Enchanted (película)
DesarrolloEditar
El guión inicial de Enchanted, escrito por Bill Kelly, fue comprado por Touchstone Pictures y Sonnenfeld/Josephson Productions de Disney por una suma reportada de 450.000 dólares en septiembre de 1997. El guión se escribió durante tres años, pero se pensó que no era adecuado para Walt Disney Pictures porque era «una película con clasificación R más racista», inspirada en las películas de comedia para adultos de los años 80 y 90, como Fast Times at Ridgemont High y American Pie. En el primer borrador del guión se confundía a Giselle con una stripper cuando llegaba a Nueva York. Para frustración de Kelly, el guión fue reescrito varias veces, primero por Rita Hsiao y luego por Todd Alcott. El estreno de la película estaba previsto inicialmente para 2002 con Rob Marshall como director, pero éste se retiró por «diferencias creativas» entre los productores y él. En 2001, el director Jon Turteltaub iba a dirigir la película, pero la abandonó poco después, para trabajar posteriormente con Disney y Jerry Bruckheimer en la franquicia National Treasure. Adam Shankman se convirtió en el director de la película en 2003, mientras que Bob Schooley y Mark McCorkle fueron contratados por Disney para reescribir el guión una vez más. En ese momento, Disney consideró ofrecer el papel de Giselle a Kate Hudson o Reese Witherspoon. Sin embargo, el proyecto no despegó.
El 25 de mayo de 2005, Variety informó de que Kevin Lima había sido contratado como director y Bill Kelly había vuelto al proyecto para escribir una nueva versión del guión. Lima trabajó con Kelly en el guión para combinar la trama principal de Encantada con la idea de un «cariñoso homenaje» a la herencia de Disney. Creó impresiones visuales del storyboard que cubrían la historia de Encantada de principio a fin, que llenaban toda una planta de un edificio de producción. Después de que Lima se los mostrara a Dick Cook, el presidente de los Estudios Walt Disney, recibió luz verde para el proyecto y un presupuesto de 85 millones de dólares. Lima empezó a diseñar el mundo de Andalasia y a hacer el storyboard de la película antes de elegir un reparto para los personajes. Una vez contratados los actores, participó en el diseño final de la película, que aseguraba que los personajes animados se parecieran a sus homólogos de la vida real.
FilmaciónEdición
Enchanted es el primer largometraje híbrido de acción real y animación tradicional de Disney desde Quién engañó a Roger Rabbit en 1988, aunque los personajes de animación tradicional no interactúan en el entorno de acción real del mismo modo que lo hacían en Roger Rabbit; Sin embargo, hay algunas escenas en las que los personajes de acción real comparten la pantalla con personajes animados bidimensionales, por ejemplo, un Nathaniel de acción real que se comunica con una Narissa dibujada en cel, que está en una olla. La película utiliza dos relaciones de aspecto; comienza en 2,35:1 cuando se muestra el logotipo de Walt Disney Pictures y el libro de cuentos de Encantada, y luego cambia a una relación de aspecto más pequeña de 1,85:1 para la primera secuencia animada. La película vuelve a cambiar a 2.35:1 cuando se convierte en acción real y nunca vuelve a cambiar, ni siquiera para el resto de las secuencias animadas. Cuando esta película se emitió en las cadenas de televisión, el principio de la película (menos el logotipo y los créditos iniciales) se mostró en la relación de aspecto 4:3; el resto de la película se mostró en la relación de aspecto 16:9 cuando se convierte en acción real. Lima supervisó la dirección de las secuencias de acción real y de animación, que se producían al mismo tiempo. Enchanted tardó casi dos años en completarse. La animación tardó cerca de un año en terminarse, mientras que las escenas de acción real, que se empezaron a rodar en Nueva York durante el verano de 2006 y se completaron durante el proceso de animación, se rodaron en 72 días.
Edición de la animación
De los 107 minutos de duración de la película, diez de los aproximadamente 13 minutos de animación están al principio de la misma. Lima trató de «meter todas las imágenes icónicas de Disney» que pudo en los primeros diez minutos, que se hicieron en animación tradicional al cel (en contraste con la animación 3D generada por ordenador) como un homenaje a las películas de cuentos de hadas de Disney del pasado, como La Bella Durmiente, Cenicienta y Blancanieves y los siete enanitos. Se trata de la primera película de Disney estrenada en los Estados Unidos con animación tradicional en celdas desde Pooh’s Heffalump Movie (2005). Esta película, aunque bastante diferente en cuanto a su argumento de cualquier película anterior de Disney, también contenía obvios homenajes a otras películas de Disney del pasado lejano, como Old Yeller, The Shaggy Dog, Swiss Family Robinson, Bon Voyage! y Savage Sam. Como la mayoría de los artistas de animación tradicional de Disney fueron despedidos tras el boom de los gráficos por ordenador de finales de los 90, los 13 minutos de animación no se hicieron en la empresa, sino en la compañía independiente James Baxter Animation, con sede en Pasadena, fundada por el antiguo animador de Disney Baxter.
