Enchanted (film)

DéveloppementEdit

Le scénario initial d’Enchanted, écrit par Bill Kelly, a été acheté par Touchstone Pictures et Sonnenfeld/Josephson Productions de Disney pour une somme déclarée de 450 000 dollars en septembre 1997. Le scénario a été écrit pendant trois ans, mais on a estimé qu’il ne convenait pas à Walt Disney Pictures parce qu’il s’agissait d’un « film racoleur classé R », inspiré des films comiques pour adultes des années 1980 et 1990 tels que Fast Times at Ridgemont High et American Pie. Dans la première version du scénario, Giselle est prise pour une strip-teaseuse à son arrivée à New York. À la grande frustration de Kelly, le scénario a été réécrit plusieurs fois, d’abord par Rita Hsiao, puis par Todd Alcott. Le film devait initialement sortir en 2002 avec Rob Marshall comme réalisateur, mais celui-ci s’est désisté en raison de « différences créatives » entre les producteurs et lui. En 2001, le réalisateur Jon Turteltaub devait réaliser le film mais il est parti peu après, travaillant ensuite avec Disney et Jerry Bruckheimer sur la franchise National Treasure. Adam Shankman devient le réalisateur du film en 2003, tandis que Bob Schooley et Mark McCorkle sont engagés par Disney pour réécrire une nouvelle fois le scénario. À l’époque, Disney avait envisagé d’offrir le rôle de Giselle à Kate Hudson ou Reese Witherspoon. Cependant, le projet n’a pas décollé.

Le 25 mai 2005, Variety a rapporté que Kevin Lima avait été engagé comme réalisateur et que Bill Kelly était revenu sur le projet pour écrire une nouvelle version du scénario. Lima a travaillé avec Kelly sur le scénario pour combiner l’intrigue principale d’Enchanté avec l’idée d’un  » hommage affectueux  » à l’héritage de Disney. Il crée des impressions visuelles de story-board qui couvrent l’histoire d’Enchanted du début à la fin, et qui remplissent un étage entier d’un bâtiment de production. Après les avoir montrés à Dick Cook, le président des Walt Disney Studios, Lima reçoit le feu vert pour le projet et un budget de 85 millions de dollars. Lima a commencé à concevoir le monde d’Andalasia et à faire le story-board du film avant de choisir les acteurs qui joueraient les personnages. Après l’embauche des acteurs, il a participé à la réalisation du design final du film, qui s’est assuré que les personnages animés ressemblent à leurs homologues de la vie réelle.

FilmEdit

Enchanté est le premier long métrage hybride Disney en prise de vue réelle/animation traditionnelle depuis Qui a piégé Roger Rabbit de Disney en 1988, bien que les personnages animés traditionnellement n’interagissent pas dans l’environnement en prise de vue réelle de la même méthode que dans Roger Rabbit ; Cependant, dans certaines scènes, des personnages en prise de vue réelle partagent l’écran avec des personnages animés en deux dimensions, par exemple, Nathaniel en prise de vue réelle qui communique avec Narissa en image de synthèse, qui se trouve dans une marmite. Le film utilise deux rapports d’aspect ; il commence en 2.35:1 lorsque le logo de Walt Disney Pictures et le livre d’histoires Enchanted sont montrés, puis passe à un rapport d’aspect plus petit de 1.85:1 pour la première séquence animée. Le film repasse en 2,35:1 lorsqu’il devient un film d’action et ne revient jamais en arrière, même pour le reste des séquences animées. Lorsque ce film a été diffusé sur les réseaux télévisés, le début du film (sans le logo et le générique de début) a été montré dans le format 4:3 pillarboxed ; le reste du film a été montré dans le format 16:9 lorsqu’il est devenu un film d’action. Lima a supervisé la réalisation des séquences en direct et des séquences d’animation, qui ont été produites en même temps. Le tournage d’Enchanted a duré près de deux ans. L’animation a pris environ un an, tandis que les scènes en prises de vues réelles, dont le tournage a commencé sur place à New York au cours de l’été 2006 et s’est achevé pendant le processus d’animation, ont été tournées en 72 jours.

Édition de l’animation

Sur les 107 minutes de durée du film, dix des quelque 13 minutes d’animation se trouvent au début du film. Lima a essayé de « fourrer chaque élément de l’imagerie iconique de Disney » qu’il pouvait dans les dix premières minutes, qui ont été réalisées en animation cel traditionnelle (par opposition à l’animation 3D générée par ordinateur) en hommage aux anciens films de contes de fées de Disney tels que La Belle au bois dormant, Cendrillon et Blanche-Neige et les sept nains. Il s’agit du premier film Disney sorti en salles en Amérique à présenter une animation cel traditionnelle depuis Pooh’s Heffalump Movie (2005). Ce film, bien que très différent en termes d’intrigue de tous les films Disney précédents, contient également des hommages évidents à d’autres films Disney d’un passé lointain, tels que Old Yeller, The Shaggy Dog, Swiss Family Robinson, Bon Voyage ! et Savage Sam. La plupart des artistes d’animation traditionnelle de Disney ayant été licenciés après le boom de l’infographie à la fin des années 1990, les 13 minutes d’animation n’ont pas été réalisées en interne mais par la société indépendante James Baxter Animation, basée à Pasadena, fondée par l’ancien animateur de Disney Baxter.

