Enchanted (film)

SviluppoModifica

La sceneggiatura iniziale di Enchanted, scritta da Bill Kelly, fu acquistata dalla Touchstone Pictures della Disney e dalla Sonnenfeld/Josephson Productions per una somma riportata di 450.000 dollari nel settembre 1997. La sceneggiatura è stata scritta per tre anni, ma si pensava che non fosse adatta alla Walt Disney Pictures perché era “un film più razzista R-rated”, ispirato ai film comici per adulti degli anni ’80 e ’90 come Fast Times at Ridgemont High e American Pie. La prima bozza della sceneggiatura aveva Giselle che veniva scambiata per una spogliarellista quando arrivava a New York City. Per la frustrazione di Kelly, la sceneggiatura è stata riscritta più volte, prima da Rita Hsiao e poi da Todd Alcott. L’uscita del film era inizialmente prevista per il 2002 con Rob Marshall come regista, ma questi si ritirò a causa di “differenze creative” tra lui e i produttori. Nel 2001, il regista Jon Turteltaub è stato impostato per dirigere il film, ma ha lasciato subito dopo, lavorando poi con la Disney e Jerry Bruckheimer sul franchise National Treasure. Adam Shankman divenne il regista del film nel 2003, mentre Bob Schooley e Mark McCorkle furono assunti dalla Disney per riscrivere nuovamente la sceneggiatura. All’epoca, la Disney considerò di offrire il ruolo di Giselle a Kate Hudson o Reese Witherspoon. Tuttavia, il progetto non decollò.

Il 25 maggio 2005, Variety riportò che Kevin Lima era stato assunto come regista e Bill Kelly era tornato al progetto per scrivere una nuova versione della sceneggiatura. Lima ha lavorato con Kelly alla sceneggiatura per combinare la trama principale di Enchanted con l’idea di un “amorevole omaggio” al patrimonio della Disney. Creò degli storyboard visivi che coprivano la storia di Enchanted dall’inizio alla fine, che riempirono un intero piano di un edificio di produzione. Dopo che Lima li mostrò a Dick Cook, il presidente dei Walt Disney Studios, ricevette il via libera per il progetto e un budget di 85 milioni di dollari. Lima iniziò a disegnare il mondo di Andalasia e a fare lo storyboard del film prima che fosse scelto un cast per interpretare i personaggi. Dopo che gli attori sono stati assunti, è stato coinvolto nella realizzazione del design finale del film, che si è assicurato che i personaggi animati assomigliassero alle loro controparti reali.

FilmingEdit

Enchanted è il primo lungometraggio Disney ibrido live-action/animazione tradizionale da Chi ha incastrato Roger Rabbit del 1988, anche se i personaggi animati tradizionalmente non interagiscono nell’ambiente live-action con lo stesso metodo che avevano in Roger Rabbit; Tuttavia, ci sono alcune scene in cui i personaggi live-action condividono lo schermo con personaggi animati bidimensionali, per esempio, un Nathaniel live-action che comunica con una Narissa disegnata in cel, che è in una pentola da cucina. Il film usa due rapporti d’aspetto; inizia in 2.35:1 quando vengono mostrati il logo della Walt Disney Pictures e il libro di storia Enchanted, e poi passa a un rapporto d’aspetto più piccolo 1.85:1 per la prima sequenza animata. Il film torna al 2.35:1 quando diventa live-action e non torna più indietro, nemmeno per il resto delle sequenze animate. Quando questo film fu trasmesso sulle reti televisive, l’inizio del film (meno il logo e i titoli di testa) fu mostrato in formato 4:3; il resto del film fu mostrato in formato 16:9 quando diventa live-action. Lima ha supervisionato la direzione di entrambe le sequenze di live-action e di animazione, che sono state prodotte allo stesso tempo. Enchanted ha richiesto quasi due anni per essere completato. L’animazione ha richiesto circa un anno per finire, mentre le scene live-action, che hanno iniziato le riprese sul posto a New York City durante l’estate del 2006 e sono state completate durante il processo di animazione, sono state girate in 72 giorni.

AnimationEdit

Dei 107 minuti di durata del film, dieci dei circa 13 minuti di animazione sono all’inizio del film. Lima ha cercato di “stipare ogni singolo pezzo di immaginario iconico Disney” che poteva nei primi dieci minuti, che sono stati fatti in animazione cel tradizionale (in contrasto con l’animazione 3-D generata dal computer) come un omaggio ai film di fiabe Disney del passato come La bella addormentata, Cenerentola e Biancaneve e i sette nani. È stato il primo film Disney distribuito al cinema in America con la tradizionale animazione cel dai tempi di Pooh’s Heffalump Movie (2005). Questo film, anche se abbastanza diverso in termini di trama da qualsiasi film Disney precedente, conteneva anche evidenti omaggi ad altri film Disney del lontano passato, come Old Yeller, The Shaggy Dog, Swiss Family Robinson, Bon Voyage e Savage Sam. Poiché la maggior parte degli artisti dell’animazione tradizionale della Disney sono stati licenziati dopo il boom della computer grafica alla fine degli anni ’90, i 13 minuti di animazione non sono stati realizzati internamente, ma dalla società indipendente James Baxter Animation, con sede a Pasadena, fondata dall’ex animatore Disney Baxter.