Aunque Lima quería que la animación fuera nostálgica, quería que Encantada tuviera un estilo propio. El equipo de Baxter decidió utilizar el Art Nouveau como punto de partida. Para Giselle, el personaje animado dibujado a mano tenía que ser «un cruce entre Amy Adams y una princesa clásica de Disney. Y no una caricatura». Viendo a Giselle como «una chica del bosque, una ninfa inocente con flores en el pelo» y «un poco hippie», los animadores querían que fuera «fluida, con su pelo y su ropa. Delicada». Para el príncipe Eduardo, el equipo de Baxter «fue el que más trabajó en él para que se pareciera al actor» porque los príncipes «en este tipo de películas suelen ser muy sosos». Para Narissa se hicieron muchos prototipos, ya que el equipo de Baxter quería que su cara «se pareciera a la de Susan Sarandon». Y el vestuario tenía que coincidir con el diseño de acción real».
Para mantener la continuidad entre los dos medios, Lima trajo a la diseñadora de vestuario Mona May durante las primeras etapas de la producción de la película para que el vestuario estuviera alineado tanto en el mundo de la animación como en el de la acción real. También rodó algunas secuencias de acción real de Amy Adams como Giselle para que los animadores las utilizaran como referencia, lo que también permitió que el movimiento físico del personaje coincidiera en ambos mundos. Las escenas de prueba realizadas por los animadores se mostraron a los actores, lo que les permitió ver cómo se moverían sus seres animados.
Edición de acción real
La fotografía principal comenzó en abril de 2006 y terminó en julio de 2006. Debido a la ambientación de la secuencia, las escenas de acción real se rodaron en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, el rodaje en Nueva York resultó problemático, ya que se encontraba en un «estado constante de nuevas tiendas, andamios y renovaciones».
La primera escena en Nueva York, que presenta a Giselle saliendo de una alcantarilla en medio de Times Square, se rodó en el centro de la plaza. Debido a las dificultades para controlar a la multitud durante el rodaje en Times Square, en la escena aparecen peatones en general con extras contratados colocados en el primer plano inmediato. Asimismo, una multitud se reunió para ver cómo James Marsden y Timothy Spall rodaban sus escenas en Times Square. Sin embargo, la escena que Lima consideró más difícil de rodar fue el número musical «That’s How You Know», en Central Park. La escena, de cinco minutos de duración, tardó 17 días en terminarse debido a las cambiantes condiciones meteorológicas, que sólo permitieron rodar siete días soleados. El rodaje también se vio obstaculizado en ocasiones por los fans de Patrick Dempsey. La escena fue coreografiada por John O’Connell, que había trabajado en Moulin Rouge! con anterioridad, y contó con 300 extras y 150 bailarines.
Muchas escenas se rodaron en los estudios Steiner, que proporcionaron los tres grandes escenarios que Enchanted necesitaba en las mismas instalaciones. Otras localizaciones exteriores fueron el puente de Brooklyn y The Paterno, un edificio de apartamentos con una fachada curva, muy adornada y de color marfil, situado en la esquina de Riverside Drive y la calle 116, que es la residencia de los personajes de la película, Robert y Morgan.
Diseño de vestuarioEditar
Todo el vestuario de la película fue diseñado por Mona May, que ya había trabajado en Clueless, The Wedding Singer y The Haunted Mansion. Para crear el vestuario, May pasó un año en la preproducción trabajando con los animadores y su departamento de vestuario de 20 personas, mientras contrataba a cinco tiendas de vestuario externas en Los Ángeles y Nueva York. Se involucró en el proyecto durante el tiempo en que los animadores diseñaban las caras y los cuerpos de los personajes, ya que tenían que «trasladar los trajes de los dibujos bidimensionales a la proporción humana de acción real». Su objetivo era mantener los diseños «Disneyianos hasta la médula, pero aportando un poco de moda y humor y convirtiéndolos en algo nuevo». Sin embargo, May admitió que esto era difícil «porque se trata de personajes icónicos de Disney que han estado en la psique del público espectador durante mucho tiempo».