Bien que Lima ait voulu que l’animation soit nostalgique, il voulait qu’Enchanteur ait un style propre. L’équipe de Baxter a décidé d’utiliser l’Art nouveau comme point de départ. Pour Giselle, le personnage animé dessiné à la main devait être « un croisement entre Amy Adams et une princesse Disney classique. Et pas une caricature ». Voyant Giselle comme « une fille de la forêt, une nymphe innocente avec des fleurs dans les cheveux » et « un peu hippie », les animateurs voulaient qu’elle soit « fluide, avec ses cheveux et ses vêtements. Délicate. » Pour le prince Edward, l’équipe de Baxter « a travaillé le plus dur sur lui pour qu’il ressemble à l’acteur » car les princes « dans ce genre de films sont généralement si fades. » De nombreux prototypes ont été réalisés pour Narissa, car l’équipe de Baxter voulait que son visage « ressemble à celui de Susan Sarandon ». Et les costumes devaient s’aligner étroitement sur le design de l’action réelle. »

Pour maintenir la continuité entre les deux médias, Lima a fait appel à la costumière Mona May pendant les premières étapes de la production du film, afin que les costumes soient alignés dans les univers de l’animation et de l’action réelle. Il a également tourné des séquences en prises de vue réelles d’Amy Adams dans le rôle de Giselle pour que les animateurs puissent s’en servir comme référence, ce qui a également permis de faire correspondre les mouvements physiques du personnage dans les deux univers. Des scènes tests réalisées par les animateurs ont été montrées aux acteurs, leur permettant de voir comment leur moi animé se déplacerait.

L’édition en direct

Timothy Spall et James Marsden pendant le tournage à Columbus Circle

La photographie principale a commencé en avril 2006 et s’est terminée en juillet 2006. En raison du cadre de la séquence, les scènes d’action en direct ont été filmées à New York. Cependant, le tournage à New York est devenu problématique car il était dans un « état constant de nouveaux magasins, d’échafaudages et de rénovation ».

La première scène à New York, qui met en scène Giselle émergeant d’une bouche d’égout au milieu de Times Square, a été filmée en extérieur au centre de la place. En raison des difficultés à contrôler la foule lors du tournage à Times Square, des piétons généraux ont été mis en scène avec des figurants engagés placés au premier plan immédiat. De même, une foule s’est rassemblée pour regarder James Marsden et Timothy Spall tourner leurs scènes à Times Square. Cependant, la scène que Lima a trouvé la plus difficile à tourner est le numéro musical « That’s How You Know », dans Central Park. Il a fallu 17 jours pour terminer cette scène de cinq minutes en raison du temps changeant, qui n’a laissé que sept jours de soleil pour le tournage de la scène. Le tournage a également été gêné à certains moments par les fans de Patrick Dempsey. La scène a été chorégraphiée par John O’Connell, qui avait travaillé sur Moulin Rouge ! auparavant, et comprenait 300 figurants et 150 danseurs.

De nombreuses scènes ont été tournées aux Steiner Studios, qui ont fourni les trois grandes scènes dont Enchanted avait besoin au même endroit. Parmi les autres lieux de tournage en extérieur, citons le pont de Brooklyn et The Paterno, un immeuble d’habitation à la façade incurvée, très embellie et de couleur ivoire, situé à l’angle de Riverside Drive et de la 116e rue, qui est la résidence des personnages du film, Robert et Morgan.

Costume designEdit

La robe de mariée de Giselle exposée au El Capitan Theatre

Tous les costumes du film ont été conçus par Mona May, qui avait déjà travaillé sur Clueless, The Wedding Singer et The Haunted Mansion. Pour créer les costumes, May a passé un an en pré-production à travailler avec les animateurs et son département de costumes de 20 personnes, tandis qu’elle a passé un contrat avec cinq ateliers de costumes extérieurs à Los Angeles et à New York. Elle s’est impliquée dans le projet au moment où les animateurs concevaient les visages et les corps des personnages, car ils devaient « transposer les costumes des dessins en deux dimensions aux proportions humaines de l’action ». Son objectif était de conserver les créations « Disneyesques à l’origine, mais en y apportant un peu de mode et d’humour pour en faire quelque chose de nouveau ». Cependant, May a admis que cela était difficile « parce qu’ils ont affaire à des personnages Disney emblématiques qui sont dans la psyché du public spectateur depuis si longtemps ».

