Musique 101

Copland représente une première dans nos études : un compositeur d’origine américaine. Né à Brooklyn, NY, Aaron Copland a étudié à Paris puis est retourné aux États-Unis où il a été influencé par le compositeur Aaron Stieglitz. Stieglitz estimait que les artistes américains devaient créer des œuvres qui donnaient une expression à la démocratie américaine. C’est ce que fait Copland dans plusieurs ballets populaires qui utilisent des airs populaires américains, en particulier des chansons de cow-boys. Le ballet Rodeo et le mouvement qui en est extrait et qui figure sur notre liste de lecture, « Hoedown », font indubitablement référence à l’Ouest américain. Ce nationalisme américain contraste fortement avec la musique moderniste des contemporains de Copland.

Introduction

Figure 1. Aaron Copland, sujet d’un concert pour les jeunes, 1970

Aaron Copland (14 novembre 1900 – 2 décembre 1990) était un compositeur, professeur de composition, écrivain et, plus tard dans sa carrière, chef d’orchestre de sa propre musique et d’autres musiques américaines. Il a joué un rôle déterminant dans la création d’un style de composition typiquement américain et, à la fin de sa vie, il a souvent été surnommé « le doyen des compositeurs américains ». Il est surtout connu du public pour les œuvres qu’il a écrites dans les années 1930 et 1940 dans un style délibérément accessible, souvent qualifié de « populiste » et que le compositeur a appelé son style « vernaculaire ». Parmi les œuvres de cette veine figurent les ballets Appalachian Spring, Billy the Kid and Rodeo, sa Fanfare for the Common Man et sa troisième symphonie. Les harmonies ouvertes, qui changent lentement, de nombre de ses œuvres sont l’archétype de ce que beaucoup considèrent comme le son de la musique américaine, évoquant les vastes paysages américains et l’esprit pionnier. Outre ses ballets et ses œuvres orchestrales, il a produit de la musique dans de nombreux autres genres, notamment de la musique de chambre, des œuvres vocales, des opéras et des musiques de films.

Après quelques études initiales avec le compositeur Rubin Goldmark, Copland se rendit à Paris, où il étudia d’abord avec Isidor Philipp et Paul Vidal, puis avec la célèbre pédagogue Nadia Boulanger. Il étudia trois ans avec Boulanger, dont l’approche éclectique de la musique inspira ses propres goûts dans ce domaine. Déterminé, à son retour aux États-Unis, à faire son chemin en tant que compositeur à plein temps, Copland donne des conférences-récitals, écrit des œuvres sur commande, enseigne et écrit. Il trouve que composer de la musique orchestrale dans le style « moderniste » qu’il a adapté à l’étranger est une approche financièrement contradictoire, en particulier dans le contexte de la Grande Dépression. Au milieu des années 1930, il s’oriente vers un style musical plus accessible qui reflète l’idée allemande de Gebrauchsmusik (« musique d’usage »), une musique qui peut servir à des fins utilitaires et artistiques. Pendant les années de la Dépression, il a beaucoup voyagé en Europe, en Afrique et au Mexique, a noué une importante amitié avec le compositeur mexicain Carlos Chávez et a commencé à composer ses œuvres emblématiques.

À la fin des années 1940, Copland a ressenti le besoin de composer des œuvres d’une plus grande substance émotionnelle que ses partitions utilitaires de la fin des années 1930 et du début des années 1940. Il était conscient que Stravinsky, ainsi que de nombreux autres compositeurs, avaient commencé à étudier l’utilisation par Arnold Schoenberg des techniques dodécaphoniques (sérielles). Dans son style personnel, Copland a commencé à utiliser les rangées dodécaphoniques dans plusieurs compositions. Il a incorporé des techniques sérielles dans certaines de ses œuvres ultérieures, notamment son Quatuor avec piano (1951), sa Fantaisie pour piano (1957), Connotations pour orchestre (1961) et Inscape pour orchestre (1967). À partir des années 1960, les activités de Copland se tournent davantage vers la direction d’orchestre que vers la composition. Il devient fréquemment chef invité d’orchestres aux États-Unis et au Royaume-Uni et réalise une série d’enregistrements de sa musique, principalement pour Columbia Records.

