschichte, die eines David Mamet würdig ist, und Scott trifft eine kluge Wahl, indem er den neurotischen Cage mit einem ähnlich schrägen, aber unverschämteren Sam Rockwell zusammenbringt. Die wahre Offenbarung ist jedoch Alison Lohman als Cages entfremdete Tochter, deren Mischung aus schwindelerregender Naivität und Frühreife ein willkommenes Gegengewicht zu all dem männlichen Händeringen ist. Ihre Beziehung zu Cage macht das, was eine kalte Übung hätte sein können, zu einem von Scotts wärmsten Filmen.

„Black Hawk Down“ (2001)

„Black Hawk Down“ ist Scotts am wenigsten charakterorientierter Film, aber das macht Sinn in einem Film, in dem es weniger um Individuen als um eine kollektive Kraft von Männern geht, die in einer unmöglichen Situation zusammenarbeiten. Scott nimmt den zentralen Konflikt des Films und verwandelt ihn in einen der am stärksten zermürbenden Kriegsfilme der jüngeren Vergangenheit, wobei er den größten Teil des Hurrapatriotismus im Herzen der Geschichte konterkariert. Scott macht den stärksten Gebrauch von Shakycam in seiner Karriere, aber sie ist nie zu aufdringlich und versetzt uns in die Lage der verwirrten, verängstigten Männer inmitten der Schlacht. Vor allem aber ist es ein alptraumhaftes Verfahren, das sich auf den Dreck, den Schmutz und die Eingeweide konzentriert, die verschüttet werden, wenn etwas schief geht.

„The Counselor“ (2013)

Ridley Scotts und Cormac McCarthys „The Counselor“ wurde sowohl vom Publikum als auch von einer Reihe von Kritikern giftig aufgenommen, wobei Salon’s Andrew O’Hehir so weit ging, ihn als „den schlechtesten Film aller Zeiten“ zu bezeichnen. Aber der Film hat schnell eine glühende Kultanhängerschaft entwickelt (die seit der Veröffentlichung des Extended Cut nur noch wächst) für jeden, der auf der erbarmungslosen Wellenlänge des Films liegt. „The Counselor“ ist einer der perversesten Filme der letzten Jahre, weil er so entschlossen ist, sich gegen die Konventionen zu stellen und das Publikum zu entfremden, indem er McCarthys grimmiges, deterministisches Porträt der Hybris zu seinem logischen Endpunkt führt. Scotts lebenslange Besessenheit von der Sterblichkeit passt perfekt zu McCarthys Fatalismus, und er kontrastiert die Glätte und Sterilität der Innenräume mit der Härte der Wüste, um zu suggerieren, dass etwas Gewalttätiges und Ursprüngliches im Begriff ist, den verschwenderischen, isolierten Lebensstil seiner Figuren zu zerstören. Das Drehbuch widmet sich mehr langen, blumig geschriebenen Gesprächen über Tod, Mord, Sex und die Bedeutung von all dem als irgendwelchen „Payoffs“ (obwohl die Actionszenen, die es gibt, grandios, wenn auch brutal sind), aber das ist größtenteils im Dienste eines Films, der mit Leuten gefüllt ist, die denken, dass sie zu schlau sind, um zu Fall gebracht zu werden, nur um herauszufinden, dass die Dinge jenseits ihrer Kontrolle liegen und sie nicht auf das vorbereitet sind, was kommt.

„The Duellists“ (1977)