Anche se Lima voleva che l’animazione fosse nostalgica, voleva che Enchanted avesse uno stile tutto suo. Il team di Baxter ha deciso di usare l’Art Nouveau come punto di partenza. Per Giselle, il personaggio animato disegnato a mano doveva essere “un incrocio tra Amy Adams e una classica principessa Disney. E non una caricatura”. Vedendo Giselle come “una ragazza della foresta, una ninfa innocente con fiori nei capelli” e “un po’ hippie”, gli animatori volevano che fosse “fluente, con i suoi capelli e i suoi vestiti. Delicata”. Per il principe Edward, il team di Baxter “ha lavorato duramente su di lui per farlo assomigliare all’attore” perché i principi “in questo tipo di film sono di solito così insipidi”. Molti prototipi sono stati fatti per Narissa perché il team di Baxter voleva che il suo viso “assomigliasse a Susan Sarandon”. E i costumi dovevano allinearsi strettamente al design live-action”

Per mantenere la continuità tra i due media, Lima ha coinvolto la costumista Mona May durante le prime fasi della produzione del film in modo che i costumi fossero allineati sia nel mondo animato che in quello live-action. Ha anche girato alcuni filmati live-action di Amy Adams nei panni di Giselle da usare come riferimento per gli animatori, il che ha anche permesso che il movimento fisico del personaggio corrispondesse in entrambi i mondi. Le scene di prova completate dagli animatori sono state mostrate agli attori, permettendo loro di vedere come si sarebbero mossi i loro personaggi animati.

Live-actionEdit

Timothy Spall e James Marsden durante le riprese a Columbus Circle

Le riprese principali sono iniziate nell’aprile 2006 e sono terminate nel luglio 2006. A causa dell’ambientazione della sequenza, le scene d’azione dal vivo sono state girate a New York. Tuttavia, le riprese a New York sono diventate problematiche perché era in un “costante stato di nuovi negozi, impalcature e ristrutturazioni”.

La prima scena a New York, che vede Giselle emergere da un tombino nel mezzo di Times Square, è stata girata in location al centro della piazza. A causa delle difficoltà nel controllare la folla durante le riprese a Times Square, nella scena sono stati inseriti dei pedoni generici con delle comparse ingaggiate posizionate nell’immediato primo piano. Allo stesso modo, una folla si è riunita per guardare mentre James Marsden e Timothy Spall giravano le loro scene a Times Square. Tuttavia, la scena che Lima ha trovato più impegnativa da girare è stato il numero musicale, “That’s How You Know”, a Central Park. La scena di cinque minuti ha richiesto 17 giorni per essere completata a causa del tempo mutevole, che ha permesso solo sette giorni di sole per girare la scena. Le riprese furono anche ostacolate a volte dai fan di Patrick Dempsey. La scena è stata coreografata da John O’Connell, che aveva lavorato in precedenza a Moulin Rouge! e comprendeva 300 comparse e 150 ballerini.

Molte scene sono state girate agli Steiner Studios, che hanno fornito i tre grandi palchi di cui Enchanted aveva bisogno nella stessa struttura. Altre location esterne includevano il ponte di Brooklyn e The Paterno, un edificio di appartamenti con una facciata curva, pesantemente abbellita e color avorio, situato all’angolo tra Riverside Drive e la 116esima strada, che è la residenza dei personaggi del film Robert e Morgan.

Costume designEdit

L’abito da sposa di Giselle in mostra a El Capitan Theatre

Tutti i costumi del film furono disegnati da Mona May, che aveva già lavorato a Clueless, The Wedding Singer e The Haunted Mansion. Per creare i costumi, May ha trascorso un anno in pre-produzione lavorando con gli animatori e il suo reparto costumi composto da 20 persone, mentre si è affidata a cinque negozi di costumi esterni a Los Angeles e New York City. È stata coinvolta nel progetto durante il periodo in cui gli animatori stavano disegnando i volti e i corpi dei personaggi, poiché dovevano “tradurre i costumi da disegni bidimensionali a proporzioni umane live-action”. Il suo obiettivo era quello di mantenere i disegni “disneyani fino al midollo, ma portare un po’ di moda e umorismo e renderli qualcosa di nuovo”. Tuttavia, May ha ammesso che è stato difficile “perché si tratta di personaggi iconici Disney che sono stati nella psiche del pubblico per così tanto tempo”.

