Music 101
Copland representa uma estreia nos nossos estudos: um compositor nascido nos EUA. Nascido em Brooklyn, NY, Aaron Copland estudou em Paris e regressou depois aos Estados Unidos, onde foi influenciado pelo compositor Aaron Stieglitz. Stieglitz sentiu que os artistas americanos deveriam criar uma obra que desse expressão à democracia americana. Copland fê-lo certamente em vários ballets populares que faziam uso de músicas folclóricas americanas, particularmente canções de cowboys. O Rodeo de ballet e o movimento desse trabalho apresentado na nossa playlist, “Hoedown”, é inconfundível na sua referência ao Ocidente americano. Este nacionalismo americano contrasta fortemente com a música modernista dos contemporâneos de Copland.
Introduction
Figure 1. Aaron Copland como tema de um Concerto para Jovens, 1970
Aaron Copland (14 de Novembro de 1900-Dezembro 2, 1990) foi um compositor americano, professor de composição, escritor, e mais tarde na sua carreira um maestro da sua própria música e de outras músicas americanas. Instrumental na forja de um estilo de composição distintamente americano, nos seus últimos anos foi frequentemente referido como “o Decano dos Compositores Americanos” e é mais conhecido do público pelas obras que escreveu nas décadas de 1930 e 1940 num estilo deliberadamente acessível, frequentemente referido como “populista” e que o compositor rotulou como o seu estilo “vernacular”. As obras nesta linha incluem os ballets Appalachian Spring, Billy the Kid e Rodeo, a sua Fanfare for the Common Man e a Third Symphony. As harmonias abertas e em lenta mudança de muitas das suas obras são arquétipos do que muitas pessoas consideram ser o som da música americana, evocando a vasta paisagem americana e o espírito pioneiro. Além dos seus ballets e obras orquestrais, produziu música em muitos outros géneros, incluindo música de câmara, obras vocais, ópera e partituras de filmes.
Depois de alguns estudos iniciais com o compositor Rubin Goldmark, Copland viajou para Paris, onde estudou inicialmente com Isidor Philipp e Paul Vidal, depois com a notável pedagoga Nadia Boulanger. Estudou três anos com Boulanger, cuja abordagem ecléctica da música inspirou o seu amplo gosto nessa área. Determinado no seu regresso aos E.U.A. para se tornar um compositor a tempo inteiro, Copland deu palestras-recitais, escreveu obras por encomenda e fez algumas aulas e escreveu. Encontrou na composição de música orquestral no estilo “modernista” que tinha adaptado no estrangeiro uma abordagem financeiramente contraditória, particularmente à luz da Grande Depressão. Mudou em meados dos anos 30 para um estilo musical mais acessível que reflectia a ideia alemã de Gebrauchsmusik (“música para uso”), música que podia servir propósitos utilitários e artísticos. Durante os anos da Depressão, viajou extensivamente para a Europa, África, e México, formou uma importante amizade com o compositor mexicano Carlos Chávez e começou a compor as suas obras de assinatura.
Durante os finais dos anos 40, Copland sentiu a necessidade de compor obras de maior substância emocional do que as suas partituras utilitárias dos finais dos anos 30 e princípios dos anos 40. Ele estava ciente de que Stravinsky, bem como muitos outros compositores, tinham começado a estudar o uso de técnicas de doze tons (em série) por Arnold Schoenberg. No seu estilo pessoal, Copland começou a fazer uso de linhas de doze tons em várias composições. Incorporou técnicas em série em algumas das suas obras posteriores, incluindo o seu Quarteto para Piano (1951), Piano Fantasy (1957), Connotações para orquestra (1961) e Inscape para orquestra (1967). A partir da década de 1960, as actividades da Copland passaram mais da composição à direcção. Tornou-se um maestro convidado frequente de orquestras nos EUA e no Reino Unido e fez uma série de gravações da sua música, principalmente para a Columbia Records.
Popular Works
Impressionado com o sucesso dos Quatro Santos de Virgil Thomson em Três Actos, Copland escreveu El Salón México entre 1932 e 1936, que encontrou uma aclamação popular que contrastava com a relativa obscuridade da maioria das suas obras anteriores. Parece que ele pretendia que fosse um favorito popular, como escreveu em 1955: “Parece que há muito tempo que ninguém escreveu uma España ou Bolero-o tipo de brilhante peça orquestral que todos adoram”. A inspiração para esta obra veio da lembrança viva de Copland de visitar o salão de dança “Salon México”, onde testemunhou uma visão mais íntima da vida nocturna do México. Para Copland, o maior impacto veio, não da música do povo a dançar, mas do espírito do ambiente. Copland disse que podia literalmente sentir a essência do povo mexicano no salão de baile. Isto levou-o a escrever uma peça celebrando o espírito do México usando Temas Mexicanos. Copland derivou livremente de duas colecções de músicas folclóricas mexicanas, mudando os campos e os ritmos variáveis. O uso de uma melodia folclórica com variações num contexto sinfónico iniciou um padrão que ele repetiu em muitas das suas obras mais bem sucedidas até aos anos 40. Este trabalho também marcou o regresso dos padrões de jazz ao estilo composicional de Copland, embora tenham surgido de uma forma mais subjugada do que antes e já não fossem a peça central. Chávez conduziu a estreia, e El Salón México tornou-se um sucesso internacional, ganhando amplo reconhecimento da Copland.
