Música 101
Copland representa una primicia en nuestros estudios: un compositor nacido en Estados Unidos. Nacido en Brooklyn, Nueva York, Aaron Copland estudió en París y luego regresó a Estados Unidos, donde recibió la influencia del compositor Aaron Stieglitz. Stieglitz consideraba que los artistas estadounidenses debían crear obras que dieran expresión a la democracia americana. Copland lo hizo en varios ballets populares que utilizaban melodías folclóricas americanas, especialmente canciones de vaqueros. El ballet Rodeo y el movimiento de esa obra que aparece en nuestra lista de reproducción, «Hoedown», son inconfundibles en su referencia al Oeste americano. Este nacionalismo americano contrasta con la música modernista de los contemporáneos de Copland.
Introducción
Figura 1. Aaron Copland como protagonista de un concierto para jóvenes, 1970
Aaron Copland (14 de noviembre de 1900-2 de diciembre de 1990) fue un compositor, profesor de composición, escritor y, más adelante en su carrera, director de su propia música y de la de otros estadounidenses. En sus últimos años se le denominó «el decano de los compositores estadounidenses» y es más conocido por las obras que escribió en las décadas de 1930 y 1940 en un estilo deliberadamente accesible que a menudo se denomina «populista» y que el compositor etiquetó como su estilo «vernáculo». Entre estas obras se encuentran los ballets Appalachian Spring, Billy the Kid y Rodeo, su Fanfare for the Common Man y la Tercera Sinfonía. Las armonías abiertas y lentamente cambiantes de muchas de sus obras son el arquetipo de lo que muchos consideran el sonido de la música americana, evocando el vasto paisaje americano y el espíritu pionero. Además de sus ballets y obras orquestales, produjo música en muchos otros géneros, como música de cámara, obras vocales, ópera y partituras para películas.
Tras unos primeros estudios con el compositor Rubin Goldmark, Copland viajó a París, donde estudió primero con Isidor Philipp y Paul Vidal, y luego con la célebre pedagoga Nadia Boulanger. Estudió tres años con Boulanger, cuyo enfoque ecléctico de la música inspiró su propio gusto amplio en ese ámbito. Decidido a regresar a Estados Unidos para abrirse camino como compositor a tiempo completo, Copland dio conferencias-recitales, escribió obras por encargo y se dedicó a la enseñanza y la escritura. Le pareció que componer música de orquesta en el estilo «modernista» que había adaptado al extranjero era un enfoque contradictorio desde el punto de vista económico, especialmente a la luz de la Gran Depresión. A mediados de la década de 1930 cambió a un estilo musical más accesible que reflejaba la idea alemana de Gebrauchsmusik («música para usar»), música que podía servir para fines utilitarios y artísticos. Durante los años de la Depresión, viajó mucho a Europa, África y México, entabló una importante amistad con el compositor mexicano Carlos Chávez y comenzó a componer sus obras emblemáticas.
Durante los últimos años de la década de 1940, Copland sintió la necesidad de componer obras de mayor sustancia emocional que sus partituras utilitarias de finales de la década de 1930 y principios de la de 1940. Era consciente de que Stravinsky, al igual que muchos otros compositores, había comenzado a estudiar el uso de las técnicas de doce tonos (seriales) de Arnold Schoenberg. En su estilo personal, Copland comenzó a hacer uso de las filas de doce tonos en varias composiciones. Incorporó las técnicas seriales en algunas de sus obras posteriores, como su Cuarteto para piano (1951), Fantasía para piano (1957), Connotations para orquesta (1961) e Inscape para orquesta (1967). A partir de la década de 1960, las actividades de Copland pasaron de la composición a la dirección de orquesta. Se convirtió en un frecuente director invitado de orquestas en Estados Unidos y el Reino Unido y realizó una serie de grabaciones de su música, principalmente para Columbia Records.
Obras populares
Impresionado por el éxito de Cuatro santos en tres actos de Virgil Thomson, Copland escribió El Salón México entre 1932 y 1936, que tuvo una aclamación popular que contrastaba con la relativa oscuridad de la mayoría de sus obras anteriores. Parece que tenía la intención de que se convirtiera en una de las favoritas del público, como escribió en 1955: «Parece que hace mucho tiempo que nadie ha escrito una España o un Bolero, el tipo de pieza orquestal brillante que todo el mundo adora». La inspiración para esta obra surgió del vívido recuerdo de Copland de su visita al salón de baile «Salón México», donde fue testigo de una visión más íntima de la vida nocturna de México. Para Copland, el mayor impacto vino, no de la música de la gente que bailaba, sino del espíritu del ambiente. Copland dijo que podía sentir literalmente la esencia del pueblo mexicano en el salón de baile. Esto le impulsó a escribir una pieza que celebrara el espíritu de México utilizando temas mexicanos. Copland se basó libremente en dos colecciones de melodías folclóricas mexicanas, cambiando los tonos y variando los ritmos. El uso de una melodía folclórica con variaciones en un contexto sinfónico inició un patrón que repitió en muchas de sus obras más exitosas hasta la década de 1940. Esta obra también marcó el regreso de los patrones de jazz al estilo compositivo de Copland, aunque aparecían de forma más tenue que antes y ya no eran la pieza central. Chávez dirigió el estreno, y El Salón México se convirtió en un éxito internacional, ganando Copland un amplio reconocimiento.