Per il personaggio di Giselle, il suo viaggio per diventare una vera donna si riflette nei suoi abiti, che diventano meno fiabeschi man mano che il film procede. Il suo abito da sposa all’inizio del film contrasta direttamente con il suo abito moderno alla fine del film. L’abito da sposa serviva a fornire un “enorme contrasto con i disegni piatti” e ad accentuare l’immagine di una principessa Disney. Per far sembrare la vita piccola, le maniche sono state progettate per essere “estremamente gonfie” e la gonna per essere il più grande possibile, il che includeva un cerchio di metallo che sostiene 20 strati di sottovesti e volant. Complessivamente, undici versioni del vestito sono state fatte per le riprese, ognuna fatta di 200 iarde (183 m) di raso di seta e altri tessuti, e del peso di circa 40 libbre (18 kg). Sull’esperienza di indossare l’abito da sposa, Amy Adams l’ha descritta come “estenuante” poiché “tutto il peso era sui suoi fianchi, quindi ogni tanto sembrava che fosse in trazione”.

A differenza di Giselle, il principe Edoardo non si adatta al mondo reale e James Marsden, che interpreta Edoardo, ha avuto solo un costume disegnato per lui. L’obiettivo di May era quello di cercare “di non perdere Marsden nella follia del costume… dove appare ancora bello”. Il costume includeva anche un’imbottitura nel petto, nei glutei e nel cavallo, che dava a Marsden “le stesse proporzioni esagerate di un personaggio animato” e “la postura – la sua schiena è dritta, le maniche sono in alto e non crollano mai”.

May era felice che Lima “cercasse qualcosa di più alla moda” con la regina Narissa di Susan Sarandon. Ha deciso di farla sembrare una “signora da passerella”, indossando qualcosa che è “ancora Disney” ma anche “alta moda, come qualcosa che John Galliano o Thierry Mugler potrebbero disegnare”. Dal momento che Narissa appare in tre media: animazione disegnata a mano, live-action e animazione al computer, May ha dovuto assicurarsi che il costume fosse lo stesso per tutto in termini di “colore, forma e struttura”. Il costume per Narissa consisteva in un corsetto e una gonna di pelle, che sembrava “rettile”, così come un mantello. Lavorando con gli animatori, May incorporò parti della forma del drago nel costume; il mantello fu progettato per sembrare ali, gli strati della gonna si avvolgono come una coda e una corona che si sarebbe trasformata in corna durante la trasformazione di Narissa in drago.

MusicEdit

La colonna sonora del film è stata scritta dall’affermato cantautore e compositore Alan Menken, che ha già lavorato a diversi film Disney. Il collega Stephen Schwartz ha scritto i testi di sei canzoni, anch’essi composti da Menken. Menken e Schwartz avevano già lavorato insieme alle canzoni di Pocahontas e Il gobbo di Notre Dame.

Menken è stato coinvolto nel film nelle prime fasi di sviluppo e ha invitato Schwartz a riprendere la loro collaborazione. Hanno iniziato il processo di scrittura delle canzoni cercando i momenti giusti nella storia in cui era permesso un momento di canzone. Schwartz trovò che era più facile giustificare le situazioni in cui i personaggi sarebbero esplosi in canzoni in Enchanted che in altri musical live-action, poiché il suo concetto “permetteva ai personaggi di cantare in un modo che era completamente integrato alla trama della storia”. Le tre canzoni che Giselle canta contengono riferimenti a film Disney precedenti. La prima canzone del film, “True Love’s Kiss”, è stata scritta per essere “una parodia e un omaggio allo stile di quei lungometraggi animati Disney”, cioè “I’m Wishing” (Biancaneve e i sette nani) e “A Dream is a Wish Your Heart Makes” (Cenerentola), in cui le eroine Disney cantano la gioia di essere amate. Ha rappresentato una sfida per Menken e Schwartz a causa dei “molti preconcetti con quel numero”; doveva riflettere l’epoca di Biancaneve e i sette nani e Cenerentola. Di conseguenza, Amy Adams ha eseguito la prima canzone in stile operetta in contrasto con lo stile Broadway delle canzoni successive.