Pour le personnage de Giselle, son parcours pour devenir une vraie femme se reflète dans ses robes, qui deviennent moins féeriques au fur et à mesure que le film avance. Sa robe de mariée au début du film contraste directement avec sa robe moderne à la fin du film. La robe de mariée sert à fournir un « contraste énorme avec les dessins plats » et à accentuer l’image d’une princesse Disney. Pour que la taille paraisse petite, les manches sont conçues pour être « extrêmement bouffantes » et la jupe pour être aussi grande que possible, ce qui incluait un cerceau en métal qui supporte 20 couches de jupons et de volants. Au total, onze versions de la robe ont été réalisées pour le tournage, chacune étant composée de 183 mètres de satin de soie et d’autres tissus, et pesant environ 18 kg. Concernant l’expérience du port de la robe de mariée, Amy Adams l’a décrite comme « éreintante » car « tout le poids reposait sur ses hanches, si bien qu’elle avait parfois l’impression d’être en traction ».

À la différence de Giselle, le prince Edward ne s’adapte pas au monde réel et James Marsden, qui joue Edward, n’a eu qu’un seul costume conçu pour lui. L’objectif de May était d’essayer « de ne pas perdre Marsden dans la folie de la tenue… où il reste beau ». Le costume comprenait également du rembourrage au niveau de la poitrine, des fesses et de l’entrejambe, ce qui donnait à Marsden les « mêmes proportions exagérées qu’un personnage d’animation » et « une posture – son dos est droit, les manches sont relevées et ne s’affaissent jamais ».

May était ravie que Lima « ait opté pour quelque chose de plus avant-gardiste » avec la reine Narissa de Susan Sarandon. Elle a décidé de la faire ressembler à une « runway lady », en portant quelque chose qui soit « toujours Disney » mais aussi « de la haute couture, comme quelque chose que John Galliano ou Thierry Mugler pourrait concevoir ». Puisque Narissa apparaît dans trois médias : l’animation dessinée à la main, l’action en direct et l’animation par ordinateur, May devait s’assurer que le costume serait le même partout en termes de « couleur, de forme et de texture ». Le costume de Narissa se composait d’un corset et d’une jupe en cuir, d’aspect « reptilien », ainsi que d’une cape. En travaillant avec les animateurs, May a incorporé des parties de la forme du dragon dans le costume ; la cape a été conçue pour ressembler à des ailes, les couches de la jupe s’enroulent comme une queue et une couronne qui se transformerait en cornes pendant la transformation de Narissa en dragon.

MusicEdit

La musique du film a été écrite par l’auteur-compositeur accompli Alan Menken, qui a travaillé sur un certain nombre de films Disney auparavant. Son collègue compositeur Stephen Schwartz a écrit les paroles de six chansons, également composées par Menken. Menken et Schwartz ont précédemment travaillé ensemble sur les chansons de Pocahontas et du Bossu de Notre-Dame.

Menken s’est impliqué dans le film dès les premières étapes de son développement et a invité Schwartz à reprendre leur collaboration. Ils ont commencé le processus d’écriture de chansons en recherchant les bons moments de l’histoire dans lesquels un moment de chanson était autorisé. Schwartz a trouvé qu’il était plus facile de justifier les situations dans lesquelles les personnages se mettaient à chanter dans Enchanted que dans d’autres comédies musicales en prises de vue réelles, car son concept « permettait aux personnages de chanter d’une manière qui faisait partie intégrante de l’intrigue de l’histoire ». Les trois chansons que chante Giselle contiennent des références à des films Disney antérieurs. La première chanson jouée dans le film, « True Love’s Kiss », a été écrite pour être « une parodie et un hommage au style de ces films d’animation Disney », à savoir « I’m Wishing » (Blanche-Neige et les Sept Nains) et « A Dream is a Wish Your Heart Makes » (Cendrillon), au cours desquels les héroïnes Disney chantent la joie d’être aimées. Ce numéro représentait un défi pour Menken et Schwartz en raison des « nombreuses idées préconçues qu’il suscite » ; il devait refléter l’époque de Blanche-Neige et les Sept Nains et de Cendrillon. En conséquence, Amy Adams a interprété la première chanson dans un style d’opérette, en contraste avec le style Broadway des chansons suivantes.