OEuvres populaires

Imprimé par le succès de Four Saints in Three Acts de Virgil Thomson, Copland écrit El Salón México entre 1932 et 1936, qui rencontre un succès populaire qui contraste avec l’obscurité relative de la plupart de ses œuvres précédentes. Il semble qu’il ait eu l’intention d’en faire une œuvre populaire favorite, comme il l’a écrit en 1955 : « Il semble que cela fait longtemps que personne n’a écrit une España ou un Boléro – le genre de pièce orchestrale brillante que tout le monde aime. » L’inspiration pour cette œuvre est venue du souvenir vivace de Copland d’avoir visité le dancing « Salon Mexico », où il a été témoin d’une vision plus intime de la vie nocturne mexicaine. Pour Copland, l’impact le plus important est venu, non pas de la musique des gens qui dansaient, mais de l’esprit de l’environnement. Copland a déclaré qu’il pouvait littéralement sentir l’essence du peuple mexicain dans la salle de danse. Cela l’a incité à écrire une pièce célébrant l’esprit du Mexique en utilisant des thèmes mexicains. Copland s’est librement inspiré de deux collections d’airs folkloriques mexicains, en changeant les hauteurs et en variant les rythmes. L’utilisation d’un air folklorique avec des variations dans un contexte symphonique est à l’origine d’un modèle qu’il a répété dans nombre de ses œuvres les plus réussies jusque dans les années 1940. Cette œuvre marque également le retour des motifs de jazz dans le style de composition de Copland, bien qu’ils apparaissent sous une forme plus atténuée qu’auparavant et ne constituent plus la pièce maîtresse. Chávez dirigea la première, et El Salón México devint un succès international, offrant à Copland une large reconnaissance.

Copland obtint son premier grand succès dans la musique de ballet avec sa partition révolutionnaire Billy the Kid, basée sur un roman de Walter Noble Burns, avec une chorégraphie d’Eugene Loring. Ce ballet fut l’un des premiers à présenter un vocabulaire de musique et de danse américain, adaptant la « forte technique et le charme intense d’Astaire » et d’autres danseurs américains. Il se distingue par son utilisation de la polyrythmie et de la polyharmonie, notamment dans les chansons de cow-boys. La première du ballet a eu lieu à New York en 1939, et Copland a déclaré :  » Je ne me souviens pas d’une autre de mes œuvres qui ait été reçue aussi unanimement.  » John Martin a écrit :  » Aaron Copland a fourni une partition admirable, chaleureuse et humaine, et dont aucune note n’a été gâchée nulle part.  » Le ballet devint une œuvre incontournable de l’American Ballet Theatre, et la suite de vingt minutes de Copland tirée du ballet fit partie du répertoire orchestral standard. Lorsqu’on lui demanda comment un juif new-yorkais parvenait si bien à capturer le vieil Ouest, Copland répondit :  » C’était juste un exploit d’imagination. « 

Au début des années 1940, Copland produisit deux œuvres importantes destinées à remonter le moral de la nation. Fanfare for the Common Man, écrite pour cuivres et percussions, a été écrite en 1942 à la demande du chef d’orchestre Eugene Goossens, chef du Cincinnati Symphony Orchestra. Elle sera plus tard utilisée pour ouvrir de nombreuses conventions nationales du Parti démocrate, et pour donner de la dignité à un large éventail d’autres événements. Même les groupes musicaux, du groupe de jazz de Woody Herman aux Rolling Stones, ont adapté le thème d’ouverture. Emerson, Lake & Palmer ont enregistré une version « rock progressif » de la composition en 1977. La fanfare a également été utilisée comme thème principal du quatrième mouvement de la troisième symphonie de Copland, où elle apparaît d’abord de manière calme et pastorale, puis sous la forme plus brassière de l’original. La même année, Copland a écrit A Lincoln Portrait, une commande du chef d’orchestre André Kostelanetz, ce qui a renforcé son association avec la musique patriotique américaine. L’œuvre est célèbre pour la récitation parlée des mots de Lincoln, bien que l’idée ait été précédemment employée par le « Song of Faith » de John Alden Carpenter, basé sur des citations de George Washington. Le « Portrait de Lincoln » est souvent interprété lors des célébrations de fêtes nationales. De nombreux Américains ont interprété la récitation, y compris des politiciens, des acteurs et des musiciens, ainsi que Copland lui-même, Henry Fonda effectuant l’enregistrement le plus notable.

