Sztuka ludowa
Przedmioty sztuki ludowej stanowią podzbiór kultury materialnej i obejmują obiekty, które są doświadczane za pomocą zmysłów, poprzez widzenie i dotykanie. Jak wszystkie przedmioty kultury materialnej, te namacalne obiekty mogą być dotykane, wielokrotnie doświadczane, a czasami łamane. Są one uznawane za dzieła sztuki ze względu na umiejętne techniczne wykonanie istniejącej formy i projektu; umiejętność ta może być widoczna w precyzji formy, dekoracji powierzchni lub w pięknie gotowego produktu. Jako sztuka ludowa, przedmioty te posiadają kilka cech, które odróżniają je od innych artefaktów kultury materialnej.
Artyści ludowiEdit
Przedmiot jest tworzony przez jednego rzemieślnika lub zespół rzemieślników. Rzemieślnicy i kobiety pracują w ramach ustalonych ram kulturowych. Często mają rozpoznawalny styl i metodę w crafting swoje kawałki, pozwalając ich produkty do rozpoznania i przypisać do jednej osoby lub warsztatu. Zostało to pierwotnie wyartykułowane przez Aloisa Riegla w jego studium Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, opublikowanym w 1894 roku. „Riegl (…) podkreślał, że indywidualna ręka i intencje artysty są istotne nawet w twórczości ludowej. Z pewnością artysta mógł być zobowiązany przez oczekiwania grupy do pracy w ramach norm przekazanych form i konwencji, ale indywidualna twórczość – która oznaczała osobiste wybory estetyczne i wirtuozerię techniczną – chroniła otrzymane lub odziedziczone tradycje przed stagnacją i pozwalała na ich odnawianie w każdym pokoleniu.” Indywidualne innowacje w procesie produkcji odgrywają ważną rolę w kontynuacji tych tradycyjnych form. Wiele tradycji sztuki ludowej, takich jak pikowanie, ornamentalna oprawa obrazów i rzeźbienie wabików, nadal kwitnie, podczas gdy nowe formy ciągle się pojawiają.
Współcześni artyści outsiderzy są często samoukami, ponieważ ich prace często powstają w izolacji lub w małych społecznościach w całym kraju. W Smithsonian American Art Museum znajduje się ponad 70 takich artystów ludowych i samouków; na przykład Elito Circa, słynny i uznany na całym świecie artysta Indigenouism, rozwinął swoje własne style bez profesjonalnego szkolenia lub wskazówek.
Ręcznie wykonaneEdit
Wszystkie obiekty sztuki ludowej są wytwarzane w jednorazowym procesie produkcji. Tylko jeden obiekt jest wykonywany w tym samym czasie, ręcznie lub w kombinacji metod ręcznych i maszynowych; nie są one produkowane masowo. Dzięki ręcznej produkcji każdy egzemplarz jest niepowtarzalny i można go odróżnić od innych przedmiotów tego samego typu. W swoim eseju na temat „obiektów ludowych” folklorysta Simon Bronner odwołuje się do przedindustrialnych sposobów produkcji, ale obiekty sztuki ludowej nadal są wykonywane jako unikalne dzieła rzemieślnicze przez wykwalifikowanych rzemieślników. „Pojęcie przedmiotów ludowych ma tendencję do podkreślania tego, co wykonane ręcznie, zamiast tego, co wyprodukowane maszynowo. Obiekty ludowe sugerują sposób produkcji wspólny dla przedindustrialnego społeczeństwa, w którym wiedza i umiejętności były osobiste i tradycyjne.” Nie oznacza to, że cała sztuka ludowa jest stara, do dziś w wielu regionach na świecie nadal jest wykonywana ręcznie.
