Arte popular
Los objetos del arte popular son un subconjunto de la cultura material e incluyen objetos que se experimentan a través de los sentidos, viendo y tocando. Como toda la cultura material, estos objetos tangibles se pueden manipular, reexperimentar repetidamente y, a veces, romper. Se consideran obras de arte por la hábil ejecución técnica de una forma y un diseño existentes; la habilidad puede verse en la precisión de la forma, la decoración de la superficie o la belleza del producto acabado. Como arte popular, estos objetos comparten varias características que los distinguen de otros artefactos de la cultura material.
Artistas popularesEditar
El objeto es creado por un solo artesano o equipo de artesanos. Los artesanos trabajan dentro de un marco cultural establecido. Suelen tener un estilo y un método reconocibles en la elaboración de sus piezas, lo que permite que sus productos sean reconocidos y atribuidos a un solo individuo o taller. Esto fue originalmente articulado por Alois Riegl en su estudio sobre Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, publicado en 1894. «Riegl… subrayó que la mano individual y las intenciones del artista eran importantes, incluso en la creatividad popular. Es cierto que el artista podía verse obligado por las expectativas del grupo a trabajar dentro de las normas de las formas y convenciones transmitidas, pero la creatividad individual -que implicaba opciones estéticas personales y virtuosismo técnico- salvaba del estancamiento las tradiciones recibidas o heredadas y permitía renovarlas en cada generación». La innovación individual en el proceso de producción desempeña un papel importante en la continuidad de estas formas tradicionales. Muchas tradiciones del arte popular, como el acolchado, la enmarcación ornamental de cuadros y la talla de señuelos, siguen prosperando, al tiempo que surgen constantemente nuevas formas.
Los artistas outsiders contemporáneos son con frecuencia autodidactas, ya que su trabajo se desarrolla a menudo de forma aislada o en pequeñas comunidades de todo el país. El Smithsonian American Art Museum alberga a más de 70 de estos artistas populares y autodidactas; por ejemplo, Elito Circa, un famoso artista del indigenismo reconocido internacionalmente, desarrolló sus propios estilos sin formación ni orientación profesional.
ArtesaníaEditar
Todos los objetos de arte folclórico se producen en un proceso de fabricación único. Sólo se fabrica un objeto a la vez, ya sea a mano o con una combinación de métodos manuales y mecánicos; no se producen en masa. Como resultado de esta producción manual, cada pieza individual es única y puede diferenciarse de otros objetos del mismo tipo. En su ensayo sobre los «objetos folclóricos», el folclorista Simon Bronner hace referencia a los modos de producción preindustriales, pero los objetos de arte folclórico siguen siendo piezas únicas elaboradas por artesanos expertos. «La noción de objetos folclóricos tiende a enfatizar lo hecho a mano sobre lo fabricado a máquina. Los objetos folclóricos implican un modo de producción común a la sociedad comunal preindustrial, donde los conocimientos y las habilidades eran personales y tradicionales». Esto no significa que todo el arte folclórico sea antiguo, sino que sigue siendo artesanal hoy en día en muchas regiones del mundo.
Talleres y aprendicesEditar
El diseño y la producción del arte folclórico se aprende y se enseña de manera informal o formal; los artistas folclóricos no son autodidactas. El arte popular no busca la expresión individual. En cambio, «el concepto de arte de grupo implica, de hecho requiere, que los artistas adquieran sus habilidades, tanto manuales como intelectuales, al menos en parte de la comunicación con los demás. La comunidad tiene algo, normalmente mucho, que decir sobre lo que se considera arte popular aceptable». Históricamente, la formación en una artesanía se realizaba en forma de aprendizaje con artesanos locales, como el herrero o el cantero. Cuando el equipo y las herramientas necesarias dejaron de estar disponibles en la comunidad, estos oficios tradicionales se trasladaron a las escuelas técnicas o a las escuelas de artes aplicadas.
Propiedad de la comunidadEditar
El objeto es reconocible dentro de su marco cultural como de un tipo conocido. Se pueden encontrar objetos similares en el entorno hechos por otros individuos que se parecen a este objeto. Sin excepción, las piezas individuales de arte popular harán referencia a otras obras de la cultura, incluso cuando muestren una ejecución individual excepcional en la forma o el diseño. Si no se pueden encontrar antecedentes para este objeto, puede seguir siendo una obra de arte, pero no es arte popular. «Aunque la sociedad tradicional no borra el ego, sí centra y dirige las opciones que un individuo puede hacer aceptablemente… la persona bien socializada encontrará que los límites no son inhibidores sino útiles… Donde las tradiciones son saludables las obras de los diferentes artistas son más similares que diferentes; son más uniformes que personales.»
Utilidad del objetoEditar
El tipo conocido del objeto debe ser, o haber sido originalmente, utilitario; fue creado para cumplir alguna función en la vida cotidiana del hogar o de la comunidad. Esta es la razón por la que el diseño se sigue haciendo. Dado que la forma en sí misma tenía una función y un propósito, fue duplicada a lo largo del tiempo en varios lugares por diferentes individuos. Un libro pionero sobre la historia del arte afirma que «toda cosa hecha por el hombre surge de un problema como solución intencionada». Escrito por George Kubler y publicado en 1962, «La forma del tiempo: Observaciones sobre la historia de las cosas» describe un enfoque del cambio histórico que sitúa la historia de los objetos y las imágenes en un continuo temporal más amplio. Sostiene que si el propósito de la forma fuera puramente decorativo, entonces no se duplicaría; en cambio, el creador habría diseñado algo nuevo. Sin embargo, dado que la forma en sí era un tipo conocido con función y propósito, continuó siendo copiada a lo largo del tiempo por diferentes individuos.
Estética del géneroEditar
El objeto se reconoce como excepcional en la forma y los motivos decorativos. Al formar parte de la comunidad, el artesano es muy consciente de la estética de la misma y de cómo los miembros de la cultura local responderán a su trabajo. Se esfuerza por crear un objeto que se ajuste a sus expectativas, trabajando dentro de los prejuicios culturales (en su mayoría) tácitos para confirmarlos y reforzarlos. Mientras que la forma compartida indica una cultura compartida, la innovación permite al artesano individual encarnar su propia visión; es una medida de lo bien que ha sido capaz de extraer los elementos individuales y manipularlos para formar una nueva permutación dentro de la tradición. «Para que el arte progrese, su unidad debe ser desmontada para que algunos de sus aspectos puedan ser liberados para su exploración, mientras que otros se alejan de la atención». La tensión creativa entre el objeto tradicional y el artesano se hace visible en estos objetos excepcionales. Esto, a su vez, nos permite plantear nuevas preguntas sobre la creatividad, la innovación y la estética.