Musica 101

Copland rappresenta una prima volta nei nostri studi: un compositore nato in America. Nato a Brooklyn, NY, Aaron Copland studiò a Parigi e poi tornò negli Stati Uniti dove fu influenzato dal compositore Aaron Stieglitz. Stieglitz pensava che gli artisti americani dovessero creare opere che dessero espressione alla democrazia americana. Copland lo fece certamente in diversi balletti popolari che facevano uso di melodie popolari americane, in particolare canzoni di cowboy. Il balletto Rodeo e il movimento di quell’opera presente nella nostra playlist, “Hoedown”, è inconfondibile nel suo riferimento al West americano. Questo nazionalismo americano è in netto contrasto con la musica modernista dei contemporanei di Copland.

Introduzione

Figura 1. Aaron Copland come soggetto di un concerto dei giovani, 1970

Aaron Copland (14 novembre 1900 – 2 dicembre 1990) è stato un compositore americano, insegnante di composizione, scrittore e più tardi nella sua carriera un direttore d’orchestra della sua e di altre musiche americane. Strumentale nel forgiare uno stile distintamente americano di composizione, nei suoi ultimi anni è stato spesso indicato come “il decano dei compositori americani” ed è meglio conosciuto al pubblico per le opere che ha scritto negli anni ’30 e ’40 in uno stile deliberatamente accessibile spesso indicato come “populista” e che il compositore ha etichettato il suo stile “vernacolare”. Le opere in questa vena includono i balletti Appalachian Spring, Billy the Kid e Rodeo, la sua Fanfara per l’Uomo Comune e la Terza Sinfonia. Le armonie aperte, che cambiano lentamente, di molte delle sue opere sono archetipiche di quello che molte persone considerano il suono della musica americana, evocando il vasto paesaggio americano e lo spirito dei pionieri. Oltre ai suoi balletti e alle opere orchestrali, produsse musica in molti altri generi tra cui musica da camera, opere vocali, opera e colonne sonore di film.

Dopo alcuni studi iniziali con il compositore Rubin Goldmark, Copland viaggiò a Parigi, dove studiò prima con Isidor Philipp e Paul Vidal, poi con la nota pedagoga Nadia Boulanger. Studiò tre anni con la Boulanger, il cui approccio eclettico alla musica ispirò il suo ampio gusto in quell’area. Determinato al suo ritorno negli Stati Uniti a farsi strada come compositore a tempo pieno, Copland tenne conferenze-recital, scrisse opere su commissione e fece qualche insegnamento e scrittura. Trovò che comporre musica orchestrale nello stile “modernista” che aveva adattato all’estero era un approccio finanziariamente contraddittorio, in particolare alla luce della Grande Depressione. Si spostò a metà degli anni ’30 verso uno stile musicale più accessibile che rispecchiava l’idea tedesca della Gebrauchsmusik (“musica per l’uso”), musica che poteva servire a scopi utilitaristici e artistici. Durante gli anni della Depressione, viaggiò molto in Europa, Africa e Messico, strinse un’importante amicizia con il compositore messicano Carlos Chávez e iniziò a comporre le sue opere d’autore.

Durante i tardi anni ’40 Copland sentì il bisogno di comporre opere di maggiore sostanza emotiva rispetto alle sue partiture utilitaristiche della fine degli anni ’30 e dei primi anni ’40. Era consapevole che Stravinsky, così come molti altri compositori, aveva iniziato a studiare l’uso di Arnold Schoenberg delle tecniche dodecafoniche (seriali). Nel suo stile personale, Copland iniziò a fare uso di file dodecafoniche in diverse composizioni. Incorporò le tecniche seriali in alcune delle sue opere successive, tra cui il Quartetto per pianoforte (1951), la Fantasia per pianoforte (1957), Connotations per orchestra (1961) e Inscape per orchestra (1967). Dagli anni ’60 in poi, l’attività di Copland si spostò maggiormente dalla composizione alla direzione d’orchestra. Divenne un frequente direttore ospite di orchestre negli Stati Uniti e nel Regno Unito e fece una serie di registrazioni della sua musica, principalmente per la Columbia Records.

