21 Reglas más importantes de composición en fotografía
Hay una serie de reglas importantes de composición en fotografía.
La composición en fotografía tiene que ver con lo que debes incluir o dejar fuera de tu encuadre. También se trata de cómo decides colocar los elementos en la escena.
En lugar de pensar en estas como «reglas», piensa en ellas como directrices para hacer tus imágenes más atractivas e interesantes visualmente.
1. Utiliza la regla de los tercios para añadir interés
Componer utilizando la regla de los tercios significa colocar el sujeto principal a un tercio de la imagen. Colocar el sujeto fuera del centro es mucho más interesante que colocarlo en el centro.
Muchas cámaras, incluidos los smartphones, pueden superponer una cuadrícula de la Regla de los Tercios en la pantalla. Parece un juego de tres en raya. Dos líneas horizontales y dos verticales dividen el encuadre en tercios.
Cuando fotografíes, coloca tu sujeto principal en una de las líneas. Ya sea en horizontal o en vertical.
Los «puntos de choque» están donde se cruzan las líneas. Si puedes, coloca tu sujeto de enfoque donde se cruzan las líneas.
2. Simplificar una escena con la Regla de las probabilidades Simplificar una escena con la regla de las probabilidades
La regla de las probabilidades es una forma de simplificar una escena compleja con muchos sujetos posibles. En general, un número impar de sujetos nos parece más interesante que un número par.
Tres es un número mágico, pero cinco o siete también funcionan.
La Regla de los Impares nos ayuda a seleccionar nuestros sujetos de forma reflexiva. La regla nos orienta sobre qué incluir y qué dejar fuera.
La Regla de los Impares también nos recuerda que debemos aislar a nuestro sujeto en una escena concurrida. Uno es un número impar.
3. Enfoca a tu sujeto llenando el encuadre
Llenar el encuadre es acercarse a tu sujeto. Realmente cerca.
Haz que tu sujeto principal sea claro y distinto. Pregúntate, ¿cuánto cielo necesitas realmente? Cuánto fondo?
Podemos llenar el encuadre utilizando un objetivo zoom y acercándonos fotográficamente a nuestro sujeto. Pero a menudo es mejor «hacer zoom con los pies». Acércate físicamente a tu sujeto.
En el postprocesado, considera la posibilidad de recortar más el sujeto para llenar el encuadre.
4. Elige una profundidad de campo adecuada
La profundidad de campo consiste en decidir qué parte de la imagen debe estar enfocada. No es tanto una regla como una decisión de composición que debes tomar.
Una profundidad de campo escasa significa que sólo una pequeña parte de la imagen está enfocada, normalmente el sujeto. El fondo está borroso.
Una profundidad de campo profunda significa que la imagen está enfocada desde el frente hasta el fondo.
Utilice una profundidad de campo poco profunda para difuminar los fondos que distraen. Los fotógrafos deportivos desenfocan los fondos para que los atletas destaquen entre la multitud. Para obtener una profundidad de campo poco profunda, utilice una apertura amplia como f2.8.
Generalmente, utilice una profundidad de campo profunda para la fotografía de paisajes. Para conseguir enfocar toda la escena, utiliza una apertura estrecha como f16.
5. Utiliza la mejor orientación para la escena
La orientación y la relación de aspecto determinan qué parte de la escena capturas en una imagen.
La orientación se refiere a si estás sujetando la cámara en horizontal o en vertical. La relación de aspecto es el tamaño de la imagen tomada por la cámara.
Si hay muchos elementos verticales o altura en su imagen, utilice la orientación vertical. Sostenga su cámara verticalmente.
Si hay muchos elementos horizontales o anchura en su imagen, utilice la orientación horizontal. Sostenga su cámara horizontalmente.
No olvide que tiene una opción de panorama. Normalmente pensamos en las panorámicas como imágenes largas y horizontales, pero también pueden ser verticales.