Continuant sa série de succès, Copland compose en 1942 le ballet Rodeo, un récit de mariage dans un ranch, écrit à peu près en même temps que Lincoln Portrait. Rodeo est une autre composition durable pour Copland et contient de nombreux airs folkloriques reconnaissables, bien mélangés avec la musique originale de Copland. Le saisissant « Hoedown » est remarquable dans le dernier mouvement. Il s’agit d’une recréation de la version du violoneux appalachien W. H. Stepp de l’air de danse carrée « Bonypart » (« Bonaparte’s Retreat »), qui avait été transcrit pour le piano par Ruth Crawford Seeger et publié dans le livre d’Alan Lomax et Seeger, Our Singing Country (1941). Pour le « Hoedown » de Rodeo, Copland a emprunté note pour note à la transcription pour piano de Seeger de l’air de Stepp. Ce fragment (repris de Ruth Crawford Seeger) est aujourd’hui l’une des compositions les plus connues d’un compositeur américain, ayant été utilisé à de nombreuses reprises au cinéma et à la télévision, notamment dans des publicités pour l’industrie bovine américaine. « Hoedown » a reçu un arrangement rock par Emerson, Lake & Palmer en 1972. Le ballet, initialement intitulé « The Courting at Burnt Ranch », a été chorégraphié par Agnes de Mille, nièce du géant du cinéma Cecil B. DeMille. La première a eu lieu au Metropolitan Opera le 16 octobre 1942, avec de Mille dans le rôle principal de la « cowgirl », et la représentation a été ovationnée. Une partition réduite est encore populaire comme pièce orchestrale, notamment lors des concerts « Pops ».

Figure 2. Martha Graham en 1948

Copland a reçu la commande d’un autre ballet, Appalachian Spring, écrit à l’origine avec treize instruments, qu’il a finalement arrangé en une suite orchestrale populaire. La commande pour Appalachian Spring est venue de Martha Graham, qui avait demandé à Copland simplement « une musique pour un ballet américain ». Copland a intitulé le morceau « Ballet for Martha », n’ayant aucune idée de la façon dont elle l’utiliserait sur scène, mais il l’avait en tête.  » Lorsque j’ai écrit ‘Appalachian Spring’, je pensais avant tout à Martha et à son style chorégraphique unique, que je connaissais bien. . . . Et elle est incontestablement très américaine : il y a chez elle quelque chose de guindé et de retenu, de simple et de fort, que l’on a tendance à considérer comme américain.  » Copland a emprunté la saveur des chants et des danses des Shakers, et a utilisé directement la chanson de danse Simple Gifts. Graham s’empare de la partition et crée un ballet qu’elle appelle Appalachian Spring (d’après un poème de Hart Crane qui n’a aucun lien avec les Shakers). Le succès est immédiat, et la musique portera plus tard le même nom. Copland était amusé et ravi, plus tard dans sa vie, lorsque les gens venaient le voir et lui disaient : « M. Copland, quand je vois ce ballet et que j’entends votre musique, je vois les Appalaches et je sens le printemps. » Copland n’avait pas de cadre particulier en tête lorsqu’il a écrit la musique, il a juste essayé de lui donner une saveur américaine, et n’avait aucune connaissance du titre emprunté, dans lequel « spring » fait référence à une source d’eau, et non à la saison du printemps.