Anche “Happy Working Song” e “That’s How You Know” rendono omaggio alle canzoni Disney del passato. “Happy Working Song” è un omaggio lirico a canzoni come “Whistle While You Work” (Biancaneve e i Sette Nani), “The Work Song” (Cenerentola), “A Spoonful of Sugar” (Mary Poppins) e “Making Christmas” (The Nightmare Before Christmas), e un omaggio musicale agli Sherman Brothers (con un autoparodico “Alan Menken style” middle eight). “That’s How You Know” è un’auto-parodia delle composizioni di Menken per i suoi lungometraggi Disney, in particolare i grandi numeri della produzione come “Under the Sea” (The Little Mermaid) e “Be Our Guest” (Beauty and the Beast). Per ottenere questo, Schwartz ha ammesso di aver dovuto “spingere un po’ di più in termini di scelte di parole o di certi testi” pur mantenendo “la classica sensibilità di Walt Disney”. Tuttavia, Menken ha notato che le canzoni che ha scritto per la Disney sono sempre state “un po’ ironiche”. Man mano che il film progredisce, la musica usa stili più contemporanei, il che si sente nella ballata per adulti “So Close” e nel numero country/pop “Ever Ever After” (cantato da Carrie Underwood come voce fuori campo).

Delle sei canzoni completate scritte e composte da Menken e Schwartz, cinque sono rimaste nel film finito. La canzone del titolo, “Enchanted”, un duetto con Idina Menzel e James Marsden, è stata l’unica canzone di Menken e Schwartz che è stata eliminata dal film.

EffectsEdit

La maggior parte degli effetti visivi di Enchanted sono stati realizzati dal Tippett Studio di Berkeley, California, che ha contribuito con un totale di 320 riprese. Queste riprese hanno coinvolto set virtuali, effetti ambientali e personaggi in computer grafica che si sono esibiti accanto ad attori reali, in particolare gli animali animati durante la sequenza “Happy Working Song”, Pip e il drago Narissa durante le porzioni live-action del film. La CIS Hollywood è stata responsabile di 36 riprese di effetti visivi, che hanno riguardato principalmente rimozioni di fili e compositi. Reel FX Creative Studios ha fatto quattro riprese di effetti visivi che coinvolgono le transizioni tra le pagine del libro pop-up, mentre Weta Digital ne ha fatte due.

Tra tutti gli animali che appaiono nella sequenza “Happy Working Song”, gli unici animali reali filmati sul set sono stati ratti e piccioni. Gli animali reali catturati su pellicola hanno aiutato il Tippett Studio a creare ratti e piccioni in CG, che hanno dato performance dinamiche come avere piccioni che portano scope nel becco e ratti che strofinano con spazzolini da denti. D’altra parte, tutti gli scarafaggi erano personaggi in CG.

Pip, un chipmunk che può parlare nel mondo 2D di Andalasia, perde la sua capacità di comunicare attraverso la parola nel mondo reale, quindi deve fare molto affidamento sui gesti del viso e del corpo. Questo significava che gli animatori dovevano mostrare le emozioni di Pip attraverso la performance, oltre a farlo apparire come un vero scoiattolo. Il team di Tippett ha iniziato il processo di animazione di Pip osservando gli scoiattoli dal vivo che sono stati filmati in movimento da “ogni angolo concepibile”, dopo di che hanno creato uno scoiattolo fotorealistico attraverso l’uso di software di computer grafica 3D, Maya e Furrocious. Quando il supervisore degli effetti visivi Thomas Schelesny ha mostrato la prima animazione di Pip al regista Kevin Lima, è rimasto sorpreso dal fatto che stava guardando un personaggio in CG e non un filmato di riferimento. Per migliorare le espressioni facciali, i modellatori hanno dato a Pip le sopracciglia, che i veri scoiattoli non hanno. Durante le riprese delle scene in cui appare Pip, sono stati usati diversi modi per indicare la presenza fisica di Pip. In alcune occasioni, un piccolo scoiattolo di peluche con un’armatura di filo metallico all’interno è stato inserito nella scena. In altre situazioni, un’asta con un piccolo pennarello all’estremità o un puntatore laser veniva usato per mostrare agli attori e al direttore della fotografia dove si trovava Pip.

A differenza di Pip, al drago Narissa è stato permesso di essere più un personaggio di fantasia pur avendo l’aspetto di un personaggio vivente e un classico cattivo Disney. Il design del drago in computer grafica era vagamente basato su un drago tradizionale cinese e sulla strega live-action di Susan Sarandon. Durante le riprese della scena che vede la trasformazione di Narissa da donna in drago, è stata usata una lunga asta per dirigere le linee degli occhi delle comparse invece di un puntatore laser. I pezzi del set sono stati fatti muovere avanti e indietro, oltre ad avere un setup delle luci controllato dal computer e una testa ripetibile sulla telecamera che erano tutti sincronizzati. Nella sequenza finale del film, in cui Narissa si arrampica sul Woolworth Building mentre stringe Robert tra i suoi artigli, è stato costruito un impianto greenscreen per sostenere Patrick Dempsey in modo da filmare il suo volto e i suoi movimenti. L’impianto era un approccio da “burattinaio” che prevedeva un braccio robotico controllato da tre diversi artisti degli effetti speciali.