Lavori popolari

Impressionato dal successo di Four Saints in Three Acts di Virgil Thomson, Copland scrisse El Salón México tra il 1932 e il 1936, che incontrò un successo popolare che contrastava la relativa oscurità della maggior parte delle sue opere precedenti. Sembra che avesse l’intenzione di essere un favorito popolare, come scrisse nel 1955: “Sembra che sia passato molto tempo da quando qualcuno ha scritto una España o un Bolero, il tipo di pezzo orchestrale brillante che tutti amano”. L’ispirazione per questo lavoro venne dal vivido ricordo di Copland di aver visitato la sala da ballo “Salon Mexico” dove fu testimone di una visione più intima della vita notturna del Messico. Per Copland, l’impatto maggiore venne, non dalla musica della gente che ballava, ma dallo spirito dell’ambiente. Copland disse che poteva letteralmente sentire l’essenza del popolo messicano nella sala da ballo. Questo lo spinse a scrivere un pezzo che celebrasse lo spirito del Messico usando temi messicani. Copland derivò liberamente da due raccolte di melodie popolari messicane, cambiando le altezze e variando i ritmi. L’uso di una melodia popolare con variazioni in un contesto sinfonico iniziò un modello che ripeté in molte delle sue opere di maggior successo fino agli anni Quaranta. Quest’opera segnò anche il ritorno dei motivi jazz nello stile compositivo di Copland, anche se apparivano in una forma più sommessa di prima e non erano più il centro dell’attenzione. Chávez diresse la prima, e El Salón México divenne un successo internazionale, facendo guadagnare a Copland un ampio riconoscimento.

Copland raggiunse il suo primo grande successo nella musica da balletto con la sua rivoluzionaria partitura Billy the Kid, basata su un romanzo di Walter Noble Burns, con la coreografia di Eugene Loring. Il balletto fu tra i primi a mostrare un vocabolario americano di musica e danza, adattando la “tecnica forte e il fascino intenso di Astaire” e di altri ballerini americani. Si distingueva per l’uso della poliritmia e della polifonia, in particolare nelle canzoni dei cowboy. Il balletto fu presentato per la prima volta a New York nel 1939, e Copland ricordava: “Non riesco a ricordare un’altra mia opera che sia stata accolta così unanimemente”. John Martin scrisse: “Aaron Copland ha fornito una partitura ammirevole, calda e umana, e senza una nota sprecata da nessuna parte”. Divenne un lavoro fondamentale dell’American Ballet Theatre, e la suite di venti minuti di Copland dal balletto entrò a far parte del repertorio orchestrale standard. Quando gli fu chiesto come un ebreo newyorkese fosse riuscito a catturare così bene il vecchio West, Copland rispose: “È stata solo una prodezza dell’immaginazione.”

Nei primi anni ’40, Copland produsse due importanti opere destinate a sollevare il morale nazionale. La Fanfara per l’uomo comune, per ottoni e percussioni, fu scritta nel 1942 su richiesta del direttore d’orchestra Eugene Goossens, direttore della Cincinnati Symphony Orchestra. In seguito sarebbe stata usata per aprire molte Convention Nazionali Democratiche, e per aggiungere dignità a una vasta gamma di altri eventi. Anche gruppi musicali, dalla jazz band di Woody Herman ai Rolling Stones, adattarono il tema di apertura. Emerson, Lake & Palmer registrarono una versione “progressive rock” della composizione nel 1977. La fanfara fu anche usata come tema principale del quarto movimento della Terza Sinfonia di Copland, dove appare prima in modo tranquillo e pastorale, poi nella forma più brillante dell’originale. Nello stesso anno, Copland scrisse A Lincoln Portrait, una commissione del direttore d’orchestra André Kostelanetz, portando ad un ulteriore rafforzamento della sua associazione con la musica patriottica americana. L’opera è famosa per la recitazione parlata delle parole di Lincoln, anche se l’idea era stata precedentemente impiegata dalla “Song of Faith” di John Alden Carpenter basata sulle citazioni di George Washington. Il “Ritratto di Lincoln” viene spesso eseguito nelle celebrazioni delle feste nazionali. Molti americani hanno eseguito la recitazione, inclusi politici, attori e musicisti e lo stesso Copland, con Henry Fonda che ha fatto la registrazione più notevole.

