Le chanteur des Moody Blues Justin Hayward ne s’enflamme pas pour ce qui a été perdu dans l’incendie
En ce moment en tournée solo, le chanteur parle de vouloir être Buddy Holly, de ce qui préoccupe les musiciens dans le processus de vieillissement, et pourquoi il ne pourrait pas se soucier moins des archives de son groupe.
Personne n’a appelé Justin Hayward au sujet de l’incendie sur le terrain d’Universal Studios Hollywood – pas Universal Music Group, certes, mais aussi aucun journaliste. « Il y avait des personnes beaucoup plus importantes à appeler ou à parler de cela », dit Hayward, à sa manière typiquement effacée et anglaise. Le New York Times a récemment fait la lumière sur l’enfer de 2008, qui a détruit un nombre incalculable de copies originales et d’enregistrements, et sur la dissimulation choquante. Avec Elton John, Chuck Berry et Ella Fitzgerald, ils ont listé les Moody Blues parmi les artistes dont les bandes inestimables ont pu brûler.
Hayward, qui aura 73 ans en octobre, n’est pas trop inquiet. Ce que lui et les « Moodies » ont sorti à l’époque est tout ce qui compte vraiment – ils ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame l’année dernière – et il est un peu cynique quant à l’insatiable monétisation par Universal et d’autres maisons de disques de la moindre parcelle de matériel enregistré. Et puis, alors qu’il bavardait longuement depuis son hôtel de Denver – sur la tournée acoustique en solo qu’il effectue (avec des spectacles vendredi soir à Big Bear Lake et samedi à Ventura), sur l’héritage et sur le seul album, « Octave » de 1978, que le groupe a enregistré aux États-Unis – il a soudain réalisé que, attendez, peut-être que quelque chose de précieux a été perdu…
Que jouez-vous sur votre tournée actuelle ?
Je fais des chansons que j’ai écrites – des morceaux plus profonds avec les Moodies, des choses en solo, des choses que je n’ai jamais pu faire avec les Moodies et qui n’ont tout simplement jamais fonctionné dans une situation forte. Ce spectacle est une vraie joie pour moi. Je travaille avec trois jeunes musiciens qui aiment cette musique et qui sont d’un grand soutien pour moi. J’ai apporté mes guitares acoustiques de chez moi. D’une certaine manière, c’est beaucoup plus fidèle aux disques, parce que les disques ont été mixés avec la guitare acoustique, le mellotron et les claviers à l’avant, et la batterie et la basse un peu plus en arrière. Mais bien sûr, sur scène, c’était toujours difficile à faire avec les Moodies, avec deux batteurs, et tout devait monter en niveau, et tout était électrique. Donc ça ressemble plus à la façon originale de voir les choses, ce qui est bien.
Avez-vous des astuces pour garder les anciennes chansons fraîches ou amusantes à jouer ?
Elles sont toujours un plaisir à jouer, parce que certaines d’entre elles, je ne les ai tout simplement pas faites sur scène avant. Et nous avons échangé des choses au cours des dernières tournées. Karmen, à la flûte, à l’harmonica et au chant, a ajouté une autre dimension – je suis capable de ramener ces sortes de flûtes de Ray Thomas / Moodies un peu plus dedans. C’est aussi très proche de notre son vocal, avec toutes les harmonies des Moodies. Depuis les années 80, j’harmonisais toujours avec moi-même sur les disques – donc les filles et moi-même, et Mike aussi, sommes capables de reproduire cela plus facilement.
Vous avez toujours eu confiance en tant que chanteur ?
Non. Je ne peux pas dire que j’en ai jamais eu, vraiment. Je ne me suis jamais considéré comme un chanteur. Mon premier emploi était avec un chanteur de rock ‘n’ roll appelé Marty Wilde, je ne faisais que jouer de la guitare pour lui, j’avais 17 ans quand j’ai commencé. Il m’a dit à l’époque que pour survivre dans le métier, il fallait créer sa propre identité, et que la meilleure façon de le faire était de chanter. Donc je suis vraiment venu chez les Moodies dans le but de faire faire mes chansons. Je ne trouve pas facile d’écouter ma propre voix. Je ne suis pas vraiment un chanteur – je suis un gars qui fait ces chansons. J’ai eu la chance, avec « Forever Autumn », d’être choisi pour cela.
À ces débuts, avez-vous déjà consciemment modelé votre voix de chanteur sur celle de quelqu’un d’autre ?