Para el personaje de Giselle, su viaje para convertirse en una mujer real se refleja en sus vestidos, que se vuelven menos de cuento de hadas a medida que avanza la película. Su vestido de novia al principio de la película contrasta directamente con su vestido moderno al final de la misma. El vestido de novia servía para proporcionar un «enorme contraste con los dibujos planos» y para acentuar la imagen de una princesa Disney. Para que la cintura parezca pequeña, las mangas están diseñadas para ser «extremadamente esponjosas» y la falda para ser lo más grande posible, lo que incluía un aro metálico que sostiene 20 capas de enaguas y volantes. En total, se hicieron once versiones del vestido para el rodaje, cada una de ellas hecha con 200 yardas (183 m) de raso de seda y otros tejidos, y con un peso aproximado de 40 libras (18 kg). Sobre la experiencia de llevar el vestido de novia, Amy Adams la describió como «agotadora», ya que «todo el peso recaía sobre sus caderas, por lo que en ocasiones se sentía como si estuviera en tracción».
A diferencia de Giselle, el príncipe Eduardo no se adapta al mundo real y a James Marsden, que interpreta a Eduardo, sólo se le diseñó un traje. El objetivo de May era intentar «no perder a Marsden en la locura del traje… en el que sigue estando guapo». El traje también incluía relleno en el pecho, las nalgas y la entrepierna, lo que daba a Marsden las «mismas proporciones exageradas de un personaje animado» y «la postura: su espalda es recta, las mangas están levantadas y nunca se hunden».
May estaba encantada de que Lima «apostara por algo más a la moda» con la reina Narissa de Susan Sarandon. Decidió hacerla parecer una «dama de pasarela», vistiendo algo que «sigue siendo Disney» pero también «de alta costura, como algo que podría diseñar John Galliano o Thierry Mugler». Como Narissa aparece en tres medios: animación dibujada a mano, acción en vivo y animación por ordenador, May tuvo que asegurarse de que el traje fuera el mismo en todo momento en términos de «color, forma y textura». El traje de Narissa consistía en un corsé y una falda de cuero de aspecto «reptiliano», además de una capa. Trabajando con los animadores, May incorporó partes de la forma del dragón en el traje; la capa se diseñó para que parecieran alas, las capas de la falda se envolvían como una cola y una corona que se convertiría en cuernos durante la transformación de Narissa en dragón.
MúsicaEdit
La partitura de la película fue escrita por el consumado cantautor y compositor Alan Menken, que ha trabajado en varias películas de Disney anteriormente. Su compañero Stephen Schwartz escribió las letras de seis canciones, también compuestas por Menken. Menken y Schwartz ya trabajaron juntos en las canciones de Pocahontas y El jorobado de Notre Dame.
Menken se involucró en la película en las primeras etapas de su desarrollo e invitó a Schwartz a retomar su colaboración. Comenzaron el proceso de composición buscando los momentos adecuados de la historia en los que se permitiera un momento de canción. Schwartz descubrió que era más fácil justificar las situaciones en las que los personajes estallaban en canciones en Encantada que en otros musicales de acción real, ya que su concepto «permitía a los personajes cantar de una forma totalmente integrada en la trama de la historia». Las tres canciones que canta Giselle contienen referencias a películas anteriores de Disney. La primera canción que se interpreta en la película, «True Love’s Kiss», fue escrita para ser «una parodia y un homenaje al estilo de esas películas de animación de Disney», a saber, «I’m Wishing» (Blancanieves y los siete enanitos) y «A Dream is a Wish Your Heart Makes» (Cenicienta), en las que las heroínas de Disney cantan sobre la alegría de ser amadas. Supuso un reto para Menken y Schwartz debido a las «muchas ideas preconcebidas con ese número»; tenía que ser un reflejo de la época de Blancanieves y los siete enanitos y Cenicienta. En consecuencia, Amy Adams interpretó la primera canción en un estilo de opereta en contraste con el estilo de Broadway de las canciones posteriores.