Continuando la sua serie di successi, nel 1942 Copland compose il balletto Rodeo, un racconto di un matrimonio in un ranch, scritto circa nello stesso periodo di Lincoln Portrait. Rodeo è un’altra composizione duratura per Copland e contiene molte riconoscibili melodie popolari, ben mescolate con la musica originale di Copland. Notevole nel movimento finale, è l’impressionante “Hoedown”. Questa era una ricreazione della versione del violinista degli Appalachi W. H. Stepp della melodia di danza quadrata “Bonypart” (“Bonaparte’s Retreat”), che era stata trascritta per pianoforte da Ruth Crawford Seeger e pubblicata nel libro di Alan Lomax e Seeger, Our Singing Country (1941). Per la “Hoedown” in Rodeo Copland prese in prestito nota per nota dalla trascrizione per pianoforte di Seeger della melodia di Stepp. Questo frammento (preso da Ruth Crawford Seeger) è oggi una delle composizioni più conosciute di qualsiasi compositore americano, essendo stato usato numerose volte nei film e in televisione, compresi gli spot pubblicitari per l’industria americana della carne bovina. “Hoedown” ha ricevuto un arrangiamento rock da Emerson, Lake & Palmer nel 1972. Il balletto, originariamente intitolato “The Courting at Burnt Ranch”, fu coreografato da Agnes de Mille, nipote del gigante del cinema Cecil B. DeMille. Ha debuttato al Metropolitan Opera il 16 ottobre 1942, con de Mille che ballava il ruolo principale di “cowgirl” e la performance ha ricevuto una standing ovation. Una partitura ridotta è ancora popolare come pezzo orchestrale, specialmente nei concerti “Pops”.

Figura 2. Martha Graham nel 1948

Copland fu incaricato di scrivere un altro balletto, Appalachian Spring, originariamente scritto usando tredici strumenti, che alla fine arrangiò come una popolare suite orchestrale. La commissione per Appalachian Spring venne da Martha Graham, che aveva richiesto a Copland solo “musica per un balletto americano”. Copland intitolò il pezzo “Ballet for Martha”, non avendo idea di come lei l’avrebbe usato sul palco, ma aveva lei in mente. “Quando scrissi ‘Appalachian Spring’ pensavo principalmente a Martha e al suo stile coreografico unico, che conoscevo bene. . . . E lei è indiscutibilmente molto americana: c’è qualcosa di primitivo e sobrio, semplice ma forte, in lei che si tende a pensare come americano”. Copland prese in prestito il sapore delle canzoni e delle danze Shaker, e usò direttamente la canzone di danza Simple Gifts. Graham prese la partitura e creò un balletto che chiamòAppalachian Spring (da una poesia di Hart Crane che non aveva alcuna connessione con gli Shaker). Fu un successo immediato, e la musica in seguito acquisì lo stesso nome. Copland si divertì e si rallegrò più tardi nella vita quando la gente andava da lui e diceva: “Signor Copland, quando vedo quel balletto e quando sento la sua musica posso vedere gli Appalachi e sentire la primavera”. Copland non aveva in mente un’ambientazione particolare mentre scriveva la musica, cercava solo di darle un sapore americano, e non era a conoscenza del titolo preso in prestito, in cui “spring” si riferisce a una sorgente d’acqua, non alla stagione Spring.