A menudo hago la toma en ambos sentidos y veo lo que me gusta después. A menudo pruebo diferentes relaciones de aspecto y recortes en el posprocesamiento.
6. Endereza las líneas para conseguir una imagen estéticamente agradable
Derecha las líneas que deben ser rectas.
No todas las líneas de una imagen tienen que ser rectas, pero hay algunas líneas que se espera que sean rectas. Por ejemplo, la línea del horizonte en un paisaje. La inclinación del horizonte en una imagen se nota inmediatamente y distrae.
Muchas cámaras y trípodes incluyen un nivel. Utiliza estas herramientas para ayudar a orientar tu cámara. También es fácil corregir una línea inclinada en el post-procesamiento.
Las líneas rectas también son importantes en la arquitectura. El uso de un objetivo gran angular suele distorsionar las líneas. Deje espacio a ambos lados de un edificio para poder enderezar las líneas en el post-procesamiento.
En una imagen con muchas líneas diferentes, elija una para que sea su foco principal. Haz que esta línea sea recta aunque las demás estén un poco desviadas.
7. Crea profundidad con líneas de dirección
Nuestros ojos siguen naturalmente las líneas a través de una imagen. Las líneas de dirección dirigen nuestros ojos hacia el sujeto principal. Bien usadas, las líneas conductoras crean una sensación de profundidad.
Las líneas pueden ser líneas reales o estar implícitas en los elementos de la escena.
A veces las líneas son rectas y conducen directamente al sujeto. Otras veces, el recorrido es indirecto. Las curvas en S son las favoritas de los fotógrafos.
Las líneas que conducen a algún sitio. Si una línea no lleva a ninguna parte o conduce al ojo fuera del encuadre, cambia su posición. Muévete a la izquierda o a la derecha o hacia arriba o hacia abajo.
8. Utiliza las líneas diagonales para añadir energía
Las líneas diagonales añaden interés y energía a la composición fotográfica. Intenta fotografiar las líneas en una fuerte diagonal en lugar de en línea recta a través del marco.
Asegúrate de que tu diagonal es obvia. Una pequeña inclinación de una línea parece un error.
Piensa en dónde se cruzan las líneas entre sí. Las líneas convergentes atraen la mirada. Además, ten en cuenta dónde entran o salen las líneas del encuadre. Los fotógrafos a veces intentan que una línea entre o salga del encuadre en una esquina.
9. Atraer la atención utilizando la luz Atraer la atención usando la luz
Nuestros ojos se dirigen naturalmente a la parte más brillante de una imagen. Saber esto afecta a cómo componemos una imagen. El sujeto principal debe ser la parte más brillante de la imagen.
Los fotógrafos de retratos utilizan el flash o los reflectores para resaltar los rostros de sus modelos.
En el posprocesamiento, técnicas como el esquivado y el quemado dirigen la mirada. El desenfoque consiste en aclarar selectivamente ciertas partes de la imagen. El quemado consiste en oscurecer selectivamente ciertas partes de la imagen.
10. Usar el espacio negativo alrededor de los objetos
El espacio negativo es el uso del espacio entre o alrededor de los sujetos como un elemento importante en la imagen. El espacio negativo se convierte en su propio tema con su propia forma.
El espacio negativo puede mostrar la escala o implicar una emoción como el «vacío».
A veces es difícil ver el espacio negativo porque estamos muy acostumbrados a centrarnos en un sujeto. Prueba a darle la vuelta a tus imágenes en el post-procesamiento. Esto te ayudará a ver el espacio sin centrarte demasiado en los detalles de tu sujeto principal.
11. Equilibra los sujetos para conseguir simetría y equilibrio visual
El equilibrio visual es la relación entre dos o más elementos en tu composición. Los elementos parecen equilibrados. Uno no es visualmente más pesado que el otro.
Componer simétricamente crea un equilibrio visual. La mitad izquierda de la imagen coincide con la derecha, o la mitad superior con la inferior. Los reflejos en las fotografías funcionan tan bien porque muestran simetría.
