Arte popolare

Dettaglio del bastone del calendario del XVII secolo intagliato con lo stemma nazionale, un motivo comune nell’arte popolare norvegese: Concetti nell’arte popolare

Gli oggetti dell’arte popolare sono un sottoinsieme della cultura materiale e comprendono oggetti che vengono sperimentati attraverso i sensi, vedendo e toccando. Come tutta la cultura materiale, questi oggetti tangibili possono essere maneggiati, ripetutamente ri-esperimentati, e talvolta rotti. Sono considerati opere d’arte a causa dell’abile esecuzione tecnica di una forma e di un design esistenti; l’abilità potrebbe essere vista nella precisione della forma, nella decorazione della superficie o nella bellezza del prodotto finito. Come arte popolare, questi oggetti condividono diverse caratteristiche che li distinguono da altri artefatti della cultura materiale.

Artisti popolariModifica

L’oggetto è creato da un singolo artigiano o da un team di artigiani. Gli artigiani lavorano all’interno di un quadro culturale stabilito. Spesso hanno uno stile riconoscibile e un metodo nella realizzazione dei loro pezzi, permettendo ai loro prodotti di essere riconosciuti e attribuiti a un singolo individuo o laboratorio. Questo è stato originariamente articolato da Alois Riegl nel suo studio di Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie, pubblicato nel 1894. “Riegl … ha sottolineato che la mano individuale e le intenzioni dell’artista erano significative, anche nella creatività popolare. Per essere sicuri, l’artista può essere stato obbligato dalle aspettative del gruppo a lavorare all’interno delle norme delle forme e delle convenzioni trasmesse, ma la creatività individuale – che implicava scelte estetiche personali e virtuosismo tecnico – salvava le tradizioni ricevute o ereditate dalla stagnazione e permetteva loro di essere rinnovate in ogni generazione.” L’innovazione individuale nel processo di produzione gioca un ruolo importante nella continuazione di queste forme tradizionali. Molte tradizioni dell’arte popolare come il quilting, l’incorniciatura ornamentale dei quadri e l’intaglio dell’esca continuano a prosperare, mentre nuove forme emergono costantemente.

Gli artisti outsider contemporanei sono spesso autodidatti, poiché il loro lavoro è spesso sviluppato in isolamento o in piccole comunità in tutto il paese. Lo Smithsonian American Art Museum ospita oltre 70 di questi artisti popolari e autodidatti; per esempio, Elito Circa, un famoso e riconosciuto artista dell’Indigenismo, ha sviluppato il suo stile senza formazione professionale o guida.

Fatto a manoModifica

Il taka è un tipo di arte di cartapesta originario di Paete nelle Filippine. Viene realizzato un solo oggetto alla volta, a mano o con una combinazione di metodi manuali e meccanici; non sono prodotti in serie. Come risultato di questa produzione manuale, ogni singolo pezzo è unico e può essere differenziato da altri oggetti dello stesso tipo. Nel suo saggio su “Folk Objects”, il folklorista Simon Bronner fa riferimento ai modi di produzione preindustriali, ma gli oggetti d’arte popolare continuano ad essere realizzati come pezzi unici da artigiani esperti. “La nozione di oggetti popolari tende ad enfatizzare il fatto a mano rispetto alla produzione meccanica. Gli oggetti folk implicano un modo di produzione comune alla società comune preindustriale dove la conoscenza e le abilità erano personali e tradizionali”. Questo non significa che tutta l’arte popolare sia vecchia, continua ad essere fatta a mano oggi in molte regioni del mondo.

Laboratori e apprendistiModifica

Il design e la produzione dell’arte popolare sono appresi e insegnati informalmente o formalmente; gli artisti popolari non sono autodidatti. L’arte popolare non mira all’espressione individuale. Invece, “il concetto di arte di gruppo implica, anzi richiede, che gli artisti acquisiscano le loro abilità, sia manuali che intellettuali, almeno in parte dalla comunicazione con gli altri. La comunità ha qualcosa, di solito molto, da dire su ciò che passa per arte popolare accettabile”. Storicamente la formazione in un artigianato veniva fatta come apprendistato presso gli artigiani locali, come il fabbro o lo scalpellino. Poiché l’attrezzatura e gli strumenti necessari non erano più facilmente disponibili nella comunità, questi mestieri tradizionali si sono spostati in scuole tecniche o scuole di arti applicate.

Di proprietà della comunitàModifica

L’oggetto è riconoscibile all’interno del suo quadro culturale come appartenente a un tipo noto. Oggetti simili possono essere trovati nell’ambiente fatti da altri individui che assomigliano a questo oggetto. Senza eccezione, pezzi individuali di arte popolare faranno riferimento ad altre opere nella cultura, anche se mostrano un’eccezionale esecuzione individuale nella forma o nel design. Se non si possono trovare antecedenti per questo oggetto, potrebbe ancora essere un pezzo d’arte ma non è arte popolare. “Mentre la società tradizionale non cancella l’ego, focalizza e dirige le scelte che un individuo può accettabilmente fare… la persona ben socializzata troverà che i limiti non sono inibitori ma utili… Dove le tradizioni sono sane le opere dei diversi artisti sono più simili che diverse; sono più uniformi che personali.”

Utilità dell’oggettoModifica

Il tipo conosciuto dell’oggetto deve essere, o essere stato originariamente, utilitario; è stato creato per servire qualche funzione nella vita quotidiana della famiglia o della comunità. Questa è la ragione per cui il disegno continua ad essere fatto. Poiché la forma stessa aveva funzione e scopo, è stata duplicata nel tempo in vari luoghi da diversi individui. Un libro pionieristico sulla storia dell’arte afferma che “ogni cosa fatta dall’uomo nasce da un problema come soluzione propositiva”. Scritto da George Kubler e pubblicato nel 1962, “The Shape of Time: Remarks on the History of Things” continua a descrivere un approccio al cambiamento storico che pone la storia degli oggetti e delle immagini in un più ampio continuum di tempo. Sostiene che se lo scopo della forma fosse stato puramente decorativo, allora non sarebbe stata duplicata; invece il creatore avrebbe progettato qualcosa di nuovo. Tuttavia, poiché la forma stessa era un tipo conosciuto con funzione e scopo, ha continuato ad essere copiata nel tempo da diversi individui.

Estetica del genereModifica

1978 Prima pittura indigena, tecnica mista con salsa di soia, acqua e Tinting Color e vernice a smalto su compensato creato da Elito “Amangpintor” Circa, Filippine, 1978

L’oggetto è riconosciuto come eccezionale nella forma e nei motivi decorativi. Essendo parte della comunità, l’artigiano è ben consapevole dell’estetica comunitaria e di come i membri della cultura locale risponderanno al suo lavoro. Si sforza di creare un oggetto che corrisponda alle loro aspettative, lavorando all’interno di pregiudizi culturali (per lo più) inespressi per confermarli e rafforzarli. Mentre la forma condivisa indica una cultura condivisa, l’innovazione permette al singolo artigiano di incarnare la propria visione; è una misura di quanto bene sia stato capace di estrarre i singoli elementi e manipolarli per formare una nuova permutazione all’interno della tradizione. “Perché l’arte progredisca, la sua unità deve essere smontata in modo che alcuni dei suoi aspetti possano essere liberati per l’esplorazione, mentre altri si sottraggono all’attenzione. La tensione creativa tra l’oggetto tradizionale e l’artigiano diventa visibile in questi oggetti eccezionali. Questo a sua volta ci permette di porre nuove domande sulla creatività, l’innovazione e l’estetica.