Je ne ressemble en rien à Buddy Holly, mais Buddy était mon héros. Quand je suis arrivé en Amérique en 68, l’une des premières choses que j’ai faites a été d’aller à Lubbock au Texas – et j’ai réalisé que ce n’est pas une jolie petite ville de western, c’est un grand terrain plat avec des puits de pétrole qui vont et viennent. Mais c’est de là que venait Buddy. Je faisais ses chansons quand j’étais à l’école – c’est à peu près tout ce que je faisais. J’ai toujours aimé Cliff Richard en Angleterre, parce qu’il a été la première vraie star que nous avons eue, nous les filles et les garçons anglais. Mon grand-père m’a laissé une collection de vieux 78 tours amusants, et juste avant de mourir, il en a acheté deux de Johnnie Ray. Johnnie Ray avait une sorte de tragédie dans sa voix, et il y avait quelque chose dans sa voix qui m’est resté – peut-être que ça m’a un peu influencé d’une certaine manière, juste pour commencer une note et pour passer à une autre note. Il y avait une sorte de cri dans sa voix.
Votre relation à votre voix, ou votre facilité avec elle, a-t-elle changé au fil des années ?
Eh bien, elle a certainement changé au fil des années, car j’ai appris à essayer de la contrôler, et à ne pas vraiment la pousser. Au début, je faisais n’importe quoi et je chantais très mal. J’étais toujours assez défoncé sur tous ces disques, ce qui ajoutait à l’émotion de certains d’entre eux. Je m’impliquais parfois un peu trop dans l’émotion, et parfois c’était une bonne chose, parfois ce n’était pas si bien. C’est devenu un peu larmoyant. Les choses que j’ai écrites depuis les années 80, je les ai toujours jouées un peu plus sûres – en restant dans ma zone de confort. Quelqu’un m’a demandé l’autre jour, « Comment faites-vous pour prendre soin de votre voix ? » Et je n’ai rien trouvé à dire. J’ai toujours considéré que ma voix prenait soin de moi. J’ai été extrêmement chanceux d’avoir la physiologie, ou le maquillage, ou la structure des bits dans mon larynx, que… les gens n’ont jamais su mon nom, mais je serais des endroits, et ils diraient, « Oh, c’est le gars des Moody Blues. » Les gens pouvaient reconnaître la voix, et c’est une chose très chanceuse à avoir en tant que chanteur.
Quels sont les moments où vous ressentez vos 72 ans ?
Eh bien, l’esprit est volontaire, mais la chair est parfois faible. J’ai eu mes problèmes et mes questions, et certaines choses arrivent et vous frappent, et vous réalisez que les choses ne sont plus tout à fait les mêmes. J’aimerais avoir les mains que j’avais quand j’étais plus jeune. En vieillissant, la seule chose que vous regardez, ce sont vos mains, et vous pouvez vous voir vieillir à travers vos mains. C’est curieux. Nous regardons notre visage et nous pensons : « Oh, j’ai un peu moins de cheveux ou autre chose, mais je suis toujours le même homme », parce que c’est un processus lent. Mais je me souviens que ma mère – avec mon frère et moi, quand nous étions tous deux petits – nous allions rendre visite à tous ces parents âgés, et nous nous asseyions tranquillement sur le canapé, et nous regardions juste autour de la pièce et essayions d’être bons, en espérant que nous récupérions un penny à la fin. Et je me souviens de toujours regarder les mains de ces vieilles personnes.
Mais vous êtes toujours en tournée et en spectacle, ce qui est impressionnant. Y a-t-il des auteurs-compositeurs ou des musiciens dont vous admirez la longévité et la carrière ?
Les gens me disent souvent : « Oh, tu vas voir Rod ? » ou quelqu’un qui revient dans le coin. C’est comme, non… Pas intéressé. J’étais accroché à ces gars comme Tim Hardin, ou ce genre de gars chanteurs-compositeurs. Maintenant, je ferais un détour pour voir Gordon Lightfoot, n’importe où. J’ai vu Donald Fagen il y a environ un an, et j’ai pensé, « C’est tout simplement brillant. » Je suis tellement content. Il a encore le truc.
Pensez-vous qu’il y a une façon gracieuse de vieillir en tant qu’interprète sous l’œil du public – ainsi qu’une façon non gracieuse ?
Vieillir est très difficile. Il y a quelque temps, j’ai réalisé que j’avais passé la majeure partie de ma vie à contempler un fantôme – et c’est le fantôme de moi-même. Certains d’entre nous sont juste encombrés de cela. J’ai déjà fait six interviews aujourd’hui, et à chaque fois, nous sommes passés par les civilités – « Que faites-vous maintenant ? Qu’est-ce que tu deviens ? Tu as du nouveau ? » … mais, » En 1966, vous avez fait ceci « , et ensuite nous parlons du jeune Justin.