Scotts Debüt legt nicht nur fest, was für ein Regisseur Scott war, sondern auch die beiden Hauptthemen seiner Filmografie: Besessenheit und Sterblichkeit. Ersteres wird von Harvey Keitels Feraud repräsentiert, einem Mann mit einer altmodischen Auffassung von Ehre, der eine lebenslange Besessenheit von David Carradines d’Hubert entwickelt und ihn in einem Duell besiegt. Letzteres ist d’Huberts größte Angst, die Scott wunderbar in einem Duell illustriert, das durch Stakkato-Zwischensequenzen seines Lebens, die vor seinen Augen aufblitzen, unterbrochen wird. Scotts malerischer Stil lehnt sich an Kubricks „Barry Lyndon“ an, aber der Film hat seinen eigenen Rhythmus, ein ständiger Marsch in Richtung Leben-oder-Tod-Konflikt, selbst in den kurzen Momenten des Innehaltens. Scott schafft es auch, jedes Duell anders zu inszenieren, von einem frühen Schwertkampf in einer weiten Einstellung, die Keitels Körperlichkeit hervorhebt, bis zu einem finalen Pistolenkampf, der Nebel wie ein Leichentuch verwendet. Und obwohl „The Duellists“ nicht an das Meisterwerk herankommt, an dem er sich eindeutig orientiert hat, muss selbst Kubrick seinen Hut vor der letzten Einstellung des Films ziehen, einem der besten Lens Flares, die je auf Film gebannt wurden.

„Thelma & Louise“ (1991)

Scotts Comeback-Film nach fast einem Jahrzehnt voller Enttäuschungen ist immer noch gewagt, ein Film, der seine beiden Heldinnen (nebenbei bemerkt, wie viele Hollywood-Filme tun das heutzutage?) in ein fast durchweg heldenhaftes Licht rückt, selbst wenn sie das Gesetz brechen. Das Drehbuch von Callie Khouri wechselt blitzschnell zwischen unbeschwerter Komödie und Drama hin und her (Thelmas Flirts bis hin zu ihrer Beinahe-Vergewaltigung und der anschließenden Rettung durch Louise; Thelma hat eine Affäre mit einem fast unmöglich gut aussehenden Brad Pitt und verliert dann ihr Geld an ihn), aber die Übergänge sind fließend und meisterhaft. Scotts visueller Stempel ist durchgängig offensichtlich, denn er verleiht dem Film einen allgegenwärtigen Dunst, wenn die Dinge für seine Heldinnen immer düsterer werden. Und während die männlichen Charaktere ein wenig zu breit gezeichnet sind, entweder reuelose Rüpel oder Heilige (Pitt beiseite), ist es schwer, sich zu sehr darum zu kümmern, wenn er seinen Schauspielerinnen zwei reiche Charaktere bietet, eine ewig dümmliche (Geena Davis, die wieder in mehr Filmen mitspielen sollte), eine weltmüde und traurige (Susan Sarandon). Der Schluss des Films ist besonders großartig, irgendwie sowohl niederschmetternd als auch triumphierend, als Thelma & Louise einen Weg findet, das System zu schlagen, das gegen sie gerichtet ist.

„Königreich der Himmel“ (2005)

Die Kinofassung von „Königreich der Himmel“ ist ein Chaos: Das Tempo ist abgehackt, die Charaktere sind schlecht definiert, die Nebenhandlungen laufen ins Leere und der Kommentar zum modernen religiösen Konflikt ist dünn. Der auf 191 Minuten gekürzte Director’s Cut des Films ist fast ein Meisterwerk, denn er gibt den Beziehungen der Charaktere mehr Substanz, eine kohärentere Struktur, ein zielgerichteteres Tempo und echtes thematisches Gewicht sowie den Schwung im Stil von „Lawrence von Arabien“, den Scott anstrebt. Die schauspielerischen Leistungen wechseln von vernachlässigbar zu reichhaltig, insbesondere Edward Nortons subtil ausdrucksstarke Performance als leprakranker König, Eva Greens pragmatische Königin und Ghassan Massouds mitfühlender islamischer Führer Saladin. Selbst der ewig ausdruckslose Orlando Bloom ist wirkungsvoll genug, wenn seine Geschichte wiederhergestellt ist, seine Glaubenskrise glaubwürdiger. Was in den Kinos zu „‚Gladiator‘ Goes Crusading“ geschlachtet wurde, verwandelt sich in ein nachdenkliches Epos über religiöse Konflikte und die Notwendigkeit für alle Seiten, das Leben anderer wertzuschätzen.