Incluso las imágenes no simétricas necesitan equilibrio visual. Equilibre un sujeto grande y visualmente pesado en un lado del encuadre con muchos sujetos más pequeños en el otro. Equilibre un elemento de primer plano con un elemento de fondo.
12. Cambia tu perspectiva
La perspectiva tiene que ver con el lugar en el que te encuentras en relación con el sujeto. Cambiar la perspectiva significa bajar o subir.
Todo el mundo ve el mundo más o menos desde la misma perspectiva: a la altura de los ojos. Puedes hacer que las imágenes sean más interesantes utilizando una perspectiva diferente.
Fotografiar desde un ángulo bajo hace que el sujeto parezca más poderoso.
También es divertido cambiar la perspectiva y subir a lo alto. Esta es una de las razones por las que la fotografía con drones es tan interesante. Rara vez tenemos esta vista de pájaro de nuestro mundo.
Utilizar una perspectiva baja es importante cuando se fotografían sujetos cercanos al suelo. También es importante cuando se fotografían niños. Ponte a la altura de sus ojos.
13. Enfatiza tu sujeto principal con la Regla de Oro
La Regla de Oro consiste en colocar tu sujeto principal en una parte importante de tu encuadre. Esta regla es como la Regla de los Tercios. Pero la Regla de Oro sugiere una disposición diferente de los elementos compositivos.
La Regla de Oro se basa en la Proporción Áurea. La proporción áurea es un fenómeno matemático que se produce de forma natural. El mundo natural favorece la relación 1 a 1,618. Matemáticamente, esto puede no significar nada para ti, pero visualmente, lo ves en todas partes. La representación visual más común de la Regla de Oro son las espirales de una concha marina.
En la fotografía, la Regla de Oro se representa bien como una cuadrícula o como una espiral.
Algunas cámaras permiten ver una superposición de la Regla de Oro o de la Relación Dorada en el visor. Lightroom también cuenta con superposiciones que le ayudan a recortar las imágenes utilizando la Regla de Oro.
14. Capturar el movimiento de izquierda a derecha
Leemos las imágenes como leemos el texto, de izquierda a derecha. El movimiento en una fotografía también debe moverse de izquierda a derecha en el encuadre. Esta regla de composición es especialmente importante para los fotógrafos de vida salvaje y deportes/acción.
No siempre es fácil capturar el movimiento de izquierda a derecha en el mundo real. Voltee su imagen horizontalmente en el post-procesamiento para crear un movimiento de izquierda a derecha. Esto suele funcionar siempre que no haya texto en la imagen.
Asegúrate de dejar espacio en el encuadre para que el sujeto pueda moverse. Esto significa dejar espacio a la derecha del sujeto. De lo contrario, parecerá que el sujeto se está moviendo fuera del encuadre.
15. Incorpora patrones y repeticiones para lograr composiciones más fuertes
A nuestro cerebro le gustan los patrones y las repeticiones. Incluso imponemos patrones a elementos aleatorios. Piensa en lo bien que nos lo pasamos encontrando patrones en las nubes. Incorporar la repetición y el patrón hace que nuestras composiciones fotográficas sean más fuertes e interesantes.
La repetición y el patrón se encuentran a menudo en las formas y el color.
Es posible que tenga que cambiar su perspectiva para hacer que los patrones destaquen. Observa cómo el cambio de perspectiva altera el espaciado o esconde el patrón.
Añadir contraste a la repetición hace que tus fotos sean aún más dinámicas. El elemento de contraste puede ser un color, una forma o una altura diferentes. Romper el patrón enfatiza el patrón.
16. Encuentra una relación entre los elementos
Busca relaciones interesantes entre los elementos de tu imagen.
Por ejemplo, busca la tensión. Dos elementos que parecen tirar el uno del otro crean tensión visual. Los colores chocan, o hay una discrepancia de tamaño.