Pour moi, c’est une question de dignité. Ces dernières années, j’ai voulu garder une certaine dignité. Ne pas essayer et être ce Justin qui était. Non pas que j’ai jamais été une sorte de personne rock ‘n’ roll-y. Mais certains musiciens de mon époque, quand ils essaient encore de faire les pantalons de cuir et les poses – je suppose que Mick peut s’en tirer, mais il est le seul que je connaisse . Même Keith a une certaine dignité dans sa façon de faire. Parfois, je rencontre des gens à l’hôtel sur la route, et ils me disent « Hey Justin ! ». Et je me dis « Oh merde, c’est un peu effrayant ce qu’ils font » – ils ont des trucs argentés et tout, des tatouages et des cheveux bizarres… Alors j’espère qu’il reste un peu de dignité. C’est tout ce qu’on peut faire.
Etes-vous sensible à l’idée d’atteindre un jour un point où vous n’êtes pas au maximum de vos capacités en tant qu’interprète, ou à l’idée qu’il y a peut-être un moment pour raccrocher la guitare ?
Je sais exactement ce que vous voulez dire – et oui. Je suis dans cette zone, et c’est terrifiant. Le jeu – d’autres personnes peuvent probablement le faire pour moi, même si ça ne grooverait pas tout à fait comme je le sens si je le jouais. Mais si la voix s’en va, alors je pense que c’est le moment. J’en suis très conscient, et c’est effrayant.
Est-ce effrayant à cause de la joie, ou de l’identité, que vous avez en tant qu’interprète ?
C’est effrayant parce que je n’ai rien fait d’autre. Je disparaîtrais dans une bibliothèque quelque part, je pense. Un monastère semble être une assez bonne idée parfois.
Seriez-vous toujours en train d’écrire des chansons et de faire de la musique même si vous n’étiez pas capable de la faire connaître au monde entier ?
C’est une question intéressante. Personne ne me l’a jamais posée, parce qu’ils s’attendent à ce que vous ne fassiez que ces choses dans un but précis. J’écris pour mon propre plaisir, et j’ai pas mal de chansons maintenant que j’apprécie – juste en les reprenant de temps en temps, et en les tripotant, et peut-être en changeant un mot ou deux, et en espérant les rendre meilleures. Elles sont pour moi, et je ne sais pas si j’ai envie de passer par tout le cirque de la promo. Je ne suis pas sûr d’avoir l’appétit d’être ce que les gens veulent que je sois. Pour le moment, j’aime faire les choses de manière égoïste.
Il a été rapporté que les bandes des Moody Blues auraient pu faire partie de celles détruites dans l’incendie d’Universal. Savez-vous si elles l’étaient ?
Je l’ai lu, bien sûr, dans un journal. Cela n’a pas été rapporté en Angleterre, et il a fallu un certain temps pour que cela soit rapporté aux États-Unis. Il est certainement vrai que nous étions listés parmi les personnes dont les bandes auraient pu être détruites. Personne ne m’a appelé, car il y avait des personnes beaucoup plus importantes à appeler ou à parler de cela. Et certaines personnes ont été très véhémentes. Je n’y ai jamais vraiment pensé. Nous n’avons fait qu’un seul album en Amérique, avec une compagnie appelée Decca – et, bien sûr, Universal a acheté Decca. Je ne sais pas ce qu’ils ont stocké. Les sept premiers albums, je ne crois pas qu’aucun d’entre eux ait été stocké là-bas. Mais nous étions sur la liste. Depuis lors, j’ai été contacté directement par deux avocats différents qui voulaient savoir si nous allions nous joindre à une sorte d’action collective pour le patrimoine – ils ont toujours une belle façon d’exprimer ces choses, « artistes du patrimoine » – qui préparent ce procès géant. Je trouve toujours que « je ne sais pas » est une bonne réponse, donc c’est ce que j’ai dit.
C’est un fait qu’Universal s’est empressé de tout sortir – démos, outtakes, scraps, bouts de bandes entre les chansons des Moody Blues, dans toutes sortes de versions de type coffret au cours des deux ou trois dernières années. Et ils ont toujours l’intention de le faire. Je me suis mis à l’écart de tout ça. Ils m’ont demandé d’approuver, mais je n’ai plus répondu à ces e-mails. Je n’ai pas l’impression d’avoir beaucoup de contrôle là-dessus, et ça ne m’intéresse pas de passer au crible des choses qui, selon moi, n’auraient pas dû être publiées de toute façon. Il est certain que, comme dans le cas des Moodies, une sorte d’intello – je ne peux pas trouver de meilleure façon de le dire – aimerait se trouver dans ces archives, si elles étaient encore là, pour faire un peu d’argent pour Universal et les mettre en lumière. Cela fait partie de leur philosophie, ces grandes entreprises, que de faire sortir ces choses pour monétiser de vieilles choses. C’est vrai aussi que la plupart de tout ce qui n’a pas été cuit, qui a été enregistré avant 1985, la plupart des oxydes seront tombés maintenant de toute façon. Tout ce que j’ai voulu sortir a été sorti.
Vous souciez-vous que vos chansons vous survivent ?