„Blade Runner“ (1982)

Der wohl beste Film von Ridley Scott, „Blade Runner“, hat sich vom Kult-Klassiker zum fast universell anerkannten Meisterwerk entwickelt. Es ist der visuell dichteste Film des Regisseurs, jedes Bild strotzt vor Details und Lebendigkeit, jedes bisschen Hell-Dunkel trägt zur melancholischen Stimmung des Films bei. Es ist auch Scotts moralisch komplexester Film, mit einem Helden (Harrison Ford, perfekt abgestumpft), dessen Mission völlig unheroisch ist, einem Bösewicht (Rutger Hauer), der eine messianische Figur ist und versucht, sein Volk am Leben zu erhalten, und einer Stadt, die ein totales Ödland ist, gefüllt mit rassistischen Polizisten und ethnischen Konflikten (die Replikanten sind Bürger zweiter Klasse). Es ist ein Film, in dem fast jeder Charakter in einer existenziellen Krise steckt, und was sie alle zusammenbringt (im übertragenen Sinne, wenn auch nicht wörtlich), ist ihr gemeinsamer Wunsch nach Leben, die Angst vor dem Tod und die Furcht, dass sie vergessen werden, wenn sie nicht mehr da sind. Was ist menschlicher als das?

„Alien“ (1979)

Ridley Scotts bahnbrechender Film ist auch nach heutigen Maßstäben revolutionär. Sein letztes Mädchen (Sigourney Weaver) bleibt nicht, weil sie ein zum Überleben bestimmter Typ ist, sondern weil sie die klügste und widerstandsfähigste der Crew ist. Der Kontrast zwischen langsamem, methodischem Tempo und abrupten Gewaltausbrüchen ist ein Modell dafür, wie man einen perfekten Horrorfilm macht. Die Entwürfe von H.R. Giger gehören immer noch zu den größten und monströsesten aller Zeiten. Vor allem aber kommt Ridley Scotts Besessenheit von der Sterblichkeit durch, und jeder Tod hat dadurch Gewicht. Scott baut jedes Stückchen Gewalt auf, weil er weiß, dass die Angst vor dem Tod oft größer ist als der Tod selbst, und dass das Zeigen dieser Angst ihn konkreter und unausweichlicher erscheinen lassen wird. Die berühmte „Chestburster“-Szene wurde endlos parodiert und referenziert, doch der panische Gesichtsausdruck der Schauspieler (der echt ist, da keiner von ihnen wusste, dass es passieren würde) und das Verprügeln von John Hurts hilflosem Astronauten halten sie beängstigend. Selbst mit drei Fortsetzungen, zwei von Fanboys gepitchten Spinoffs und einem ambitionierten, aber chaotischen Prequel steht „Alien“ als einzigartige Leistung da.

Zum Schluss: In ein paar Wochen werden wir wissen, ob Ridley Scotts neuer Film „Exodus: Götter und Könige“ ein weiterer Triumph für den Regisseur ist oder ein Zeichen dafür, dass er einmal zu oft zum epischen Brunnen zurückgekehrt ist. Danach wird er sich mit „The Martian“ mit Matt Damon in der Hauptrolle wieder der Science-Fiction zuwenden und Fortsetzungen zu „Blade Runner“ und „Prometheus“ produzieren. Scott hat auch ein paar sehenswerte Kurzfilme gedreht: das Filmschulprojekt „Boy and Bicycle“ und seinen Apple-Werbespot „1984“, ein minutenlanges Schaufenster für Scotts Gabe für Produktionsdesign und Licht. Schließlich könnte man ein Buch über all die Filme schreiben, die Scott fast gemacht hätte, die von faszinierend (der Ebola-Epidemie-Thriller „The Hot Zone“, der abgebrochen wurde, als er nicht schnell genug zusammenkam, um „Outbreak“ zu schlagen) über fragwürdig (ein Remake der „Red Riding“-Trilogie) bis hin zu völlig verwirrend („Monopoly“, basierend auf dem Brettspiel…wirklich) reichen.

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