Warsztaty i praktykanciEdit
Projektowanie i produkcja sztuki ludowej jest poznawana i nauczana nieformalnie lub formalnie; artyści ludowi nie są samoukami. Sztuka ludowa nie dąży do indywidualnej ekspresji. Zamiast tego „koncepcja sztuki grupowej zakłada, wręcz wymaga, aby artyści zdobywali swoje umiejętności, zarówno manualne, jak i intelektualne, przynajmniej częściowo dzięki komunikacji z innymi. Społeczność ma coś do powiedzenia, zazwyczaj bardzo wiele, na temat tego, co uchodzi za akceptowalną sztukę ludową.” Historycznie rzecz biorąc, kształcenie w rzemiośle odbywało się w formie praktyk u lokalnych rzemieślników, takich jak kowal czy kamieniarz. Ponieważ potrzebny sprzęt i narzędzia nie były już łatwo dostępne w społeczności, te tradycyjne rzemiosła przeniosły się do szkół technicznych lub szkół sztuki użytkowej.
Własność społecznościEdit
Obiekt jest rozpoznawalny w ramach swojej kultury jako należący do znanego typu. W środowisku można znaleźć podobne obiekty wykonane przez inne osoby, które przypominają ten obiekt. Bez wyjątku poszczególne dzieła sztuki ludowej będą nawiązywać do innych dzieł w danej kulturze, nawet jeśli wykazują się wyjątkową indywidualnością wykonania w formie lub konstrukcji. Jeśli dla tego obiektu nie da się znaleźć antecedencji, to może on być nadal dziełem sztuki, ale nie jest sztuką ludową. „Podczas gdy tradycyjne społeczeństwo nie wymazuje ego, skupia i kieruje wyborami, które jednostka może akceptować… dobrze uspołeczniona osoba stwierdzi, że ograniczenia nie są hamujące, ale pomocne… Tam, gdzie tradycje są zdrowe, dzieła różnych artystów są bardziej podobne niż różne; są bardziej jednolite niż osobiste.”
Użyteczność przedmiotuEdit
Znany typ przedmiotu musi być, lub był pierwotnie, utylitarny; został stworzony, aby służyć jakiejś funkcji w codziennym życiu gospodarstwa domowego lub społeczności. To jest powód, dla którego projekt jest nadal wykonywany. Ponieważ forma sama w sobie miała funkcję i przeznaczenie, była z czasem powielana w różnych miejscach przez różne osoby. W przełomowej książce na temat historii sztuki stwierdzono, że „każda rzecz stworzona przez człowieka powstaje z problemu jako celowe rozwiązanie”. Napisana przez George’a Kublera i opublikowana w 1962 roku, „The Shape of Time: Remarks on the History of Things” opisuje podejście do zmian historycznych, które umieszcza historię przedmiotów i obrazów w szerszym kontinuum czasowym. Utrzymuje on, że gdyby forma była czysto dekoracyjna, to nie zostałaby powielona; zamiast tego twórca zaprojektowałby coś nowego. Jednak ponieważ forma sama w sobie była znanym typem z funkcją i celem, nadal była kopiowana w czasie przez różne osoby.
Estetyka gatunkuEdit
Obiekt jest uznany za wyjątkowy w formie i motywach dekoracyjnych. Będąc częścią społeczności, rzemieślnik doskonale zdaje sobie sprawę z estetyki społeczności i tego, jak członkowie lokalnej kultury zareagują na jego pracę. Dąży do stworzenia przedmiotu, który będzie odpowiadał ich oczekiwaniom, pracując w ramach (najczęściej) niewypowiedzianych uprzedzeń kulturowych, aby je potwierdzić i wzmocnić. Podczas gdy wspólna forma wskazuje na wspólną kulturę, innowacja pozwala indywidualnemu rzemieślnikowi wcielić własną wizję; jest miarą tego, jak dobrze udało mu się wyodrębnić poszczególne elementy i manipulować nimi w celu stworzenia nowej permutacji w ramach tradycji. „Aby sztuka mogła się rozwijać, jej jedność musi zostać rozmontowana, tak aby pewne jej aspekty mogły zostać uwolnione do eksploracji, podczas gdy inne kurczą się od uwagi”. Twórcze napięcie pomiędzy tradycyjnym przedmiotem a rzemieślnikiem staje się widoczne w tych wyjątkowych obiektach. To z kolei pozwala nam zadać nowe pytania na temat kreatywności, innowacji i estetyki.