Copland logró su primer gran éxito en la música de ballet con su innovadora partitura Billy the Kid, basada en una novela de Walter Noble Burns, con coreografía de Eugene Loring. El ballet fue uno de los primeros en mostrar un vocabulario de música y danza estadounidense, adaptando la «fuerte técnica y el intenso encanto de Astaire» y otros bailarines estadounidenses. Se distingue por el uso de la polirritmia y la polifonía, especialmente en las canciones de vaqueros. El ballet se estrenó en Nueva York en 1939, y Copland recordaba: «No puedo recordar otra obra mía que haya tenido una acogida tan unánime». John Martin escribió: «Aaron Copland ha proporcionado una partitura admirable, cálida y humana, y sin una nota desperdiciada en ninguna parte». Se convirtió en una obra básica del American Ballet Theatre, y la suite de veinte minutos del ballet de Copland pasó a formar parte del repertorio orquestal estándar. Cuando se le preguntó cómo un judío neoyorquino había conseguido captar tan bien el Viejo Oeste, Copland respondió: «Fue una hazaña de la imaginación»
A principios de la década de 1940, Copland produjo dos importantes obras destinadas a levantar la moral nacional. Fanfare for the Common Man, compuesta para metales y percusión, fue escrita en 1942 a petición del director Eugene Goossens, director de la Orquesta Sinfónica de Cincinnati. Más tarde se utilizaría para abrir muchas Convenciones Nacionales Demócratas, y para añadir dignidad a una amplia gama de otros eventos. Incluso grupos musicales, desde la banda de jazz de Woody Herman hasta los Rolling Stones, adaptaron el tema de apertura. Emerson, Lake & Palmer grabó una versión de «rock progresivo» de la composición en 1977. La fanfarria también se utilizó como tema principal del cuarto movimiento de la Tercera Sinfonía de Copland, donde aparece primero de forma tranquila y pastoral, y luego en la forma más brusca del original. Ese mismo año, Copland escribió A Lincoln Portrait, un encargo del director de orquesta André Kostelanetz, lo que supuso un refuerzo de su asociación con la música patriótica estadounidense. La obra es famosa por la recitación hablada de las palabras de Lincoln, aunque la idea había sido empleada anteriormente por la «Canción de fe» de John Alden Carpenter, basada en las citas de George Washington. «Lincoln Portrait» se interpreta a menudo en las celebraciones de las fiestas nacionales. Muchos estadounidenses han interpretado el recitado, entre ellos políticos, actores y músicos y el propio Copland, siendo Henry Fonda quien realizó la grabación más notable.
Continuando con su serie de éxitos, en 1942 Copland compuso el ballet Rodeo, una historia de una boda en un rancho, escrita más o menos al mismo tiempo que Lincoln Portrait. Rodeo es otra composición perdurable para Copland y contiene muchas melodías folclóricas reconocibles, bien mezcladas con la música original de Copland. En el último movimiento destaca el llamativo «Hoedown». Se trata de una recreación de la versión del violinista de los Apalaches W. H. Stepp de la melodía de baile cuadrado «Bonypart» («Bonaparte’s Retreat»), que había sido transcrita para piano por Ruth Crawford Seeger y publicada en el libro de Alan Lomax y Seeger, Our Singing Country (1941). Para el «Hoedown» de Rodeo, Copland tomó prestada nota por nota de la transcripción para piano de Seeger de la melodía de Stepp. Este fragmento (tomado de Ruth Crawford Seeger) es ahora una de las composiciones más conocidas de cualquier compositor estadounidense, ya que se ha utilizado en numerosas ocasiones en el cine y la televisión, incluidos los anuncios de la industria cárnica estadounidense. «Hoedown» recibió un arreglo rockero de Emerson, Lake & Palmer en 1972. El ballet, titulado originalmente «The Courting at Burnt Ranch», fue coreografiado por Agnes de Mille, sobrina del gigante del cine Cecil B. DeMille. Se estrenó en el Metropolitan Opera el 16 de octubre de 1942, con De Mille bailando el papel principal de «vaquera» y la representación recibió una gran ovación. Una partitura reducida sigue siendo popular como pieza orquestal, especialmente en los conciertos «Pops».
Figura 2. Martha Graham en 1948
Copland recibió el encargo de escribir otro ballet, Appalachian Spring, originalmente escrito con trece instrumentos, que finalmente arregló como una popular suite orquestal. El encargo de Appalachian Spring vino de Martha Graham, que había pedido a Copland simplemente «música para un ballet americano». Copland tituló la pieza «Ballet para Martha», sin tener idea de cómo la utilizaría ella en el escenario, pero la tenía en mente. «Cuando escribí ‘Appalachian Spring’ pensaba principalmente en Martha y en su estilo coreográfico único, que conocía bien. . . . Y ella es indudablemente muy americana: hay algo primitivo y comedido, sencillo pero fuerte, en ella que uno tiende a considerar como americano». Copland tomó prestado el sabor de las canciones y danzas de los Shaker, y utilizó directamente la canción de baile Simple Gifts. Graham tomó la partitura y creó un ballet que llamó Apalachian Spring (a partir de un poema de Hart Crane que no tenía ninguna relación con los Shakers). Fue un éxito inmediato, y la música adquirió más tarde el mismo nombre. A Copland le divertía y alegraba más tarde cuando la gente se le acercaba y le decía: «Sr. Copland, cuando veo ese ballet y escucho su música puedo ver los Apalaches y sentir la primavera». Copland no tenía en mente ningún escenario en particular mientras escribía la música, sólo intentó darle un sabor americano, y no tenía conocimiento del título prestado, en el que «spring» se refiere a un manantial de agua, no a la estación de la primavera.