Tanto «Happy Working Song» como «That’s How You Know» también rinden tributo a canciones anteriores de Disney. «Happy Working Song» rinde un homenaje lírico a canciones como «Whistle While You Work» (Blancanieves y los siete enanitos), «The Work Song» (Cenicienta), «A Spoonful of Sugar» (Mary Poppins) y «Making Christmas» (The Nightmare Before Christmas), y un homenaje musical a los hermanos Sherman (con un octavo central autoparódico «a lo Alan Menken»). «That’s How You Know» es una autoparodia de las composiciones de Menken para sus largometrajes de Disney, concretamente de números de gran producción como «Under the Sea» (La Sirenita) y «Be Our Guest» (La Bella y la Bestia). Para conseguirlo, Schwartz admitió que tuvo que «ir un poco más allá en cuanto a la elección de las palabras o de ciertas letras», pero manteniendo «la sensibilidad clásica de Walt Disney». Sin embargo, Menken señaló que las canciones que ha escrito para Disney siempre han sido «un poco irónicas». A medida que la película avanza, la música utiliza estilos más contemporáneos, lo que se escucha a través de la balada para adultos «So Close» y el número country/pop «Ever Ever After» (cantado por Carrie Underwood como voz en off).
De las seis canciones completas escritas y compuestas por Menken y Schwartz, cinco se quedaron en la película terminada. La canción principal, «Enchanted», un dúo en el que participan Idina Menzel y James Marsden, fue la única canción de la autoría y composición de Menken y Schwartz que se eliminó de la película.
EfectosEdición
La mayoría de las tomas de efectos visuales de Enchanted fueron realizadas por Tippett Studio en Berkeley, California, que contribuyó con un total de 320 tomas. Estas tomas incluían decorados virtuales, efectos ambientales y personajes de CG que actuaban junto a actores reales, concretamente los animales animados durante la secuencia «Happy Working Song», Pip y el dragón Narissa durante las partes de acción real de la película. CIS Hollywood se encargó de 36 tomas de efectos visuales, que se ocuparon principalmente de la eliminación de cables y de los compuestos. Reel FX Creative Studios se encargó de cuatro tomas de efectos visuales relacionadas con las transiciones de paso de página de los libros pop-up, mientras que Weta Digital se encargó de dos.
De todos los animales que aparecen en la secuencia de «Happy Working Song», los únicos animales reales que se filmaron en el set fueron las ratas y las palomas. Los animales reales capturados en la película ayudaron al estudio Tippett a crear ratas y palomas CG, que ofrecieron interpretaciones dinámicas, como tener palomas que llevaban escobas en el pico y ratas que fregaban con cepillos de dientes. Por otro lado, todas las cucarachas eran personajes CG.
Pip, una ardilla que puede hablar en el mundo 2D de Andalasia, pierde su capacidad de comunicarse a través del habla en el mundo real, por lo que debe depender en gran medida de los gestos faciales y corporales. Por ello, los animadores tuvieron que mostrar las emociones de Pip a través de la actuación, además de hacer que pareciera una ardilla de verdad. El equipo de Tippett comenzó el proceso de animación de Pip observando ardillas vivas que fueron filmadas en movimiento desde «todos los ángulos imaginables», tras lo cual crearon una ardilla fotorrealista mediante el uso de software de gráficos por ordenador en 3D, Maya y Furrocious. Cuando el supervisor de efectos visuales Thomas Schelesny mostró la primera animación de Pip al director Kevin Lima, se sorprendió de que estuviera viendo un personaje CG y no un metraje de referencia. Para realzar las expresiones faciales, los modeladores dotaron a Pip de cejas, que las ardillas reales no tienen. Durante el rodaje de las escenas en las que aparece Pip, se utilizaron varias formas de indicar la presencia física de Pip. En algunas ocasiones, se colocó en la escena una pequeña ardilla de peluche con una armadura de alambre en su interior. En otras situaciones, se utilizaba una varilla con un pequeño marcador en el extremo o un puntero láser para indicar a los actores y al director de fotografía dónde estaba Pip.
A diferencia de Pip, al dragón Narissa se le permitió ser más un personaje de fantasía sin dejar de parecer un personaje vivo y un villano clásico de Disney. El diseño del dragón CG se basó libremente en un dragón chino tradicional y en la bruja de acción real de Susan Sarandon. Durante el rodaje de la escena en la que Narissa se transforma en dragón, se utilizó un palo largo para dirigir las líneas oculares de los extras en lugar de un puntero láser. Las piezas del decorado se hicieron para que se movieran de un lado a otro, además de contar con un montaje de iluminación controlado por ordenador y un cabezal repetitivo en la cámara, todo ello sincronizado. En la secuencia final de la película, en la que Narissa escala el edificio Woolworth mientras agarra a Robert con sus garras, se construyó un equipo de pantalla verde para sostener a Patrick Dempsey con el fin de filmar su rostro y sus movimientos. El equipo era un enfoque de «marioneta» que implicaba un brazo robótico controlado por tres artistas de efectos de suelo diferentes.