Arte popular
Objectos da arte popular são um subconjunto da cultura material e incluem objectos que são experimentados através dos sentidos, vendo e tocando. Como com toda a cultura material, estes objectos tangíveis podem ser manuseados, repetidamente re-experientes, e por vezes quebrados. São considerados obras de arte devido à execução técnica hábil de uma forma e design existentes; a habilidade pode ser vista na precisão da forma, na decoração da superfície ou na beleza do produto acabado. Como arte popular, estes objectos partilham várias características que os distinguem de outros artefactos de cultura material.
Artistas popularesEditar
O objecto é criado por um único artesão ou equipa de artesãos. Os artesãos e artesãs trabalham dentro de um quadro cultural estabelecido. Têm frequentemente um estilo e método reconhecido na confecção das suas peças, permitindo que os seus produtos sejam reconhecidos e atribuídos a um único indivíduo ou oficina. Isto foi originalmente articulado por Alois Riegl no seu estudo da Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, publicado em 1894. “Riegl … salientou que a mão individual e as intenções do artista eram significativas, mesmo na criatividade folclórica. Com certeza, o artista pode ter sido obrigado pelas expectativas do grupo a trabalhar dentro das normas das formas e convenções transmitidas, mas a criatividade individual – que implicava escolhas estéticas pessoais e virtuosismo técnico – salvou as tradições recebidas ou herdadas da estagnação e permitiu que fossem renovadas em cada geração”. A inovação individual no processo de produção desempenha um papel importante na continuidade destas formas tradicionais. Muitas tradições da arte popular como a colagem, o enquadramento de quadros ornamentais e a escultura de engodo continuam a prosperar, enquanto novas formas emergem constantemente.
Os artistas forasteiros contemporâneos são frequentemente autodidatas, uma vez que o seu trabalho é frequentemente desenvolvido isoladamente ou em pequenas comunidades por todo o país. O Smithsonian American Art Museum abriga mais de 70 artistas populares e autodidactas; por exemplo, Elito Circa, um famoso e internacionalmente reconhecido artista do Indigenismo, desenvolveu os seus próprios estilos sem formação ou orientação profissional.
Hand craftedEdit
Todos os objectos de arte folclórica são produzidos num processo de produção único. Apenas um objecto é feito de cada vez, seja à mão ou numa combinação de métodos manuais e mecânicos; não são produzidos em massa. Como resultado desta produção manual, cada peça individual é única e pode ser diferenciada de outros objectos do mesmo tipo. No seu ensaio sobre “Objectos Folclóricos”, o folclorista Simon Bronner refere modos de produção pré-industriais, mas os objectos de arte folclórica continuam a ser feitos como peças únicas trabalhadas por artesãos qualificados. “A noção de objectos folclóricos tende a enfatizar o fabrico artesanal sobre o fabrico mecânico. Os objectos de arte popular implicam um modo de produção comum à sociedade comunitária pré-industrial onde o conhecimento e as competências eram pessoais e tradicionais”. Isto não significa que toda a arte popular seja antiga, continua hoje em dia a ser trabalhada à mão em muitas regiões do mundo.
Oficinas e aprendizesEditar
A concepção e produção de arte popular é aprendida e ensinada informalmente ou formalmente; os artistas populares não são autodidactas. A arte popular não se esforça por uma expressão individual. Em vez disso, “o conceito de arte de grupo implica, de facto, que os artistas adquiram as suas capacidades, tanto manuais como intelectuais, pelo menos em parte a partir da comunicação com outros. A comunidade tem algo, normalmente muito, a dizer sobre o que passa pela arte popular aceitável”. Historicamente, a formação num artesanato era feita como aprendiz com artesãos locais, tais como o ferreiro ou o pedreiro. Como o equipamento e as ferramentas necessárias já não estavam prontamente disponíveis na comunidade, estes artesãos tradicionais deslocaram-se para escolas técnicas ou escolas de artes aplicadas.
Propriedade da comunidadeEdit
O objecto é reconhecível dentro do seu quadro cultural como sendo de um tipo conhecido. Objectos semelhantes podem ser encontrados no ambiente feito por outros indivíduos que se assemelham a este objecto. Sem excepção, peças individuais de arte popular farão referência a outras obras na cultura, mesmo quando mostram uma execução individual excepcional na forma ou desenho. Se não for possível encontrar antecedentes para este objecto, poderá ainda ser uma peça de arte, mas não é arte folclórica. “Embora a sociedade tradicional não apague o ego, ela foca e dirige as escolhas que um indivíduo pode fazer aceitavelmente… a pessoa bem socializada descobrirá que os limites não são inibidores mas úteis… Onde as tradições são saudáveis, as obras de diferentes artistas são mais semelhantes do que diferentes; são mais uniformes do que pessoais.”
Utilidade do objectoEditar
O tipo conhecido do objecto deve ser, ou ter sido originalmente, utilitário; foi criado para servir alguma função na vida quotidiana do lar ou da comunidade. Esta é a razão pela qual o desenho continua a ser feito. Uma vez que a própria forma tinha função e finalidade, foi duplicada ao longo do tempo em vários locais por diferentes indivíduos. Um livro pioneiro sobre a história da arte afirma que “cada coisa feita pelo homem surge de um problema como uma solução propositada”. Escrito por George Kubler e publicado em 1962, “The Shape of Time” (A Forma do Tempo): Remarks on the History of Things” prossegue para descrever uma abordagem à mudança histórica que coloca a história dos objectos e das imagens num continuum maior de tempo. Sustenta que se a finalidade da forma fosse puramente decorativa, então não seria duplicada; em vez disso, o criador teria concebido algo novo. Contudo, como a própria forma era um tipo conhecido com função e propósito, continuou a ser copiada ao longo do tempo por diferentes indivíduos.
Estética do géneroEdit
O objecto é reconhecido como sendo excepcional na forma e motivos decorativos. Sendo parte da comunidade, o artesão está bem ciente da estética da comunidade, e de como os membros da cultura local irão responder ao seu trabalho. Ele esforça-se por criar um objecto que corresponda às suas expectativas, trabalhando dentro de preconceitos culturais (na sua maioria) não falados para os confirmar e fortalecer. Enquanto a forma partilhada indica uma cultura partilhada, a inovação permite ao artesão individual encarnar a sua própria visão; é uma medida de quão bem ele foi capaz de provocar os elementos individuais e manipulá-los para formar uma nova permutação dentro da tradição. “Para que a arte progrida, a sua unidade deve ser desmantelada de modo a que alguns dos seus aspectos possam ser libertados para a exploração, enquanto outros se retraem da atenção”. A tensão criativa entre o objecto tradicional e o artesão torna-se visível nestes objectos excepcionais. Isto, por sua vez, permite-nos fazer novas perguntas sobre criatividade, inovação, e estética.