Art populaire
Les objets d’art populaire sont un sous-ensemble de la culture matérielle et comprennent des objets qui sont expérimentés par les sens, en voyant et en touchant. Comme toute culture matérielle, ces objets tangibles peuvent être manipulés, réexpérimentés à plusieurs reprises, et parfois brisés. Ils sont considérés comme des œuvres d’art en raison de l’habileté de l’exécution technique d’une forme et d’un dessin existants ; cette habileté peut se manifester dans la précision de la forme, la décoration de la surface ou la beauté du produit fini. En tant qu’art populaire, ces objets partagent plusieurs caractéristiques qui les distinguent des autres artefacts de la culture matérielle.
Artistes populairesModification
L’objet est créé par un seul artisan ou une équipe d’artisans. Les artisans travaillent dans un cadre culturel établi. Ils ont fréquemment un style et une méthode reconnaissables dans la fabrication de leurs pièces, ce qui permet de reconnaître leurs produits et de les attribuer à un seul individu ou atelier. Ce principe a été formulé à l’origine par Alois Riegl dans son étude intitulée Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, publiée en 1894. « Riegl … soulignait que la main et les intentions individuelles de l’artiste étaient importantes, même dans la créativité populaire. Certes, l’artiste pouvait être obligé par les attentes du groupe de travailler dans les normes des formes et des conventions transmises, mais la créativité individuelle – qui impliquait des choix esthétiques personnels et une virtuosité technique – empêchait les traditions reçues ou héritées de stagner et leur permettait de se renouveler à chaque génération. » L’innovation individuelle dans le processus de production joue un rôle important dans la perpétuation de ces formes traditionnelles. De nombreuses traditions d’art populaire comme le matelassage, l’encadrement de tableaux ornementaux et la sculpture de leurres continuent de prospérer, tandis que de nouvelles formes émergent constamment.
Les artistes outsiders contemporains sont fréquemment autodidactes car leur travail est souvent développé dans l’isolement ou dans de petites communautés à travers le pays. Le Smithsonian American Art Museum abrite plus de 70 de ces artistes folkloriques et autodidactes ; par exemple, Elito Circa, un artiste célèbre et internationalement reconnu de l’indigénisme, a développé ses propres styles sans formation ni conseils professionnels.
Fait à la mainEdit
Tous les objets d’art populaire sont produits dans un processus de production unique. Un seul objet est fabriqué à la fois, soit à la main, soit par une combinaison de méthodes manuelles et mécaniques ; ils ne sont pas produits en série. Grâce à cette production manuelle, chaque pièce individuelle est unique et peut être différenciée des autres objets du même type. Dans son essai sur les « objets folkloriques », le folkloriste Simon Bronner fait référence à des modes de production préindustriels, mais les objets d’art populaire continuent d’être fabriqués comme des pièces uniques par des artisans qualifiés. « La notion d’objets folkloriques tend à privilégier le fait main par rapport à la fabrication mécanique. Les objets folkloriques impliquent un mode de production commun à la société communautaire préindustrielle où les connaissances et les compétences étaient personnelles et traditionnelles. » Cela ne signifie pas que tout l’art populaire est ancien, il continue d’être fabriqué à la main aujourd’hui dans de nombreuses régions du monde.
Ateliers et apprentisEdit
La conception et la production de l’art populaire s’apprennent et s’enseignent de manière informelle ou formelle ; les artistes populaires ne sont pas autodidactes. L’art populaire ne vise pas l’expression individuelle. Au contraire, « le concept d’art collectif implique, voire exige, que les artistes acquièrent leurs capacités, tant manuelles qu’intellectuelles, au moins en partie par la communication avec les autres. La communauté a quelque chose, généralement beaucoup, à dire sur ce qui est considéré comme un art populaire acceptable ». Historiquement, la formation à un métier artisanal se faisait sous forme d’apprentissage auprès d’artisans locaux, comme le forgeron ou le tailleur de pierre. Comme l’équipement et les outils nécessaires n’étaient plus facilement disponibles dans la communauté, ces métiers traditionnels se sont déplacés dans des écoles techniques ou des écoles d’arts appliqués.
Propriété de la communautéEdit
L’objet est reconnaissable dans son cadre culturel comme étant d’un type connu. On peut trouver dans l’environnement des objets similaires fabriqués par d’autres individus qui ressemblent à cet objet. Sans exception, les pièces individuelles d’art populaire feront référence à d’autres œuvres dans la culture, même si elles montrent une exécution individuelle exceptionnelle dans la forme ou le design. Si l’on ne peut pas trouver d’antécédents pour cet objet, il peut quand même s’agir d’une œuvre d’art, mais ce n’est pas de l’art populaire. » Si la société traditionnelle n’efface pas l’ego, elle concentre et oriente les choix qu’un individu peut faire de manière acceptable… la personne bien socialisée trouvera que les limites ne sont pas inhibitrices mais utiles… Là où les traditions sont saines, les œuvres des différents artistes sont plus semblables que différentes ; elles sont plus uniformes que personnelles. »
Utilité de l’objetModification
Le type connu de l’objet doit être, ou avoir été à l’origine, utilitaire ; il a été créé pour remplir une certaine fonction dans la vie quotidienne du foyer ou de la communauté. C’est la raison pour laquelle le modèle continue d’être fabriqué. Puisque la forme elle-même avait une fonction et un but, elle a été reproduite au fil du temps en divers endroits par différentes personnes. Un livre révolutionnaire sur l’histoire de l’art affirme que « toute chose fabriquée par l’homme naît d’un problème en tant que solution intentionnelle ». Écrit par George Kubler et publié en 1962, « The Shape of Time : Remarks on the History of Things » décrit une approche du changement historique qui place l’histoire des objets et des images dans un continuum temporel plus large. Il soutient que si le but de la forme était purement décoratif, alors elle ne serait pas dupliquée ; le créateur aurait plutôt conçu quelque chose de nouveau. Cependant, puisque la forme elle-même était un type connu avec une fonction et un but, elle a continué à être copiée au fil du temps par différents individus.
Esthétique du genreEdit
L’objet est reconnu comme étant exceptionnel par sa forme et ses motifs décoratifs. Faisant partie de la communauté, l’artisan est bien conscient de l’esthétique de la communauté, et de la façon dont les membres de la culture locale vont réagir à son travail. Il s’efforce de créer un objet qui correspond à leurs attentes, en travaillant dans le cadre de préjugés culturels (le plus souvent) non exprimés pour les confirmer et les renforcer. Si la forme commune est le signe d’une culture commune, l’innovation permet à l’artisan individuel d’incarner sa propre vision ; c’est la mesure de sa capacité à dégager les éléments individuels et à les manipuler pour former une nouvelle permutation au sein de la tradition. « Pour que l’art progresse, son unité doit être démantelée afin que certains de ses aspects puissent être libérés pour être explorés, tandis que d’autres se dérobent à l’attention. » La tension créative entre l’objet traditionnel et l’artisan devient visible dans ces objets exceptionnels. Cela nous permet à notre tour de poser de nouvelles questions sur la créativité, l’innovation et l’esthétique.