Copland alcançou o seu primeiro grande sucesso na música de ballet com a sua partitura pioneira Billy the Kid, baseada num romance de Walter Noble Burns, com coreografia de Eugene Loring. O ballet foi dos primeiros a exibir um vocabulário americano de música e dança, adaptando a “forte técnica e intenso encanto de Astaire” e outros dançarinos americanos. Era distinto no seu uso de polirritmo e poliarmonia, particularmente nas canções de cowboy. O ballet estreou em Nova Iorque em 1939, com Copland recordando “Não me lembro de outro trabalho meu que tenha sido tão unanimemente recebido”. John Martin escreveu: “Aaron Copland forneceu uma partitura admirável, quente e humana, e sem uma nota desperdiçada sobre ela em qualquer lugar”. Tornou-se uma obra básica do Teatro de Ballet Americano, e a suite de vinte minutos do ballet de Copland tornou-se parte do repertório orquestral padrão. Quando questionado sobre como um nova-iorquino judeu conseguiu capturar tão bem o Velho Oeste, Copland respondeu “Foi apenas um feito de imaginação”
No início da década de 1940, Copland produziu duas obras importantes destinadas a impulsionar a moral nacional. Fanfare for the Common Man, pontuado para metais e percussão, foi escrito em 1942 a pedido do maestro Eugene Goossens, maestro da Orquestra Sinfónica de Cincinnati. Mais tarde, seria utilizada para abrir muitas Convenções Nacionais Democráticas, e para acrescentar dignidade a uma vasta gama de outros eventos. Até grupos musicais da banda de jazz de Woody Herman para os Rolling Stones adaptaram o tema de abertura. Emerson, Lake & Palmer gravou uma versão de “rock progressivo” da composição em 1977. A fanfarra foi também utilizada como tema principal do quarto movimento da Terceira Sinfonia de Copland, onde aparece primeiro de forma calma e pastoral, depois na forma de sutiã do original. No mesmo ano, Copland escreveu A Lincoln Portrait, uma comissão do maestro André Kostelanetz, levando a um maior reforço da sua associação com a música patriótica americana. A obra é famosa pela recitação falada das palavras de Lincoln, embora a ideia tivesse sido anteriormente utilizada pela “Song of Faith” de John Alden Carpenter, baseada nas citações de George Washington. O “Lincoln Portrait” é frequentemente realizado em celebrações de feriados nacionais. Muitos americanos interpretaram a recitação, incluindo políticos, actores, músicos e o próprio Copland, com Henry Fonda a fazer a gravação mais notável.
Continuando a sua série de sucessos, em 1942 Copland compôs o Rodeo de ballet, um conto de casamento de um rancho, escrito por volta da mesma altura que Lincoln Portrait. Rodeo é outra composição duradoura para Copland e contém muitas canções populares reconhecíveis, bem misturadas com a música original de Copland. Notável no movimento final, é o impressionante “Hoedown”. Esta foi uma recriação do violinista Appalachian W. H. Stepp na versão da música de dança quadrada “Bonypart” (“Bonaparte’s Retreat”), que tinha sido transcrita para piano por Ruth Crawford Seeger e publicada no livro de Alan Lomax e Seeger, Our Singing Country (1941). Para a “Hoedown” em Rodeo Copland, nota emprestada para nota da transcrição para piano de Seeger da música de Stepp. Este fragmento (retirado de Ruth Crawford Seeger) é agora uma das composições mais conhecidas de qualquer compositor americano, tendo sido utilizado inúmeras vezes em filmes e na televisão, incluindo anúncios publicitários para a indústria americana de carne bovina. Emerson, Lake & Palmer em 1972, deu a “Hoedown” um arranjo rochoso. O ballet, originalmente intitulado “The Courting at Burnt Ranch”, foi coreografado por Agnes de Mille, sobrinha do gigante cinematográfico Cecil B. DeMille. Estreou na Ópera Metropolitana a 16 de Outubro de 1942, com de Mille a dançar o papel principal de “cowgirl” e o espectáculo recebeu uma ovação de pé. Uma partitura reduzida ainda é popular como peça orquestral, especialmente nos concertos “Pops”.
Figure 2. Martha Graham em 1948
C>Coloolo foi encarregada de escrever outro ballet, Appalachian Spring, originalmente escrito com treze instrumentos, que acabou por arranjar como uma popular suite orquestral. A comissão para a Appalachian Spring veio de Martha Graham, que tinha pedido à Copland apenas “música para um ballet americano”. Copland intitulou a peça “Ballet para Martha”, não tendo qualquer ideia de como ela a utilizaria no palco, mas ele tinha-a em mente. “Quando escrevi ‘Appalachian Spring’, estava a pensar principalmente em Martha e no seu estilo coreográfico único, que eu conhecia bem. . . . E ela é inquestionavelmente muito americana: há algo de primário e contido, simples mas forte, sobre ela que se tende a pensar como americana”. Copland pediu emprestado o sabor das canções e danças de Shaker, e utilizou directamente a canção de dança Simple Gifts. Graham pegou na partitura e criou um ballet a que chamou Primavera de Apalachian (de um poema de Hart Crane que não tinha qualquer ligação com Shakers). Foi um sucesso instantâneo, e a música adquiriu mais tarde o mesmo nome. Copland divertiu-se e deliciou-se mais tarde na vida, quando as pessoas se aproximavam dele e diziam: “Sr. Copland, quando vejo aquele ballet e quando ouço a sua música, posso ver os Apalaches e simplesmente sentir a Primavera”. Copland não tinha nenhum cenário em particular em mente enquanto escrevia a música, apenas tentou dar-lhe um sabor americano, e não tinha conhecimento do título emprestado, no qual “primavera” se refere a uma fonte de água, não à estação Primavera.