Los fotógrafos de calle suelen yuxtaponer elementos. Algo en el entorno entra en conflicto con la gente en la calle. Esto puede crear humor o sugerir una idea más profunda.
La teoría del color trata de cómo se relacionan los colores en tu imagen. La teoría del color se representa a menudo como una rueda de color. Los colores que se encuentran frente a frente en la rueda son complementarios.
17. Simplificar las imágenes para captar la esencia
Simplificar significa incluir sólo lo que necesitas en la imagen. Quita todo lo que no necesitas.
Simplificar una imagen no significa crear imágenes minimalistas. La simplicidad es destilar la idea de una fotografía en su forma más pura.
Decide de qué trata tu foto. A continuación, elimina todo lo que no tenga que ver con esta idea.
18. Atrae los ojos con el encuadre
Con el encuadre, un elemento de tu imagen se sitúa dentro de otro elemento. Esto crea un marco dentro de su marco. Por ejemplo, puedes fotografiar a través de una ventana o de una abertura en los árboles.
Los encuadres añaden profundidad y atraen nuestros ojos hacia la imagen y el sujeto principal.
19. Utiliza las capas para conseguir profundidad y dimensión. Utiliza la estratificación para obtener profundidad y dimensión
La estratificación consiste en buscar elementos que se apilen desde la parte delantera hasta la trasera de tu imagen. La estratificación añade profundidad y dimensión.
La estratificación incluye añadir un elemento de primer plano a un paisaje. En lugar de que la escena esté en el mismo plano, un elemento de primer plano lleva al espectador a la escena. Las rocas o las flores son elementos naturales de primer plano.
Las capas deben ser visualmente distintas en color o luz. Esto ayuda a evitar las fusiones y permite al ojo distinguir fácilmente las capas.
20. Evita las fusiones
Las fusiones se producen cuando los elementos de una imagen se superponen de una forma que dificulta la separación por parte de nuestros ojos. Nuestros ojos 3D separan las cosas separadas por la distancia. Pero en una fotografía en 2D, los objetos se apelmazan especialmente si son similares en color o sombreado.
Observe las distracciones del fondo. Es fácil pasar por alto una rama de árbol que parece salir de la cabeza de alguien. O que parezca que la gente tiene extremidades de más.
Para crear una composición clara, asegúrate de que el sujeto principal tiene espacio a su alrededor. Si los objetos o las personas se superponen, muévete hacia la izquierda o la derecha. Cambiar el ángulo, incluso ligeramente, a menudo puede deshacerse de las fusiones.
21. Comprueba los bordes en busca de distracciones
Por último, antes de tomar una fotografía, escanea los bordes de tu encuadre. A menudo estamos tan centrados en nuestro sujeto principal que nos olvidamos de mirar todo el encuadre.
Busca el espacio atrapado. El espacio atrapado se produce cuando un objeto y el borde del encuadre se cruzan para crear una forma extraña de luz.
También, fíjate en cómo los objetos o las personas quedan cortados por el borde del encuadre.
Algunos fotógrafos viven según la regla: «Incluir todo o no incluir nada». Esto significa que en lugar de cortar un objeto o una persona por el borde del encuadre, es mejor cortarlo por completo.
Otros fotógrafos no tienen problema en cortar un objeto o una persona siempre que el recorte parezca natural.
Los fotógrafos de retratos intentan no cortar a las personas en las articulaciones.
Conclusión
Las decisiones de composición marcan la diferencia entre una instantánea y una gran fotografía. Seguir estas reglas de composición fotográfica es una gran forma de hacer imágenes más impactantes.
Pero no hay una única forma correcta de ver el mundo. Una vez que domine las reglas de composición fotográfica, es el momento de doblarlas o romperlas.
Use estas reglas de composición fotográfica como guías para ayudarle a decidir qué incluir en su imagen y cómo colocar los elementos.
¡A veces lo correcto es romper las reglas de composición!