La « Happy Working Song » et « That’s How You Know » rendent également hommage à des chansons Disney passées. « Happy Working Song » rend un hommage lyrique à des chansons telles que « Whistle While You Work » (Blanche-Neige et les Sept Nains), « The Work Song » (Cendrillon), « A Spoonful of Sugar » (Mary Poppins) et « Making Christmas » (The Nightmare Before Christmas), et un hommage musical aux frères Sherman (avec un huit central auto-parodique « à la Alan Menken »). « That’s How You Know » est une auto-parodie des compositions de Menken pour ses films Disney, en particulier les grands numéros de production tels que « Under the Sea » (La Petite Sirène) et « Be Our Guest » (La Belle et la Bête). Pour y parvenir, Schwartz a admis avoir dû « pousser un peu plus loin le choix des mots ou de certaines paroles » tout en conservant « la sensibilité classique de Walt Disney ». Cependant, Menken a fait remarquer que les chansons qu’il a écrites pour Disney ont toujours été « un peu ironique ». Au fur et à mesure que le film progresse, la musique utilise des styles plus contemporains, ce qui s’entend à travers la ballade pour adultes « So Close » et le numéro country/pop « Ever Ever After » (chanté par Carrie Underwood en voix off).

Sur les six chansons achevées écrites et composées par Menken et Schwartz, cinq sont restées dans le film terminé. La chanson-titre,  » Enchanted « , un duo réunissant Idina Menzel et James Marsden, est la seule chanson d’auteur et de composition de Menken et Schwartz qui a été supprimée du film.

EffetsEdit

La majorité des plans d’effets visuels d’Enchanted ont été réalisés par le Tippett Studio de Berkeley, en Californie, qui a contribué à un total de 320 plans. Ces plans impliquaient des décors virtuels, des effets environnementaux et des personnages de synthèse qui se produisaient aux côtés d’acteurs réels, à savoir les animaux animés pendant la séquence « Happy Working Song », Pip et le dragon Narissa pendant les parties en direct du film. CIS Hollywood a été responsable de 36 plans d’effets visuels, qui portaient principalement sur des retraits de fils et des composites. Reel FX Creative Studios a réalisé quatre plans d’effets visuels impliquant les transitions de rotation des pages du livre pop-up, tandis que Weta Digital en a réalisé deux.

Parmi tous les animaux qui apparaissent dans la séquence « Happy Working Song », les seuls animaux réels filmés sur le plateau étaient les rats et les pigeons. Les vrais animaux capturés sur pellicule ont aidé le studio Tippett à créer des rats et des pigeons de synthèse, qui ont donné des performances dynamiques, comme le fait d’avoir des pigeons qui portaient des balais dans leur bec et des rats qui se frottaient avec des brosses à dents. En revanche, tous les cafards étaient des personnages de synthèse.

Pip, un tamia qui peut parler dans le monde 2D d’Andalasia, perd sa capacité à communiquer par la parole dans le monde réel, il doit donc s’appuyer fortement sur les gestes du visage et du corps. Les animateurs ont donc dû exprimer les émotions de Pip par la performance, tout en le faisant ressembler à un véritable tamia. L’équipe de Tippett a commencé le processus d’animation de Pip en observant des tamias vivants filmés en mouvement sous « tous les angles imaginables », puis elle a créé un tamia photoréaliste à l’aide de logiciels d’infographie 3D, Maya et Furrocious. Lorsque le superviseur des effets visuels Thomas Schelesny a montré la première animation de Pip au réalisateur Kevin Lima, il a été surpris de voir qu’il s’agissait d’un personnage de synthèse et non d’une séquence de référence. Pour améliorer les expressions faciales, les modélistes ont donné à Pip des sourcils, que les vrais tamias n’ont pas. Lors du tournage des scènes dans lesquelles Pip apparaît, plusieurs moyens ont été utilisés pour indiquer la présence physique de Pip. Dans certains cas, un petit tamia en peluche avec une armature en fil de fer à l’intérieur était placé dans la scène. Dans d’autres situations, une tige avec un petit marqueur à son extrémité ou un pointeur laser était utilisé pour montrer aux acteurs et au directeur de la photographie où se trouve Pip.

Contrairement à Pip, le dragon Narissa a été autorisé à être davantage un personnage fantastique tout en ayant l’apparence d’un personnage vivant et d’un méchant classique de Disney. Le design du dragon de synthèse était librement inspiré d’un dragon chinois traditionnel et de la sorcière de Susan Sarandon en live-action. Lors du tournage de la scène qui voit la transformation de Narissa de femme en dragon, une longue perche a été utilisée pour diriger les yeux des figurants au lieu d’un pointeur laser. Les éléments de décor ont été conçus pour bouger d’avant en arrière, tandis que l’éclairage était contrôlé par ordinateur et que la tête de la caméra était synchronisée. Dans la séquence finale du film, dans laquelle Narissa escalade le Woolworth Building en serrant Robert dans ses griffes, un écran vert a été construit pour retenir Patrick Dempsey afin de filmer son visage et ses mouvements. Le rig était une approche « marionnettique » qui impliquait un bras robotique contrôlé par trois artistes d’effets de sol différents.