Mes guitares me survivront, c’est sûr. Elles seront toujours désirables. Je ne sais pas. Les gens passent à autre chose, n’est-ce pas ? Les gens aiment la musique de leur jeunesse. Je ne me laisse jamais entraîner dans cet argument de « Oh, la musique d’aujourd’hui n’a rien à voir avec celle d’alors ». Il y a des enfants qui tombent amoureux aujourd’hui de toutes ces chansons, même si ce n’est qu’un riff à quatre mesures, qui resteront avec eux pour le reste de leur vie. Quand ils auront mon âge, ils les entendront et penseront : « Oh, j’adorais ça », et ça signifiera toujours quelque chose pour eux. La nostalgie semble reposer sur les années 80 et 90, plus que sur les années 60, donc je vois déjà ce type de musique se déplacer. Je pense qu’il y aura toujours des choses qui seront bonnes, valables et intéressantes, quelle que soit l’époque. Si je ne devais retenir qu’une seule décennie musicale, ce serait les années 80, je pense. C’est ce que j’aime le plus. C’était vraiment libérateur, et brillant.
Sur votre album « Octave »…
Oh, c’était un album bizarre.
« The Day We Meet Again » est une si belle chanson. Quel a été le catalyseur ?
C’est une belle chanson – complètement gâchée par le fait que j’ai hurlé avec trop d’overdubs de guitare. Je suis tellement déçu de la version finale de cette chanson. Ça commence plutôt bien, mais ça se dégrade vraiment vers la fin. Je me souviens à quel point Ray Thomas aimait cette chanson. Il était dans le studio quand j’ai fait la voix principale, juste là, me passant un joint ou quelque chose comme ça. Il faut que j’essaie de récupérer la cassette de cette chanson… Elle pourrait être détruite, d’ailleurs, parce que c’est le seul album qui a été fait en Amérique. Mais cette chanson en particulier parlait des gens de ma famille – je viens d’une famille avec une foi très forte, et donc cela fait partie de mon passé aussi. Et je viens d’une partie de l’Angleterre qui est pleine d’histoire – le West Country. C’est une région très évocatrice de l’Angleterre. Il s’agit de personnes que j’ai aimées, et de leur perte. Je parle d’hommes et de femmes. Je trouve que dans la vie, ça n’a pas d’importance. Si vous rencontrez quelqu’un, et que quelque chose en vous dit : « Reste proche de cette personne. Restez près d’elle », je m’efforce toujours de le faire. Ce sont les personnes sur lesquelles j’écris. Et elles sont dans cette chanson.
Lors de l’enregistrement, j’étais mental à la fin. Il y avait une grande léthargie autour de cet album. Tony Clarke, notre producteur de disques, a eu un désastre personnel pendant cet album et ne l’a pas terminé. Et Mike n’arrivait pas à se décider s’il voulait rester ou pas. Il m’a terriblement manqué. J’ai joué beaucoup de claviers sur cet album. C’était à l’époque où personne ne s’intéressait aux chansons des autres. C’est bizarre d’être dans un groupe comme ça. Graeme a toujours été enthousiaste. Mais dans le studio, dans le Record Plant de Los Angeles où nous l’avons enregistré – qui, curieusement, a brûlé peu de temps après l’enregistrement – il y avait ce vieux petit orgue Farfisa. Le morceau n’allait nulle part, les gens s’étaient désintéressés, et donc, tard dans la nuit, j’ai demandé à l’ingénieur de le mettre en place. J’ai juste commencé à jouer ça , et puis j’ai pensé, Attends, je peux juste faire ce truc à trois accords tout au long de la chanson, dans ce genre particulier de choses syncopées.C’est le morceau que j’aime le plus.
Il y a une tristesse qui plane sur tout cet album. Entre « Driftwood », « One Step Into the Light » et « The Day We Meet Again », c’est très poignant.
Pour moi aussi. J’ai dû le remasteriser pour Universal il y a quelques années, et… c’est un point intéressant. Où ont-ils trouvé la cassette à m’envoyer pour la remasteriser ? Mais « One Step Into the Light » était la chanson que Mike avait écrite plusieurs années auparavant et que nous avions enregistrée dans son petit home studio. Je ne peux pas écouter cette chanson, parce qu’elle remonte en moi. C’est l’une des plus belles chansons qui soient. Il m’a fait de grands cadeaux, et l’un d’eux était de pouvoir jouer cette chanson. Et puis il est parti. Les choses n’allaient pas bien pour lui dans ce groupe. C’est alors qu’on est devenus quatre au lieu de cinq. Quelque part, il y a ces deux vieilles guitares – parce qu’il était aussi guitariste – que nous avons jouées ensemble sur la version originale. Et je pense que sa voix est aussi sur la version originale. Je me souviens que l’oxyde tombait de cette bande, elle avait été jouée tellement de fois.